淺析電影音樂主題曲發展過程及作用

一、電影主題曲誕生簡介

電影音樂是在影片中體現影片藝術構思的音樂，是電影綜合藝術的有機組成部分。它在突出影片的抒情性、戲劇性和氣氛方面起著特殊作用，電影音樂已經成為一種新的現代音樂體裁。

最早期的無聲電影(默片)就伴有音樂，當時的影片由于沒有音效聲、環境聲與對白聲，音樂就成為彌補視、聽不平衡的方法，最常用的作法就是以管弦樂的強音來表示打擊聲、摔門聲、關窗戶聲，或打雷聲等：至于人物對白的部份，多以樂器演奏的形式來配合呈現，例如男女主角互訴情衷時配上某段歌劇里的二重奏。這種以音樂來替代聲音的情形，其實有更深層的心理意義，從有聲電影問世到三○年代中期，基本上電影音樂家的作曲方式是以純音樂的型態來構思，因此，電影音樂脫離不了古典音樂的氣息。到了三○年代之后，隨著電影的發展以及一些音樂家對電影音樂發生興趣之后，開始為電影寫作專門的樂曲，電影音樂才有了明顯的特性與進步。這個時期的電影音樂家以史坦納(Max Steiner)為代表，史坦納可以說是電影音樂家的鼻祖，他曾是后浪漫樂派大師馬勒(Gustav Mahler)的學生，因此繼承了浪漫樂派細膩旖旎的風格，史坦納首創米老鼠式(MickeyMousing)的編曲方式，為早期的電影譜下不少成功的作品，如《亂世佳人XGoneWithTheWind，1939)、《北非諜影》(Casablanca)等；此外，恐怖大師希區考克(Alfred Hitchcock)與柏納赫曼(BernardHerrman)的《驚魂記》(Psycho，1960)，全片以小提琴的弦樂音響制造出凄栗驚駭的場面，也成為電影音樂的典范。

有聲電影的發明造成片商對電影音樂開始關切，逐漸發展出一套專屬電影音樂家的工作模式。片商與作曲家們簽約，并提供穩定的生活保障，使音樂家們全心投入電影工業中，以音樂來建立公司的形象，同時也嘗試其他不同的音樂表現手法，以達到更成熟的電影語言。至此，電影音樂進入嶄新的階段，由于長期以來音樂家們的努力耕耘與后進者的不斷創新，美國影藝學院有感于于奧斯卡金像獎的頒獎項目缺少了音樂的獎項，而音樂在電影中確實扮演很重要的角色，因此在1934年增加了最佳音樂獎的頒發，首次頒發最佳音樂獎與最佳作曲獎給《一夜之緣》的同名主題曲”One Night ofLove，而同年《離婚喜劇》(The Gay Divorce)中的“Continental”得到最佳插曲獎，這種實質的鼓勵也連帶地影響了整個電影音樂的發展，而且對電影音樂產生正面積極的效應。

當然，電影音樂的評獎也積極推動了電影音樂的發展，例如從1934年第7屆奧斯卡金項獎開始設立音樂獎。在著名的奧斯卡金像獎三十項評選項目中，設有“最佳音樂獎”，其中又分為“最佳作曲”，“最佳配樂”，“最佳歌曲”。這項激勵對推動電影音樂創作，傳播優秀電影音樂起到了巨大的作用。

到了近期，國外有名的電影主題曲數不勝數，如《獅子王》主題曲《Can you fellthe lovetonight》，《愛情故事》主題曲《LoveStory》，《人鬼情未了》主題曲《奔放的旋律》，《音樂之聲》主題曲《TheSound Of Music》，《泰坦尼克號》主題曲《我心永恒》，《畢業生》主題曲《寂寞之聲》……都成為流行一時，并影響數十年的經典電影音樂。

電影音樂的繁榮，也得益于技術的進步。從制作上說，現在電影音樂的制作大多采用數字技術與電腦合成的方式。旋律編寫、節奏安排、配器選擇、和聲設置、速度調整等一系列過程都通過電腦的軟件模擬完成，在程序中形成獨立的信息塊，并使它們之間建立起網絡化通道，用不同的排列組合方式，通過MIDI通道，用監聽、屏顯、復制等方式反饋給作曲家，建立、更新、取消等操作都非常方便。傳統制作過程中需要百人甚至數百人才能完成的效果，在電腦上只需輕點鼠標就可以瞬間完成。數字化制作手段省略了二度創作對作品理解造成的缺失，使編創者和演奏者合二為一。同時還可以運用先進的剪輯技術根據影片情節的需要將不同的音樂分解或組合，做出力度、速度、音色等各種不同的變化。電腦音樂制作，可以無限打開人的思維，有一句俗語，不怕就不到，就怕想不到，形容電腦音樂制作再恰當不過了。

