理查德·漢密爾頓 對現代社會的細膩觀察

2月13日至5月26日，理查德·漢密爾頓（Richard Hamilton）作品回顧展在泰特現代美術館（Tate Modern）舉辦。作為二十世紀最具影響力的英國藝術家，其最廣為人知的成就莫過于發起波普藝術，他的職業生涯在嘗試和創新中持續了六十年。從二十世紀五十年代他的早期展覽設計到2011年創作的最后的繪畫，此次回顧展泰特現代為我們呈現了漢密爾頓作品的全貌，并揭示了漢密爾頓與設計、繪畫、攝影和影像等諸多領域的關系。

漢密爾頓最知名的是他在波普藝術誕生中的關鍵性角色，這其中就包括1956年開創性的裝置作品《趣味屋》（《Fun House》）。在令人身臨其境的房間里，包含了來自電影海報、雜志和藝術史中的各色圖片，這些正是此次展覽的核心展品。《是什么使今天的家庭如此獨特、如此具有魅力？》（《Just what is it that makes todays homes so different， so appealing？》）為印刷時代帶來了新定義。《動蕩的倫敦67》（《Swingeing London 67》）則記錄了米克·賈格爾的標志性事件，還有其他如平·克勞斯貝和瑪麗蓮·夢露等諸多明星的圖片，這顯示出漢密爾頓對流行文化的持續關注。更廣泛的當代事件和政治議題也在他的作品中得到解決，這其中包括肯特州立大學槍擊案（Kent State shootings）與愛爾蘭共和軍的“骯臟抗議”（dirty protests）。還有一些作品如《治療室》（《Treatment Room》）和《震懾和敬畏》（《Shock and Awe》）中也出現了瑪格麗特·撒切爾和托尼布·萊爾的圖像。漢密爾頓對于室內設計、建筑學和圖案設計的興趣體現在他把紐約古根海姆博物館里的每一件物品都描述為經典款的博朗烤箱。《每日電訊報》評價道：“此次展覽給人留下了深刻印象。大方，易懂和全方位性，這正是漢密爾頓引以為傲的地方。”

開創性工作

漢密爾頓是英國戰后藝術的主要人物之一，但是和培根和弗洛依德不同，他并不經常創作強大有力并且令人難忘的圖像，在他的展覽中這些圖像也不是經常展出的內容。與此相反，在一些真正的突破固有模式的創新中，漢密爾頓總是能提出一些新點子。

此次泰特現代的回顧展，從全新的角度證明了漢密爾頓也是裝置藝術的先鋒。這其中包括五十年代的一些展品的復建，這些展品那時被看做是一些小型展覽，但是現在已經用藝術家認可的方式被重新分類，它們現在是裝置作品了。這其中最著名的是1965年的合作項目《這是明天！》（“This is Tomorrow！”），這預示著波普藝術的到來。這些作品中包含著其他多種類型的材料，有前沃霍爾形式的瑪麗蓮·夢露，自動點唱機，和杜尚那旋轉而令人眼花繚亂的《Rotoreliefs》。

娛樂性確實令人愉快，但是是否它可以長久的存在于藝術之中是值得商榷的。在《這是明天！》目錄中，漢密爾頓創作了其著名的拼貼畫《是什么使今天的家庭如此獨特、如此具有魅力？》。在一個滑稽的現代室內，包含了手拿棒棒糖形網球拍的肌肉男，和一個帶著燈罩的裸體女人，在他們周圍環繞著艾森豪威爾時代的美國生活必需品。這對于當代生活和六十年代的藝術都算是一個不太壞的預言。

這是在沃霍爾和利希滕斯坦之前的藝術。在波普藝術的規則構建之前，漢密爾頓就有先見之明的將其定義為“流行的、瞬時的、可消費的、廉價的、大量生產的、年輕的、詼諧的、性感的、巧妙的、迷人的和大生意。”漢密爾頓沒有實際創作大量的作品，在接下來的幾年中他創作的繪畫作品只有兩個系列，名稱分別為《致敬克萊斯勒公司》（《Hommage à Chrysler Corp》）和《關于男裝和配飾未來趨勢的明確聲明》（《Towards a definitive statement on the coming trends in mens wear and accessories》）。這幅描繪克萊斯勒公司汽車的繪畫，只簡化為一個顯眼的車前燈和少量的保險杠和散熱器片段。這也許有些輕微的荒謬變形，也有些許超現實主義的情愛態度。（有相當的理智性因素存在于漢密爾頓的作品中）。在下一個十年中，漢密爾頓為人們帶來的更多的原始幻想因素，甚至包含了平·克勞斯貝電影中的場景，“我經常夢見白色圣誕節”，他用彩色負片描繪優美的圖畫，因此把克勞斯貝的臉涂成了藍色。

通過對他的偶像詹姆斯·喬伊斯和馬塞爾·杜尚的思考，漢密爾頓很早就提出了“藝術的全部就是思考”。對于這兩位藝術先鋒的思考，使他得出藝術家不需要招牌風格。并且，漢密爾頓也確實沒有什么標簽式的作品，每一次的創作基本上都是新想法的呈現。

基于一種對于當代文化的扭曲觀察，漢密爾頓轉換成了一種憤怒的風格，在1970年后更多的成為了政治藝術家。然后創作出的《戰爭游戲》（《War Games》），是以血滲出電視機的圖片來表現第一次海灣戰爭，或是《治療室》，是瑪格麗特·撒切爾在顯示器上做關于英國國民醫療保健制度的演講——這表達了漢密爾頓自由主義的觀點。以電腦輔助的繪畫和照片，可以看做是他最后幾年對于技術上的革新。

