從重視技巧性高于音樂性的現狀審視音樂教育的培養過程

孫夢遠

（沈陽師范大學音樂學院，遼寧 沈陽 110000）

從重視技巧性高于音樂性的現狀審視音樂教育的培養過程

孫夢遠

（沈陽師范大學音樂學院，遼寧 沈陽 110000）

音樂演奏的技巧能力是表達音樂內涵的基礎，被動地學習音樂無法成為真正的音樂人，音樂情感的表達才是音樂本身的魅力所在。

演奏技巧；音樂性；流行音樂；李宗盛；電聲樂隊；音樂教育

演奏技巧能決定音樂的品質嗎？不能，在一部分人心中，只重視演奏技巧而忽視音樂的情感，這說明什么？針對這一現象，我們該如何尋求改變？

常聽到樂手提起：“這吉他點弦彈的好，指彈速度200多”，“這鍵盤演奏技術高”，“這貝司手擊勾技巧很棒”；“這鼓手雙踩技巧好”等，似乎有高超的演奏技巧就是好樂手，亦或有高超演奏技巧的樂手演奏的音樂就是好的音樂，技巧成為了衡量音樂水準的終極標準，而很少能聽到“他的音樂感覺特別好，聽他的音樂會身臨其境”或“他的舞臺表現力特別好”等。概念誤區讓演奏音樂成為一部分人炫耀所謂音樂水準的橋段和資本，存在于各大音樂專業院校中的音樂學習者中，可見，我們在培養他們的過程中某些階段出了問題。

音樂的學習過程往往是枯燥無趣的，這一過程導致了音樂學習者從最初的興趣變成了排斥——被動——習慣——無感……，本應優雅動、聽陶冶情操的藝術形式變成套住琴童十年以上的枷鎖，琴童并未領會作品內涵，只是機械地按照老師的要求完成作業，提升手指的演奏速度和力度，用練習曲的程度衡量演奏水準必然忽略音樂的表現力和藝術性，這樣培養出來的學生考上大學后就出現上述筆者所講的只注重演奏技巧的情況，而一些不是專業學習音樂的人反而因為在初中或高中階段突然對某一首歌、某一件樂器產生了濃厚的興趣，自發去鉆研，而濃厚的興趣是他們堅持并且成功的關鍵，“音樂教父”李宗盛就是最好的例子。

14歲時的李宗盛才剛剛“結識”了吉他，相比眾多中國琴童來說，他走進音樂的時機錯過了大部分教師眼中學習音樂的黃金時段。可正是因為這樣的年齡，他具備了足夠的自我意識，喜歡音樂的他對吉他愛不釋手，興奮得手舞足蹈，抱著吉他自學樂理。十年后的他，憑借這把吉他點亮了半個華語樂壇！1982年他首次制作的《小雨來的正是時候》標志著李宗盛正式進入唱片界；1989年為陳淑樺制作的專輯《夢醒時分》成為臺灣唱片業第一張銷售過百萬的華語專輯，將華語流行音樂的發展推上高峰，也是他日趨成熟的代表作。《我是一只小小鳥》《不必在乎我是誰》，《愛的代價》《當愛已成往事》《真心英雄》《愛如潮水》《領悟》《傷痕》《夜太黑》《信仰》《凡人歌》等無一不是經典之作。他的創作沒有華麗的辭藻，沒有故弄玄虛和意象化或朦朧晦澀的語言，多用平易近人的語言和帶有濃厚感情的旋律線條，幾乎每個人都能在他的歌里找到自己的影子，而聽者常流著眼淚沉浸在他營造的人生感悟中無法自拔。他的音樂更接近藝術的本質，他用愛與情感、生活的細節甚至柴米油鹽的瑣碎表達或打動人心，或沖擊著聽者的靈魂！

在音樂的創作或演奏過程中，理論與演奏技巧的重要性是毋庸置疑的，但這些技巧應為什么服務呢？是情感！沒有情感的音樂就沒有吸引力和感染力。

對于音樂傾聽者來說，音樂的情感是最動人心弦的，是能把生活變得更美好、更具有幸福感的美妙事物，而對于音樂創作和演奏者來說，豐富的想象力是演奏或演唱的音樂富有情感的基礎。對于李宗盛來說，“悟性”是他的老師，對于音樂學習者或音樂教育者來說，培養學生的“悟性”，激發學習者的熱情是解決重技術性輕音樂性這一問題的根源。

一、音樂教育者的探索教學

（一）激發學習動力

興趣是學好音樂的動力，教師應善于發現學生喜歡的音樂風格和元素，以此展開教學。例如，學生小A喜歡《I BELIEVE》這首歌，這是最好的激發她學習興趣的時機。教她自彈自唱的方法，此過程中，遇到演奏技巧和節拍控制的難點再引導她讓她覺得需要演奏練習曲來解決問題，好過不讓她彈與“教學大綱”無關的《I BELIEVE》而布置練習曲練到煩躁厭惡，當一個學生因為對一首歌有了興趣而自發地覺得需要解決其中的難點的時候，她就會為了這首歌而努力。

（二）最好的老師是自己

學生練琴時不動腦筋，發現問題不思考，留著問題給老師解決。授之以魚，不如授之以漁。自學的能力決定了學生進步的快慢和他未來的教學、演出等工作能力。首先，培養學生的自我審視和聽力。例如，給學生做示范演奏的時，設置陷阱演奏幾個錯誤的音符或節拍，讓學生挑出來。只練手的技巧不練耳朵，解決不了學生反復彈錯音卻發現不了的問題，因為他不具有自我審視和訓練的能力，連不好聽的聲音都識別不出來的話何談表達音樂的美感？學生演奏時，要預先提醒他，有彈錯的音符要用心記住它的位置，練習時再圍繞解決問題而展開。

