音樂表演中的創造性探究

許潤琰 （南京藝術學院 音樂學院 210000）

音樂表演中的創造性探究

許潤琰 （南京藝術學院 音樂學院 210000）

音樂表演作為二度創作，它成為作曲家與欣賞者之間的重要橋梁。作曲家把腦海中的旋律物化為樂譜，表演者將自身的理解與技術把樂譜外化為音響傳遞給聽眾，欣賞者再通過聽覺與視覺將其內化，經由各自的審美，產生對一部音樂作品的感受與理解。在此三個環節中，表演者將樂譜內化再外化的過程中就已經有了創造性活動的參與；同時，當欣賞者將音響內化形成各自的理解時，又一次形成創造性。

創造性；音樂表演；音樂理解

一、 什么是創造性

一般意義上的創造性是指個體具有的獨特新穎，與他人不同的特性。而在音樂表演中，創造性體現在差異性上。對于同一部作品，由不同主體進行演奏，然后對他們的演奏錄音進行比較，可以發現，無論是在演奏的時長、速度的快慢還是在強弱對比的處理上，都有很大的區別，即使是同一個主體演奏同一部作品，將他每次的演奏進行對比，也可以發現它們之間存在細微的差別。但是，正是這些差異性，使得音樂表演活動具有了積極意義，也給音樂作品不斷注入新的生命力。如果，每一次的演奏都是特定的機械般的演奏，那么，我們也不必去音樂廳或者其他場所聆聽一場音樂會，或去觀看一場精彩的大師演奏了。

但是，是否具有了個性，使得每一次的演奏與他人有所不同，這就具有了創造性呢？很顯然，我們所說的音樂表演中的創造性是具有普遍意義的，是具有一般規律的創造性。如果對一首音樂作品的解讀，不再符合該作品文本時，這樣的創造性是不被認可的，因此，創造性也需要有一個限定條件，即它要在符合文本的前提下所產生的差異性，才是我們所要追求的創造性。也就是黑格爾所說的，存在于E層次的創造性只是個別的，而是要把它放在A、B層次上進行考察，這才是具有普遍規律的。它是經過我們把不同的主體進行的演奏符號類型放在一起加以比較歸納，最終抽象出具有同一性的東西，也就是”具體同一性“，那么，音樂表演的創造性要符合這個具體的同一性，才是符合音樂”文本“的創造性，具有普遍意義。

二、 創造性的形成

創造性并不是技藝高超，具有獨特天賦的音樂家所特有的，一般來說，只要是在符合作品的解讀下，對一部作品產生人人不盡相同的理解，在此基礎上用所掌握的技術予以外化，這就是一般意義上的創造性。但是創造性有高低之分，對創造性形成的影響有客觀因素也有主觀因素，主體所處的不同時代背景、生活環境、所受教育等這是客觀因素；個人經歷、技術的掌握等的差別，這些屬于主觀因素。這些因素組合在一起，就必定對創造性的形成產生影響。以下我將對其中兩個方面進行進一步的說明創造性是如何形成的。

對于作品的演奏，其實是一個理解與解釋的過程。理解是先向內再向外的運動過程，是針對理解者而言的，是主體對某一個外在對象的評價；而解釋正好相反，它是向外再向內的運動，是主體對一個對象的闡釋，但也有理解的因素在里面。當我們面對一部音樂作品時，先入之見就已經在演奏前存在，在先入之見中，我們往往會帶有經驗的理解作品，而我們知道經驗并不是都符合客觀事實的，它有與作品自身相一致的地方，也會有對作品解讀的偏離，因此，這需要靠實際的演奏來加以證實，那么，在先入之見這個首要環節中，就已經體現了創造性。

創造性是一個動態的生成過程，當我們對作品的經驗性解讀之后接下來就是要通過一定的技術，把作品演繹出來。在表演的過程中，創造性體現的更為顯著。黑格爾從兩個方面來界定形式律，一個是感性材料質量的美，另一個是結構的美。感性材料質量的美與演奏者的音準、音色、音量等方面相關，而結構的美則與力度、節奏、技術等方面有關。這些不同的因素，以及不同因素之間的不同組合，構成了比格式塔更為微觀的層次。因此，表演者都是對所述方面的選擇和搭配中完成音樂表演活動的，他們各自對這些因素的不同搭配，體現了黑格爾所說的E層次，也就是個別性，即創造性。

三、 創造性在音樂表演中價值

在西方，音樂作品基本都是以五線譜的形式呈現，有較為明晰的力度與速度記號，有明確的音高和旋律走向，也有一目了然的伴奏和聲織體，為表演者的演奏提供了參照和相對來說一個普遍適用的“文本”；而在我國，五線譜還沒有被廣泛運用的時候，我們自己的記譜法基本都是只有音高、指法，卻沒有節奏和力度、速度等標記。比較二者之間的差別，我國的記譜方式給表演者留下了更廣闊的創造空間。例如，有做民族音樂學研究的學者去云南等少數民族地區做田野調查時發現，在采訪當地的土著居民時，讓其演唱一首當地的民歌，他們試圖將其所演唱的歌曲用筆記錄下來時，遇到了困難，因為每一次的演唱都存在不少差別，后來，他們把錄音帶回去仔細研究也同樣證明了這個事實：這些當地的少數民族居民所演唱的歌曲并沒有一個固定的唱本，只能說有相對的音高和歌詞，對于音符時值的長度或休止符的運用，基本都是隨心所欲的，這也就形成了他們自己的風格。

試想，如果創造性在音樂表演活動中消失，將會帶來什么樣的情形？西方曾經在某一時期追求原樣再現作曲家的創作意圖，甚至還大量的模仿當時的樂器，樂器的演奏方面也力求做到還原，一方面這是難以做到的，只能說盡量接近那個原作，但是，我們永遠不會知道作曲家在創作某一部作品時的想法和想表達的情感究竟是什么。如果音樂表演變得千篇一律，也就不需要表演者了，只需用機械的方式演奏出作品，再將其錄制成光盤，供我們反復欣賞就好。那么，無論經過多少個世紀，一部作品的演繹只有一種，作品的生命也就就此停止，隨著時代的變遷，人們的審美和需求在慢慢發生變化，美的相對標準也在改變，這無疑是對音樂作品的一次挑戰，因為，音樂作品是歷時性與時代性的統一，如果只用單一的眼光看作品，就缺少了時代性，時代性就像一個箭頭，指向前方，它只會不停地向前運動，不會后退，只有音樂作品在不斷的被詮釋和演繹中，才能使作品不斷被新的審眼光所補充，既符合作品的文本，又能有新的創造性，這才是伽達默爾所說的“視界融合”。

四、結語

創造性發生于每一次的音樂表演中，它存在于每一個主體身上，它是音樂表演的規律和最終結果，音樂作品的生命得以延續是由表演者決定的，表演者也要用雙視閾的視角解讀和演繹作品，在繼承傳統的同時也能有所創新。

許潤琰，南京藝術學院 音樂學院 2015級研究生。