波普之父

作為早期的波普藝術家，漢密爾頓的藝術創作范圍極廣，繪畫、拼貼畫、雕塑、版畫等均有涉獵。1956年，他在倫敦白教堂畫廊參加了《這就是明天！》的畫展，其中極具感染力的《是什么使今天的家庭如此獨特、如此具有魅力？》宣告了波普藝術的誕生，也因此漢密爾頓被稱為“波普藝術之父”。

1922年，漢密爾頓出生于英國倫敦的皮姆利科，盡管沒有受到過太正規的學校教育，他還是努力以學徒的身份在電力公司獲得更多的工作機會。在這里他學會了制圖術，并且在上夜班的時候去圣馬丁藝術學院（Saint Martins School of Art）學習繪畫，這也讓他有機會進入皇家藝術學院（Royal Academy Schools）學習。戰后，在斯萊德藝術學校藝術學院（Slade School of Art）和倫敦大學學院（University College London）開始展出他在當代藝術中心（ICA）的作品，與此同時，漢密爾頓也在藝術與設計中心學院（Central School of Art and Design）任教。縱觀他的職業生涯，曾多次在泰特美術館、古根海姆博物館等這樣的頂級機構舉辦展覽，他的代理機構高古軒就曾評價他是有著無與倫比的繪畫技巧、創造力以及持久權威性的先鋒藝術家，真正令漢密爾頓著迷的是當代社會的真實性，他對新生代藝術家的持續影響力是無可估量的。

漢密爾頓對于現代都市的觀察是細致入微的，生活場景、風俗風貌和重大事件都在他的考察范圍之內，在這其中，他敏銳的挖掘出通俗文化的潛力，并認為波普藝術需要大量的人口消費，也需要巨大的娛樂機器來制造，是消費者的對等產物，其個性化與精煉的程度從根本上說也是一種健康的活力。漢密爾頓曾為披頭士樂隊設計《白色專輯》的封面，1993年的威尼斯雙年展，他憑借在英國館的展覽而獲得金獅獎。在創作的過程之中，漢密爾頓將高雅的藝術和普通的生活緊密結合在一起，流行文化中的產品海報、廣告標語和著名人物照片等都成為了他的創作對象，電影院和各色流行雜志則是他獲取視覺靈感的來源。

漢密爾頓所采用的波普藝術的創作方法，是挪用一些經典形象進行印刷、拼貼等，這些元素往往采取的是超級寫實的表現手法。

1958年的作品《她》（《$he》），是他對風格的一次小結，漢密爾頓向別人描述它時說道：“廣告人的反思就是對消費者夢想的詮釋”，創作的主要材料來源于弗瑞吉戴爾冰箱廣告。整幅畫面就像是一間無窮大的展覽室，他至少羅列出了十種資源，這些資源都由著名的設計師創造并屬于知名品牌。冰箱、女性、混合烤箱、真空吸塵器：漢密爾頓成為了一個為日常波普元素繪制“肖像”的狂人。畫面中的商品都是供人日常消費的，這一點從作品題目中的“$”就可以看出。再一次，畫面中的女人減少到了最情色的“本質”，不像是另一作品中《向克萊斯勒致敬》中胸部和嘴唇的處理方式，這次是對眼鏡和臀部進行了創作。臀部是白色的浮雕效果；眼睛像是塑料的，被按壓在它的位置上。眼睛的閉合就如同冰箱的開關，打開與關閉好似烤箱的操作，人與物架構起了某種關聯。很顯然，在波普藝術的世界里，有活力的事不僅僅是類似于沙丁魚罐頭類的廣告，也遠非雅各·拉岡（Jacques Lacan）的精神分析，在漢密爾頓的作品里，凝視就是一種誘惑式的眨眼。他的這一表現方式是對日常生活的新穎表達，符號的堆砌是精煉的概括方式，這滿足了現代人對信息的渴求。

1965年，漢密爾頓將他的目光投向了超級流行偶像瑪麗蓮·夢露，《我的瑪麗蓮》（《My Marilyn》）是以一系列夢露照片中的連續鏡頭為基礎進行的創作。照片的負片中出現了夢露被編輯過的頭像：這些照片是被剪輯過的，她的自有形象和被毀掉的形象形成了強烈的對比，觀眾看到的就是夢露要表現的，也是她的本來面目。漢密爾頓的瑪麗蓮·夢露還是一個超級明星，但是減少了情愛的元素，沒有了人為操作，她所表現出的是強大的自我魅力。

漢密爾頓的拼貼藝術手法從誕生之日起，其影響力一直影響至今。在波普藝術之前，生活和藝術是涇渭分明的，這兩者很少發生深刻的聯系，波普藝術改變了這一狀況，它成為一座橋梁，讓藝術走入了普通生活。另一方面，廣告、工業設計品等曾經不被認為是藝術的元素也被收納入廣義的藝術定義之中，這對于英國乃至后來國際上的藝術風潮都產生了深遠的影響。理查德·漢密爾頓作為“波普之父”以其持久的創作熱情和對現代社會的細膩觀察，創作出了一批具有深遠意義的作品。極具時代符號的創作題材，經過他的提煉和再創作，帶給了人們重新認識日常生活的新體驗。大眾文化上升到了藝術的、美的范疇，人們看到了更多的普通生活中所迸發的藝術魅力。（編譯：呂燁 圖片提供：泰特現代美術館）