（三）音樂理論與審美情趣的培養

音樂理論應是學習音樂初期要展開的，為考學學習樂理或視唱練耳，不懂樂理，就不會分析和理解作品，更不可能表現出作品的文化內涵和寓意。每個和弦都有不同的色彩，在同一個音上建立不同的和弦讓學生從聽覺上去分辨三和弦與七和弦的大、小、增、減，明亮和穩定、暗淡與憂傷、神秘和緊張、不協和的擴張感等不同情緒，再用和弦連接的組合方式讓學生感受和弦的走向會帶來哪些色彩變化，以及它與音樂情緒的關系。對學生的節奏感訓練要配合節拍器，拍節奏在兩下節拍器的中間，就是連續的四分音符，既鍛煉了節拍穩定性又掌握了連續切分和反應能力，再提速練習。還可以利用節拍器訓練更多的節奏型。音高色彩與節拍的訓練還有利于學生視奏能力的提高。

（四）思想的深度決定藝術作品的高度

有了思想的演奏才會具有藝術價值。音樂與人類的歷史，生活、情感、哲學相關，音樂的創作與作曲家的生活環境、創作背景是密不可分的，講授一首曲子一定要讓學生了解作品背后的故事，這樣，學生才能最大程度地理解作品、分析作品。練琴，練的不是琴，練的是腦，是思想與心靈的共鳴，大腦支配耳與眼和手的配合。

二、演奏者的藝術處理

（一）音樂的畫面感

每當演奏或演唱一首作品的時候，你能不能看到它？我們首先設定，它可以是一段美麗的故事，可以是你愛的人，可以是你見過最美的風景，可以是內心深處的感悟，喜歡的顏色，歡樂的場面，甚至可以是最愛的美食……”，“含情”并“傳情”，這樣有感而發，演奏的音樂自然有感情色彩。“意境”是所有的藝術創作必有的只可意會不可言傳的情感體驗，音樂的創作者（演奏者可為二度創作）們勾勒的音樂內涵若想達到超越物化的精神境界，則要在創作過程中排除雜念，用內心唱出旋律，用豐富的想象力想象出情與境的相容，再用手指作為媒介傳遞出來。因此，演奏音樂不僅僅只是將音符、節奏、時值、速度等彈正確那么簡單。

（二）聲音的彈性與律動感

音樂有長音短音、力度的輕與重、音色的飽滿與柔和，這些皆需要用手指去控制，但是更要發揮聽覺器官的重要作用，仔細的辨別它們的不同和帶來的音樂表現力，聲音彈性的控制是手與耳協作工作的結合體。樂音是可以千遍萬化的，我們可以試著在鋼琴上用一個鍵子彈出由弱至強至少十五個層次的力度，在這一力度上再疊加長音和短音、頓音和跳音、裝飾音等，體會不同的觸鍵方式帶來的不同感受，當把一些樂句連貫起來演奏時，再將它們循序漸進地漸強或者減弱，或突強或柔和寧靜，聲音的彈性是體現音樂畫面感的重要手段。在流行音樂中，電聲樂隊配合得好壞也取決于每個人的律動感是否與他人一致，也就是時值的準確性和節拍穩定性，在節拍穩定性與律動感都很到位的情況下，再配合手指對音色和力度的控制，自然會呈現好聽的聲音。

（三）音樂演奏的段落層次

完整的流行音樂作品縱向看分為旋律層、和聲與節奏層、低音層與打擊樂層這四大層次，橫向看又分為引子、敘述、發展、高潮與尾聲，其中某些段落可重復出現幾次。樂隊中的每一個人演奏時，無論縱向還是橫向都能表達得很圓滿的話，這個二度創作就是成功的。“平”就是失敗的演奏。縱向看，旋律層是最明顯的聲部，如果一首歌曲的旋律聲部被低音聲部掩蓋，就是喧賓奪主；橫向看，前奏可以設計成跟高潮段落相似的律動或音色，敘述段落要柔和沉穩，發展段落起到一個推動的作用，高潮段落表達了整首歌曲的主題和內涵，尾聲可以平和地結束，這樣的音樂富有感情和活力。

（四）音樂的創作

音樂理論的學習和大量的聽與彈奏作品的積累都是作曲的必要條件，有感而發、有豐富的想象空間都可以作曲。初期可借鑒喜歡的音樂的創作手法和結構，觀察和聲走向與節奏律動的配合。力度、音色、音區這三個基本要素結合上述的音樂層次處理才能創作出完美的作品。

三、結語

音樂不應只是技巧、速度，更應有豐富的情感與內涵。教師對學生的培養過程也要以引導、啟發為主，培養音樂學習者的主觀能動性、改變他們的思維方式是前提。李宗盛的成功固然有其天賦在內，但熱愛與堅持才是成功的必然！

G641

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孫夢遠（1981-），漢，遼陽，碩士，流行鍵盤專業講師，研究方向：現代爵士鋼琴演奏技法、電聲樂隊配合研究、流行音樂自彈自唱。遼寧省樂器協會副秘書長，流行音樂分會會長，遼寧省音協會員。