從放音技術來看，現代音樂音效都達到了登峰造極的地步，尤其是恐怖片和動作大片。現代影院大都采用杜比6．1高保真獨立聲道，使用各種先進的編碼及解碼技術，使聲音具有高度的真實感和現場感，讓人驚心動魄。例如，我們看《真實的謊言》，當子彈從左向右橫掃過來時，我們能有非常強烈現場感，當直升飛機的螺旋槳在旋轉時，我們甚至可以分辨出它是順時針還是逆時針旋轉。現在的電影配樂從技術上說都能實現數字化，從制作到放映，現在的數碼影院還可以做到全球同步放映，其音質音效由于是數字處理和傳輸，中間不會產生任何損失。

二、我國電影主題曲

中國電影音樂的發端，最早可以追溯到1930年12月3日聯華公司出品的影片《野草閑花》上映(攝于1929年)，該片以蠟盤配音的方法配制了中國第一首電影歌曲《尋兄詞》(孫瑜詞，孫成壁曲，金焰、阮玲玉演唱)，從此，音樂和中國電影結下了不解之緣。

電影音樂在我國五十年代至八十年代達到了它的黃金時代。那時，隨著每一部影片的放映，片中的音樂旋律便被廣大觀眾所傳唱。如黃梅戲《天仙配》中的“夫妻雙雙把家還”，《小花》中的“妹妹找哥淚花流”，《小街腫的“媽媽留給我一首歌”，《戴手銬的旅客》中的“駝鈴”，《淚痕》中的“我心中的玫瑰”，《紅高梁》中的“妹妹你大膽地往前走”等，將親情、愛情、友情以及對祖國的深厚感情全部包含其中，無論何種類型的影片，只要有好的音樂，都會引起觀眾的喜愛和傳唱。

上世紀80年代，隨著音樂在電影中的地位和觀眾欣賞品位的不斷提高，使電影音樂創作者的重要性日益得到重視，越來越多的專業作曲家加入到電影音樂的創作隊伍中來，形成目前中國電影音樂獨特的“學院派”現象。7這一時期出現了許多有名的電影音樂制作人，如趙季平，三寶，譚盾，葉小綱，翟小松，郭文景等，除此之外，很多后起之秀也逐漸問鼎電影音樂圈，如為《和你在一起》配樂的趙麟，為《我的兄弟姐妹腕樂的巒樹等等，從制作隊伍上說，中國電影音樂制作已形成了一支專業隊伍，但由于目前中國電影不景氣，因而電影音樂也一度陷入低谷，至今都再難見到當年的繁榮景象。

隨著時代的發展，現在電影音樂主題曲在運作模式發生了轉變，如電影《心動》的同名主題曲、電影《情人結》的主題曲的《天使之名》，都沒有出現在電影中，而是作為電影主題曲推廣。這是一個頗有意思的現象。這跟現在電影的市場化運作有關，是時代的必然產物。值得一提的是《臥虎藏龍》的電影音樂在奧斯卡的成功，2001年譚盾因電影《臥虎藏龍》的音樂贏得使他聲名遠播的奧斯卡最佳原創音樂金像獎。正如譚盾所說的話：“《臥虎藏龍》的原創音樂為東西方文化、情感與動作、高雅與通俗化之間架設了一座橋梁，開始了一次多元文化融合的新旅程。這再一次證實了中華文化深厚的底蘊是我創作靈感的源泉。現在這個夢想和這份努力經由奧斯卡金像獎、經由東西方的觀眾而廣泛傳揚，真是讓人歡心不已。我的另一個重要音樂創作理念就是融合被固有文化分隔成不同類別的音樂，讓它們互補長短：比如通過對精神與情感世界的細膩詮釋讓電影音樂更富于藝術性；通過引入新的表現形式和創新觀念而讓古典音樂更具有挑戰性、更能吸引眾多年輕觀眾。”雖然說的是《臥虎藏龍》的音樂，但卻說出了譚盾一貫的音樂理念和追求目標。

在歷史上，香港電影音樂的繁榮階段曾對大陸造成了巨大的影響。例如《新上海灘》主題曲《最愛上海灘》，《黃飛鴻》主題曲《男兒當自強》，《倩女幽魂》主題曲《倩女幽魂》，《英雄本色》主題曲《當年情》，《粱祝》主題曲《梁祝》，《笑傲江湖》主題曲《滄海一聲笑》……都成為大陸人對一個時代的記憶和聯想。

在香港電影音樂史上，有一大批有名的電影音樂制作人。其中，最為有名的要屬黃霈。黃霈和他同期的幾個填詞人的描繪了一個讓大眾非常熟悉的中國印象。如黃霈譜寫的《上海灘》，“浪奔、浪流，萬里滔滔江水永不休。淘盡了，世間事，混作滔滔一片潮流……”讓大陸觀眾對殖民時的中國有了更深刻的認識。又如他作曲作詞的《滄海一聲笑》“滄海一聲笑，滔滔兩岸潮，浮沉隨浪只記今朝。蒼天笑，紛紛世上潮，誰負誰勝天知曉……”。他的電影主題曲充滿豪情，旋律優美，朗朗上口，他的音樂深深影響著國人對電影的感受和理解。

