關于巴赫《無伴奏大提琴組曲》的演奏研究及風格問題

萬翔

【摘要】約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（1685-1750）是巴洛克時期德國最具影響力的音樂家，被后人稱為“近代音樂之父”。巴赫的創作幾乎包含了音樂中的所有體裁，其主要作品有：200余首宗教及世俗康塔塔，若干圣詠曲，宗教曲，大量的管風琴曲、鋼琴曲、協奏曲、室內樂作品和組曲。巴赫是巴洛克音樂的集大成者，是里程碑式的人物，他的音樂對歐洲乃至整個世界音樂文化的產生與發展奠定了堅實基礎。在我國的專業院校里，學習西方音樂的學生無一例外的都會接觸到巴赫的音樂。所以本論文試圖以《六首無伴奏大提琴組曲》為切入點，主要立足于《第六組曲》中《薩拉班德舞曲》，《吉格舞曲》進行全面的分析，圍繞創作的時代特征，組曲結構，演奏風格，在實際演奏中指法，弓法的運用及版本比較展開討論，對德國傳統流派與俄羅斯流派在演奏中的相同點與不同點進行比較與歸納整理，并對一些新興的演奏形式詳細介紹，為大提琴的演奏和學習提供借鑒。

【關鍵詞】巴赫；六首大提琴無伴奏組曲；薩拉班德舞曲；吉格舞曲；實際演奏技巧；風格分析

眾所周知， 巴赫在音樂創作中重視復調的運用，并起著主導性的作用，這種復調音樂思維方式的形成，是在主調和聲音樂發展到一定水準時建立起來的其中有清晰的和聲結構與功能。他將復調音樂發展成為主調音樂，大大豐富了音樂的表現力與感染力。巴赫往往通過節奏的對比與變化，來表現復雜的平衡關系。再通過這種均衡的關系作對位，復調的處理，是音樂達到了極為豐富的循環。巴赫的音樂是簡單也是復雜的，甚至接近于數學與邏輯。有人曾說，巴赫的音樂是一種像宇宙本身一樣不可思議的本體現象。從音樂旋律特征上看，巴赫常使用多聲部，相互模仿的手法，這是他的音樂連綿不斷的交織進行，具有深刻的抒情性。巴赫確定了大、小調功能和聲體系，使得今后的音樂發展具備了無限發展的可能，他被貝多芬稱之為“和聲的創造者”。

有關《巴赫六首大提琴無伴奏組曲》

巴赫六首無伴奏組曲被稱為“大提琴音樂中的圣經”，是大提琴樂曲中極其重要的一部作品，它不僅要求演奏者有扎實過硬的技巧，更為重要的是對創作及演奏風格的熟練掌握與運用，最終達到演奏，理論，精神的統一。這套組曲無論對大提琴演奏家還是音樂學家而言，均愿意奉獻其畢生精力去研究和探討。試圖在具體的音樂研究中和實際演奏中尋求一種完美的理解方式。組曲，是由多首樂曲組成的音樂形式。組曲的起源，可以追溯到中世紀，是由幾首風格各異的曲子組合而成，組曲的創作在巴洛克時期到達了創作頂峰。巴洛克時期的組曲主要有四首特定的舞曲為核心，他們分別是：阿拉曼德舞曲（Allemande），庫蘭特舞曲（Courant），薩拉班德舞曲（Sarabande），吉格舞曲（Gigue）。在這順序固定的四首樂曲之外，同時可對其加以擴充，在阿拉曼德舞曲前可以加入前奏曲（Prelude），在薩拉班德舞曲和吉格舞曲之間添加加沃特舞曲（Gavotte）或小步舞曲（Menute）。

作品的文本分析及演奏體會

以薩拉班德舞曲為例：薩拉班德舞曲（Sarabande），是一種西班牙舞曲，多為3/2拍或3/4拍，前后兩段曲式，后段較長，各自反復。這種舞曲有別于其他舞曲：以穩重的和聲結構緩緩推展，采用塊狀聲響，緩慢，莊重。個人認為這首舞曲是首組曲中最難的一首。（見譜例1）

薩拉班德舞曲第一部分完整的出現了全曲的第一句旋律，由兩部分組成的一個連貫織體。旋律部分為和弦的高音部分，豐滿的和弦作為堅實的基礎音符加以支撐，從而更好的突出高音聲部的旋律。演奏時要盡量的保持住樂句的連貫性，流暢穩定的運弓是關鍵，右手的重要性在這首樂曲中體現的淋漓盡致。演奏者在演奏時要保持頭腦的清醒與克制，既要有合理的音樂思路作為整體指導，還要有扎實連貫的右手作為保障，能做到這幾點實屬不易，演奏者應在練習中敏感的感知與把握。另外，這首舞曲是整首組曲中速度最慢的一首，合理的制定一個速度是演奏好這首曲子的前提。不可以過于的緩慢，那樣會顯得沒有動力，十分拖沓，整體會支離破碎，失去了樂曲的完整性。“速度在整個舞曲中顯得格外敏感，與作品的特性緊密相關。一旦演奏者被這些章節的意味所鼓舞時，他定會覺得自己沉浸在樂曲的正常速度中，勝似參照一個節拍器的指導。”（保羅·托特里埃）（見譜例2）

