繪畫中先影與構圖的運用

摘 要：繪畫是一種平面視覺藝術，是在二維空間上展開的造型藝術樣式。光和影一直都是繪畫藝術的基礎和靈魂；離開光影繪畫也就失去了意義。而構圖作為繪畫的章法和布局，更是諸多繪畫元素中必不可少的一項。理解光影和構圖兩種主要造型元素在繪畫中的運用．有助于美術教學質量的提升。

關鍵詞：平面視覺藝術；先影；構圖

中圖分類號：G633.955 文獻標識碼：A 文章編號：1009-010X(2011)02-0061-02

一、光影在繪畫中的運用

《圣經·馬太福音》中說：“在黑暗中開黎明”，由此可見，光在這個世界中的位置。光是萬物得以顯現并且被賦予生命的神奇物質，有光才有了體積，有了形狀，有了色彩。在自然界中，光造就宇宙萬物；沒有了光，就沒有絢麗多彩的世界，也就失去了萬物生存的基礎。光形成明暗，產生陰影，光和影一直都是繪畫藝術的基礎和靈魂；離開光影繪畫也就失去了意義。早在18世紀達·芬奇就從理論上給予“光影”充分的論述，“論光線——照射不透明體的光線有四種：普遍光，例如地平線上大氣的光；特殊光，例如太陽、窗口、門洞及其它有限口的光。第三是反射光。第四為透射光……”。他是第一個以科學的態度去研究光影變化的人。也正是由于這些不同于前人的觀察與研究，使他的繪畫作品中的“光影”變化更豐富、更自然、更有美感。在達·芬奇的作品中，能夠充分感受到那種柔和幽雅之美，這也正是14、15世紀以來大批藝術家尋求的一種“光影”模式。

西方繪畫對光的運用主要體現在寫實性藝術之中．大概從古希臘開始，一直延續到印象主義。在西方繪畫史中，光的作用集中表現在兩點：真實與理想。所謂“真實”，是指西方繪畫對光的運用是對世界的“真實”的認識和“真實”的表達。所謂“理想”．是指在對光的運用中，西方繪畫形成了對世界的一種“理想”的認識和“理想”的表達?！罢鎸崱迸c“理想”相對又相依，西方繪畫史在一定程度上可以說是在不斷探索真實性的歷程。畫家只有在對光的運用中才能實現對“真實性”的表達，這種表達離不開光，唯有光才是“真實性”的來源，寫實的再現真實的描繪一直是一個最基本的準則，因此對光的運用也體現了畫家的“真實性”的觀念．但是，任何事物都是相對而存在的，貢布里希在《藝術與錯覺》中指出“純真之眼”是不可能有的?！罢鎸嵭浴北厝粫c“理想性”聯系在一起，而對光的運用，也就是一種“理想性”的表現。在西方繪畫史中，對光的運用大致可分為三個階段：第一個階段從古希臘羅馬到文藝復興。在這個時期，對光的運用是為了制造幻象來達到描述的作用。藝術從古埃及到古希臘的轉變，正是古希臘人認識到光的重要，從而認識到明暗，認識到色彩，達到真實的表現。從古羅馬繪畫《龐貝和赫庫蘭尼姆》以及《法尤姆的死者肖像》中我們看不到太多的“光”，光被動地被接受，化為了形體．消解在陰影和明暗中。在中世紀，古希臘、古羅馬的繪畫傳統在拜占庭帝國中得到了延續，對光的運用也得到繼承．第二個階段從文藝復興到18世紀。這時藝術家們已經意識到光的獨立表現力，開始強調一種人工性的設計。光不僅可以塑造形體的明暗，還能渲染氣氛、營造環境，體現畫家的思想。對光的設計大致有幾種：一種是燭光效果，以尼德蘭的托特．辛特．楊斯的《基督誕生》及法國的喬治．拉圖爾的“夜間畫”為代表。另一種影響最大的是明暗對比效果，從達．芬奇的“漸隱法”開始，到卡拉瓦喬的“酒窖光線法”，再到倫勃朗的“明暗法”，成為對光的運用的主流?？傊?，在這個設計光線的階段，著重的是一種亮與暗的對比，在這種對比中既表現出形象，也傳達出一種氣氛一種思想。第三個階段從18世紀一直到“印象主義”。在這個階段，畫家開始表現光線本身，表現真實之光，而不僅僅滿足于把光作為物體的附庸。從17世紀開始，隨著自然科學的發展，人們對光開始有了科學的認識。1666年牛頓發現了光譜，并認識到事物之所以呈現豐富的色彩是由于對光線折射的不同所致。到18世紀，這種科學的發現開始在視覺藝術上產生影響，繪畫描繪的并不是物體本身，而是我們對物體的視知覺。進入19世紀，對表現真實的光線，尤其是外光的興趣不斷增長。19世紀70年代產生的“印象主義”追求對光、色、大氣的表現，最終光在與物體的競爭中占據了上風，不是光服務于物體，而是物體服務于光。在西方繪畫漫長的發展過程中，光影的應用始終貫穿其中，是影響其進程的主要因素，從忠實的模仿到主觀的追求，藝術家們從依賴光影到運用光影，最終達到了對光的解放。