此外，武俠電影在中國有著巨大的觀眾群，因而也誕生了不少動人的武俠電影主題曲和插曲，例如《少林寺》中的《牧羊曲》，《霍元甲》中的“萬里長城永不倒”曾使無數影迷、歌迷為之傾倒。新武俠電影也格外注重音樂，許多用民族樂器中的二胡、塤與西洋樂器中的大提琴、號等混合協奏而成，使得所奏出的曲子或哀婉動人，或蒼勁悲涼，反映出現代人一種懷舊傷感的情緒。如《青蛇》中的“流光飛舞”、《新鴛鴦蝴蝶劍》中的“新鴛鴦蝴蝶夢”不僅對整部影片的故事氛圍起推動作用，而且折射出了現代人的孤獨、仿徨和無奈，往往能沖擊到觀眾的內心深處。

三、電影主題曲的作用

音樂作為電影的組成部分，不僅可以幫助影片突出整體氛圍的渲染，同時也可以對整個劇情起著推動及調節的作用。此外，電影主題曲還能起到強化、豐富、深刻電影主題等多重作用。例如，《城南舊事》將二十年代我國流行的《驪歌》作為主題曲，加上不同器樂的處理和烘托，使影片的主題得以完滿體現。8如過說電影的主題思想，能夠準確的表達電影作者的主要思想，那么作為電影的主題曲，則是電影作者主要思想的感性顯現，是作者對電影情感的集中爆發，觀眾在欣賞電影主題曲時能得到和電影作者相同的情感共鳴。

郭小櫓在她的畢業論文中寫到，意大利作曲家季瓦奧尼·福斯科提出的電影音樂的革新思想：電影音樂給畫面增添了一種感覺元素，這種感覺元素到底是喚起理智呢?還是促進感情?這讓她思考：音樂是間離性的，還是認同性的?電影音樂是一種啟示還是一段渲染?她得出結論，理智性音樂大都用于反常規電影；情感型音樂大都用于常規電影”9在主題音樂的作用上，我非常認同郭小櫓的看法。

情感型音樂讓人著迷和沉醉，它能喚起情感，撫慰心靈，起到藝術的感化作用。如《教室別戀》、《陽光燦爛的日子》，這兩部片子拍攝時間相近(1995年左右)，反映的都是少年時代朦朧的感情和情欲。更令人稱奇的是，這兩部電影的主題曲都有一種宗教般的情懷，旋律如光影的細微變化，輕緩唯美，每當少年心理出現微妙的變化，高興或憂傷，失落或彷徨，這段主題音樂就緩緩響起，像溪流一樣緩緩流淌，輕輕撫慰著少年的心靈，讓人如癡如醉。

隨著時代的發展，這一類的電影主題曲不僅僅停留在追求與畫面相吻合的一般意義上，而更著重于深化影片畫面背后的思想主旨，立足于對影片思想主旨的開拓，從影片思想深層去發揮音樂的藝術功能呢功能，亦即穿過音樂的感性階段而賦予音樂理性的內涵。如電影《人到中年》，影片音樂以主題貫穿的手法，刻畫了女主人公的追求，失落與痛苦，它以交替調式的旋律語言和具有韌性而又純凈統一的弦樂群的音樂演奏，突出影片的悲涼凄婉的基調，音樂很自然地推動觀眾思索產生這一悲劇的歷史原因和社會原因，使音樂具有批判的理性力量。這種風格變化介于感性與理性之間。

理智性音樂則走得更遠，它有一種間離作用，可以喚起理智，起啟示的作用。這種理智性的電影音樂可以提供給觀眾除了情感認同體驗以外的另一種畫面理解力，這種理解力是高于畫面本身的，體現著編導的意圖，在非經典敘事的風格化電影中多見。如電影《廣島之戀》，音樂主題在片頭就出現了。它的音樂功能是以自身結構純粹的美介入影片的，它的地位是指導性而不是附屬性的，它的自身緩慢的流動節奏指導和維持著雷乃擅長的移動攝影，這樣，音樂作用于畫面一種冷靜的理解力。11再如，吳宇森導演的商業大片《變臉》，當尼古拉斯·凱奇扮演的匪徒將一顆威力巨大的定時炸彈放入教堂，然后出來站在唱詩班的后面，與大家一起唱著宗教的贊美詩，無疑具有非常大的反思作用。這雖然不是主題曲，但我們可以明顯感到吳宇森強烈的宗教情懷，除了通過飛舞的和平鴿，多次出現的教堂等畫面，吳宇森在這里用洗滌心靈崇高而深入靈魂的宗教音樂，這里音樂的運用具有相當強的震撼力。

當今社會科技的迅猛發展也給電影的發展帶來了無限商機，國際文化的交流日益頻繁也促使中國電影進入了高水準的發展行列，越來越多的導演把電影主題音樂放在了電影制作的中心位置而愈顯其重要性，電影主題曲也將隨著時代發展為我國電影的發展做出新的貢獻。