第二部分明顯比第一部分長出很多，是第一部分的充分延伸及繼續發展。在整體情緒上要比第一段更加流動，同時注意右手弓子位置及留弓，和弦的保持及深度的延伸。賦予旋律莊嚴的氣質及豐厚的音響，緩慢但不拖沓的推動音樂向前發展，像是巴赫在哲理性的思考一樣，耐人尋味，仿佛要將他宇宙般的思想通過音樂的流動傳遞給聽眾。演奏時力量盡量下沉，自然勻稱，音色沉穩但不失流動性，盡量做大連線，和弦之間的轉換做到圓潤流暢，不受牽絆。

加沃特舞曲（Gavotte）， 是當時相當流行的宮廷舞曲，放在組曲中通常是緊接著薩拉邦德舞曲，也是兩段式結構。演奏順序是先演奏第一加沃特舞曲，再演奏第二加沃特舞曲，緊接著反復到第一加沃特舞曲，最后在第一加沃特舞曲結束。加沃特舞曲用作慢樂章（薩拉班德舞曲）和終曲（吉格舞曲）之間作為過渡，目的在于使聽眾有時間得到松弛一下。（見譜例3）

加沃特舞曲是巴洛克時期非常流行的一種宮廷舞曲，最大的特點就是充滿活力及跳躍性，動力感十足。在演奏時要以穩定踏實的速度進行，在演奏開頭的三個和弦時，前兩個要短促且集中，最后依靠在第三個和弦上，豐滿而充實。在后面類似的地方，演奏法均為一致。在演奏時，演奏者應先試唱，隨著旋律的高低起伏，理清樂句的走向，感受重音帶來的微妙變化。個人認為只要把握住這幾點，就可較充分的理解并演奏。

第二首加沃特舞曲的風格和第一首基本保持一致，但步調更加輕盈明快，線條更加流暢自然。要注意保持節奏的動力，不能拖節奏，在有限的時間里，盡量表現出“連”和“斷”的效果，在整體的意識里要有舞蹈的畫面。值得一提的是，作者在這段舞曲中加入了模仿風笛的演奏效果，使得該曲的色彩更加豐富。在演奏這段時，左手要凸顯旋律音，可以適當的加入少量重音（accent），松弛柔和，富有彈性，注意整體的連貫。（見譜例4）

有關于《巴赫大提琴無伴奏組曲》的風格問題

（一）關于左手問題

揉弦：

正確的認識揉弦在《巴赫大提琴無伴奏組曲》所起到的積極作用，可以使演奏者以更加具有生命力的演奏來詮釋這一偉大作品。眾所周知，巴洛克時期的提琴演奏很少使用到揉弦，這與當時的樂器構造和審美價值觀有直接的關系。于是，現在對于如何更好地演奏這一組曲有著不小爭論。一些流派只按照巴赫手稿上的弓法，基本不用揉音。另外一些則傾向于較浪漫的演奏，使用到大量揉音。個人認為，作為一個“現代的“大提琴手，這兩種風格都是極端的。完全按照老舊的方法去演奏而不做任何改變在現如今是不可取的，但是完全利用現代的手法去演奏巴赫也是過于草率的。筆者認為要在兩者之間找到一種完美平和的平衡，才是在當代演奏好組曲的關鍵。沒有任何變化的左手是不受大家歡迎的，因為它失去了生命力，適度的在演奏中運用揉弦可以豐富組曲的音色，增加組曲的活力，更可以使右手得到放松。無論使用怎樣的揉弦，都要以一個宗旨為目的：陳腐的老舊方法即嚴格遵守既定事實，拒絕作出任何改變，在這個時代應當已經被對美的不懈追求所取代，即美感比任何事實更真實，更重要。

（二）關于弓法與指法的問題

保羅·托特里埃曾經說過：“在每個樂句中尋求理想的弓法，是每個大提琴家終身面臨的挑戰。”筆者認為，他的這一觀念也適用于指法的選擇上。選擇正確的弓法與指法是為了更加突出某些主題樂思，表達某種風格特征及情感，更加便于演奏等等。但是，筆者認為弓法和指法會隨著演奏者的經驗的增加，演奏能力的增強，音樂審美能力的提高而不斷變化，不會有一種“絕對完美”的弓法與指法，只能說在某一階段找到了一種相對合理的弓指法。

當今的演奏者該以怎樣的一種標準去權衡這種關系，值得我們思考。沒有變化近乎古板的演奏不會引起現代聽眾的共鳴，而過于自我個性的處理也會讓人感覺不到巴洛克的味道。其實對于現代演奏者來說沒有一個標準的對與錯，隨著演奏者個人閱歷的豐富，演奏水平的提高，在各個階段所呈現出來的“巴赫”都會是不同的，我想這才是巴赫的偉大之處，他的作品指引我們去探索一切表現美的可能，同時也讓我們更好地了解豐富了自己的情感。冷冰冰的詮釋不會讓人感動，一切的宗旨都是不懈的追求音樂的美感，只有美感是最真實，最動人的。

結語

《六首無伴奏大提琴組曲》是大提琴演奏曲目中的“圣經”。每一個大提琴演奏者都會將這首作品作為畢生研究學習的對象，這首作品就好像是一面鏡子，演奏時的全部缺點和問題都會毫不隱藏的展露出來，所以不是每一個演奏者都可以輕易地駕馭這首作品，它不僅需要精巧的技術作為基礎，更需要深厚的音樂感悟和理解作為保障和支撐。《六首無伴奏大提琴組曲》為大提琴的演奏藝術開創了新紀元，對大提琴演奏藝術的影響樹立了一座歷史性意義的豐碑。

參考文獻

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