二、構圖在繪畫中的運用

在《辭?！分校皹媹D”指藝術家為了表現作品的主題思想和美感效果，在一定的空間安排和處理人、物的關系和位置，把個別或局部的形象組成藝術的整體。在中國傳統繪畫中稱為“章法”或“布局”。“展紙作畫章法第一”這個術語中包含著一個基本而概括的意義，那就是把構成整體的那些部分統一起來，在有限的空間或平面上對作者所表現的形象進行組織，形成畫面的特定結構，借以實現作者的表現意圖?？傊?，構圖就是指如何把人、景、物安排在畫面當中以獲得最佳布局的方法，是把形象結合起來的方法，是揭示形象的全部手段的總和。常見的構圖形式有以下四種。

1 黃金分割。

黃金分割又稱黃金率、中外比，最早見于古希臘和古埃及。公元前4世紀，古希臘數學家歐多克索斯系統研究了黃金分割的問題，并建立起比例理論。公元前300年前后，著名幾何學家歐幾里得在撰寫《幾何原本》時，吸收了歐多克索斯的研究成果，進一步系統論述了黃金分割，成為最早的有關黃金分割的論著。把一條線段分割為兩部分，使其中一部分與全長之比等于另一部分與這部分之比，取其比值前三位數字的近似值是0.618，這就是黃金分割比。這一比例正好符合人的視覺習慣，對人的視覺產生適度的刺激，使人感到舒適悅目。黃金分割被廣泛地應用于建筑、設計、繪畫等各方面。達．芬奇的《維特魯威人》符合黃金矩形，《蒙娜麗莎》的臉也符合黃金矩形，《最后的晚餐》同樣也應用了該比例布局。在攝影技術的發展過程中，曾不同程度地借鑒并融匯了其他藝術門類的精華，黃金分割也在攝影構圖中廣泛應用．在攝影中最簡單的方法就是按照黃金分割率0.618排列出數列2、3、5、8、……并由此可得出2：3、3：5、5：8、等無數組比值，這些數的比值均為0.618的近似值，這些比值主要適用于：畫面長寬比的確定(如135相機的底片幅面24mmx36mm就是由黃金比得來的)、地平線位置的選擇、光影色調的分配、畫面空間的分割以及畫面視覺中心的確立。攝影構圖的許多基本規律都是在黃金分割基礎上演變而來的。

九宮格構圖也稱井字構圖，屬于黃金分割的一種演變形式。就是把長方形畫面的長、寬各分成三等分，整個畫面呈井字形分割，井字形分割的交叉點便是畫面主體(視覺中心)的最佳位置。實際上這幾個點都符合“黃金分割定律”，是最容易引導人們視覺興趣的視覺美點。這種構圖使畫面富有活力，呈現出變化與動感，避免了把被攝物置于畫面中央而造成的呆板。不是每幅照片都要完全按照黃金分割去構圖，重要的是掌握它的規律后加以靈活運用。

2 對角線構圖。

對角線構圖是指影像在畫面上呈對角的方向分布，線所形成的對角關系使畫面產生了極強的動式，表現出縱深的效果，其透視也會使拍攝對象變成了斜線，引導人們的視線到畫面深處。在攝影畫面構圖中，除明顯的斜線外，還有人視覺感應的斜線，表現在形態的形狀、影調、光線等產生的視覺抽象線，因此對線性的把握是攝影構圖運用的關鍵。這種構圖在繪畫作品中經常見到，對角線構圖避免了左右構圖的呆板感覺，形成視覺上的均衡和空間上的縱深感。

3 對稱式構圖。

對稱指沿畫面中心軸兩側有等質、等量的相同物質、形態的構成形式。對稱是一種自然現象，在自然界、生物界隨處可見，是人們習慣的一種自然形式。從動植物的形態，如：樹葉、雪花…到建筑藝術，都有對稱存在。著名的故宮，從整體布局看．天安門、午門、太和殿直至御花園形成一個軸線．兩側嚴格的遵循了對稱的原則。對稱式構圖分為左右和上下對稱，上下對稱多以地平線、海平面等為軸線，左右對稱多以建筑物、道路、電線桿等為軸。軸線兩側保持著絕對平衡的關系．在人們心理感覺上偏于嚴謹、理性、有秩序、有一種莊重感。多運用正面拍攝角度，表現景物的正面形象，使畫面端莊、肅穆。

4 曲線構圖。

曲線構圖所包含的曲線為規則形曲線和不規則曲線。曲線象征著柔和、浪漫、優雅，運用在構圖中動感效果強，即動且穩，通用于各種片幅的畫面。在攝影中曲線的應用非常的廣泛，可以表現眾多的人體、動物、物體的曲線排列變化以及各種自然、人工所形成的形態，如河流、道路、鐵軌等物體自然的起伏變化。S字形構圖一般的情況下，都是從畫面的左下角向右上角延伸。一般以“S”的形狀從前景向中景和后景延伸，畫面構成縱深方向的空間視覺感，這種構圖的特點是畫面比較生動，富有空間感。

參考文獻：

[1]達·芬奇．論繪畫[M]．人民美術出版社，1979．

[2]穆家麒。西方美術史略[M]．河北美術出版社．1986．