世界唯一的野獸派

集爵士、搖滾、舞蹈、波普、文學和視覺藝術為一身，創于1968年的南岸藝術中心被《衛報》稱之為“全國最有活力的藝術中心”，海沃德畫廊（Hayward Gallery）作為倫敦南岸藝術聚集區的重要組成部分之一，與其他一些南岸區中心建筑、皇家國家劇院、英國電影協會比鄰。隨2007年初南岸中心被重塑定位為南岸區中心，之前的“海沃德”也在2011年初之后更名為海沃德畫廊。

倫敦南岸藝術區位于泰晤士河邊，是利用廢舊港口碼頭和古老倉庫改造的文化旅游區，其歷史可以追溯到上世紀50年代的“英國節”。而今這里已坐落著皇家節目音樂廳、伊麗莎白音樂廳、普賽爾音樂廳，承載世界級藝術展覽的海沃德畫廊，以鋼筋混凝土覆蓋了從滑鐵盧橋至亨格福德橋之間的天際線。這一建筑群有著典型的20世紀60年代野獸派建筑風格——形制巨大、外部裝飾簡陋的建筑潮流，曾遭查爾斯王子公開炮轟，如今這些建筑已代表現存寥寥的野獸派建筑。

野獸派

海沃德畫廊更是世界上唯一一棟野獸派建筑風格的畫廊，大量使用了裸露混凝土結構，有人形象稱之為“混凝土”，建筑本身看起來與周圍其他建筑格格不入，但又以傾斜平面等細節與鐵盧橋和慶典廣場相互呼應。當然倫敦人對它的態度也兩極分化，非愛即恨。海沃德畫廊的最初設計理念是由諾曼·安葛爾柏克（Norman Engleback）主導，最終由一群年輕的建筑師，丹尼斯·克朗普頓（Dennis Crompton）、沃倫·喬克（Warren Chalk）和拉爾夫·魯戈夫（Ralph Rugoff）完成，并于1968年7月9日正式開放。

畫廊空間設計為5部分，2間室內展廳，3個戶外雕塑庭院（混凝土建筑頂層的大片空間），室內室外空間由幾對澆筑的混凝土樓梯連接起來。最初，將雕塑作品陳列在戶外的想法被認為是不切實際的，雕塑庭也很少投入使用，常常不對外開放，直到2007年安東尼·葛姆雷（Antony Gormley）的“盲光作品展”（The Blind Light），才改變了這種現狀。通過電梯到達建筑的頂部后，會發現一個光動能雕塑，這便是菲利普·沃恩（Philip Vaughan）和羅杰·丹頓（Roger Dainton）設計的著名的霓虹燈塔（The Neon Tower），自1971年展出后便一直保留在這里。

霓虹燈塔約48英尺高，包括57個鍍鋅鋼管裝置、108根熒光管，那些黃、紅、綠、藍色的霓虹燈，在風向和風力大小的作用下不斷變化著，已然成為倫敦的地標。旅行指南讀物《孤獨星球》（Lonely Planet）這樣評價：“不論屬哪個陣營，你都會同意，海沃德畫廊為那些一鳴驚人的展覽提供了無與倫比的戶外空間。”

無永久收藏

海沃德畫廊依據已故的伊薩克·海沃德爵士（曾經的倫敦郡議會主席）命名，由英國藝術收藏委員會（隸屬英國藝術委員會）管理。雖然在理論上變成了一個新的國家博物館，但與接受國家基金支持的其他英國畫廊不同，海沃德畫廊收取入場費。

同南岸藝術中心一樣，畫廊半數以上的資金來自英國藝術委員會的補助，其余則靠門票、場租、書店及餐飲收入，這是目前最大的經營困境。在2003年的畫廊改造中，丹·格雷厄姆在東區咖啡廳上方建造了一個新的橢圓形狀的玻璃亭，訪客可在底樓咖啡館小憩，而它在夜間搖身變為酒吧。藝術總監卡若利吉漢表示，他們愿意讓餐飲收入逐年增加，即使是來喝一杯咖啡他們都竭誠歡迎。

但這并不妨礙畫廊舉辦舉世矚目的好展覽。1968年7月11日至9月8日，海沃德舉辦了第一個展覽，“馬蒂斯1869～1954：回顧展”（Matisse 1869～1954： A restrospective exhibition），有約114214人前來參觀，轟動一時。2009年倫敦弗利茲博覽會上，因為金融危機和全球股市的崩盤，買家出手謹慎小心，但得益于海沃德畫廊為愛德·拉查斯舉辦的展覽及泰特美術館的努力，在蕭條的境況下，那年的美國客戶還比前一年有所增加。

這些其實都與藝術收藏委員會離不開關系。從1968年至1986年，畫廊由委員會運營，后來管理權移交南岸區中心。始于1946年的藝術藏品委員會，可以說是世界上最大的關于現當代英國藝術品的借貸收藏委員會，藏品主要為21世紀的一些重要英國藝術家作品，包括超過3000幅油畫、手稿和戶外雕塑，及超過1700 幅的印刷藝術作品和2000張照片。

畫廊作為藝術收藏委員會的一部分，因此有了強大的后盾，也是委員會舉辦的全國巡回展覽計劃的基礎——海沃德畫廊游覽（Hayward Gallery Touring）每年有約22場展覽，分布在大不列顛島和愛爾蘭的120個場館，每年的人流量約為100萬。在海沃德畫廊，人們能經常能看到各種雕塑、視頻和流動裝置作品展，畫廊每年還舉辦3～4次大型藝術展覽。已舉辦過的重量級展覽包括達·芬奇、愛德華·蒙克作品展以及法國印象派展覽等。

近年來，畫廊的策展方向更為關注當代藝術研究，如丹·弗萊文（Dan Flavin）、安東尼·格雷姆（Antony Gormley）、羅伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）等展覽。翠西·艾敏（Tracey Emin）“愛是你所要的一切”及大衛·史瑞格里（David Shirgtey）的“頭腦活動”這兩場展覽非常受歡迎，以至于畫廊不得不出售分時段的參觀票。畫廊唯一的遺憾便是沒有永久藏品。

改變的藝術

盡管畫廊的展覽空間對藝術家和策展人來說都是極大的挑戰，然而藝術狂熱分子卻從未因此望而卻步。2012年的展覽“無形：1957～2012年看不見的藝術”（Invisible： Art about the Unseen 1957～2012），正趕上倫敦奧運會檔期，開幕之前已經被標榜為“你從未遇見過的最棒的展覽”。展覽中所有參展作品都是無形的，觀眾花8美元進去看展，但可能費盡心思卻覺得什么也沒看到。而主辦方的官方通稿會告訴你，這是在英國首次集結探討無形、隱藏和未知理念的藝術群展，包括過去半個世紀最為重要的藝術家安迪·沃霍爾、伊夫·克萊因、羅伯特·巴里、克里斯·波頓、小野洋子等，作品共50件。

很多人戲稱“皇帝的新衣”又來了，換上新裝了，更多的是這樣的調侃“我會出席這次展覽，但到時我會是隱身的”、“啊，我有一件看不見的畢加索打算要賤賣，如果有人需要請聯系我。它就掛在我的客廳，旁邊還有一件看不見的梵高。”還有人揣測這是對英國藝術經費削減的一種抗議——沒有經費所以只能展這樣的無需材料的作品。雖然海沃德畫廊館長拉爾·羅奧夫（Ralph Rugoff）表示，“這個展覽意在強調藝術并不只是一些實物——藝術是點燃想象力的東西，這就是藝術家們在展覽中以不同形式展出的東西。”

畫廊不只在展覽形式方面走在前端。除了藝術收藏委員會藏品的兩次集成展“英國藝術1940～1980”、“怎樣改善世界：英國藝術60年”，早在2005年，海沃德便開始對亞洲藝術進行探索，舉辦了“普世經驗：藝術、人生、游歷之眼”群展，中國藝術家展望參展，展覽受到各方關注。

自20世紀90年代以來，中國成為全球藝術圈的“應許之地”，各類群展層出不窮。當代藝術世界的全球性特質，令人們總是努力將藝術家根據地理學進行分類，因此一系列的研究性展覽，而今已經有模有樣地被各種展覽機構所借鑒，成為兼顧國際性和本土性的良方。海沃德舉辦的，展示過去20年來中國裝置藝術和行為藝術的展覽“改變的藝術：中國新方向”（Art of Change： New Directions from China），更是可見一斑。

此次展覽展示了9位中國藝術家1993年以來創作的40組行為藝術和裝置藝術作品，包括陳箴（已故）、汪建偉、梁紹基、段英梅、顧德新、徐震、沒頂公司（MadeIn Company）、孫原、彭禹，探討改造和無常的涵義。策展人斯蒂芬妮·羅森塔爾（Stephanie Rosenthal）表示：“這個展覽就是想讓世人看到，在裝置藝術和行為藝術方面，中國藝術家們同樣走在國際前端”以及“想探索東方式思維是否仍然存在于當代中國藝術中”。

“亞洲視野”板塊固然為倫敦本地畫廊提供了極好的商業機會，然而這種人工劃分也可能隱藏著陷阱。因此展覽收到的多數是反對和指責的聲音。正如《衛報》所說：“我非常熟悉這些人的作品，他們的確來自中國，但這就好比中國城的餐館賣宮保雞丁和咕嚕肉，雖然食客知道這是中國菜，但這是消費主義時代一個標準化的產物，無法借此理解當今真正的中國生活。”《金融時報》撰稿人瑞秋·斯賓塞也對這類做法提出了質疑，“它是否會把亞太藝術局限為一種充滿異國情調的特色門類？”

館長拉爾夫·羅奧夫回應：“‘改變的藝術’是海沃德畫廊承諾展示世界各地最好藝術的一部分，我們想讓畫廊成為某種門戶，不僅展示優秀英國藝術家的作品，也展示全球各地最有趣的藝術品”。顯然大多數畫廊、美術館和藝術家都不想承擔所謂“文化大使”的“重負”，正如倫敦德菲納基金會主席阿倫·希薩爾（Aaron Cezar）認為的那樣，“在海沃德畫廊接待賓客時，印度攝影藝術家辛格（Dayanita Singh）不愿意提供印度咖喱角，她也許會提供壽司或者松餅。”不可否認，這種前衛的展覽理念是多數畫廊所沒有的。