最傳統的器樂，最創新的表達

丁黎

端午節假期的最后一天，上海大劇院里上演了一場別開生面的民樂演出。這是上海音樂學院民樂系歷時2年打造的“高原高峰建設項目”——民族室內樂音樂劇場《龍之聲》。很顯然，從標題里“音樂劇場”這四個字就可以看出它將是一場不走尋常路的民樂演出。但如果你懷著一顆想要看“女子十二樂坊”的心入了場，恐怕就要失望了，因為它從頭到尾都是一場非常嚴肅、專業并且傳統的演出。而如果你對所謂的傳統民樂團的認知還停留在滿場演奏員女著大紅改良旗袍、男穿全黑立領中山裝、音樂一出更是二胡與嗩吶震天的“熱鬧”層面，則可能會被這場演出的“冷淡”驚到：在“新國風”的舞臺上，干凈的臺面無一張譜架，只有如藝術品般參差擺放的純色方塊，演奏員們身著全白色綴淺金的演出服在每一首作品的開場安靜而整齊地帶著各自的樂器上臺，原來那些方塊就是她們的座椅。而燈光和多媒體的設計更是錦上添花——雖然這也不是什么新玩法了，但這一場卻又不同，多媒體背景、燈光、舞臺包括樂隊本身都是藝術設計的一部分，看完只讓人感慨原來民樂是可以如此充滿時代精神且輕盈高雅的。對此，這場演出的“幕后總指揮”、項目首席教授吳強深以為然：“之所以我們這次演出強調‘新國風而不是‘新民樂，就是因為在我國古代，民樂原本就是作為高雅藝術備受文人青睞的。我們做這樣一場演出，一是要回望傳統，還原民樂原本的藝術高度和廣度；二則是要眺望未來，我們民族如何立足世界，習主席說了，要有文化自信，而我們的文化自信由何而來？看看臺上那些最古老傳統器樂，它們流傳至今，卻依然可以被賦予蓬勃的創造力，這不正是我們的文化充滿生命力的有力證明么？”

吳強教授說的“古老器樂”，正是臺上這支樂隊的主打樂器——阮。西晉竹林七賢之一的阮咸善彈琵琶，傳說他改造了傳統琵琶的制造工藝和彈奏方式，因此唐代開元年間從阮咸墓中出土的一件銅制琵琶，就被命名為“阮咸”，簡稱“阮”。也就是說，阮的歷史可以追溯到西晉，但一直以來它在傳統的民樂樂團中卻總是容易被忽視。對此，本場音樂會的委約作曲家徐堅強解釋說：“阮就像西方樂隊中的中提琴，謙虛低調，在樂隊中常常處于伴奏的地位，并不被作曲家關注。而這次我們把阮推到舞臺中心，就好像讓跑龍套的來唱花旦，這本身就是一種創新。”創新歸創新，但“跑龍套的”真的唱得了“花旦”嗎？同為委約作曲家的周湘林對此卻毫不擔心：“阮這種樂器的演奏技巧和表現力其實非常豐富。阮族樂器有大阮、中阮、小阮、高音阮之分，這些同質樂器放在一起，音色又和諧又充滿層次。再佐以柳琴、笛子、古箏、笙等其他傳統樂器，既有縱向的、也有橫向的張力，從某種意義上來說，這支樂隊在建制上的科學性甚至超過了大部分現有的民樂樂隊，你可以說這是一種創舉，也可以看作是一種重塑。”

創新，

就是傳統中的“一念之差”

周湘林對于自己學校這支由阮主打的樂隊的自信解讀，得到了同校音樂劇系系主任、亦是本次演出委約作曲家趙光的認同。順便說一句，為了這次音樂會，上海音樂學院可以說是派出了最強陣容，光作曲這一環節，就匯聚了上音老中青三代實力派作曲家。不過相比于何訓田、王建民、徐堅強等專注民樂領域的作曲家來說，趙光倒是第一次為民樂室內樂作曲。對此，趙光毫不諱言：“一直以來我都認為民樂按照西方交響樂團的建制搞大樂隊是個并不高明的模仿，不僅難以達到西方交響樂的音色水準，反而失去了我們自己傳統樂器的個性和魅力，所以我從來都沒有寫過這一類的樂曲。”在趙光看來，西洋樂器的聲音特點就是可以融合，不要說交響樂隊里小提琴部20把小提琴拉出來就是一個聲音，就是管樂、弦樂和鋼琴的音色也是可以和諧統一的；可是我們傳統的民樂器的聲音特色卻是鮮明而獨立的，嗩吶、笛子、揚琴、琵琶、二胡樣樣音色個性十足，甚至同樣是琵琶，因為制作工藝的不統一，每一把琵琶都有自己的音色。這樣的一眾樂器去合奏，很容易聲音就炸了。“吹吹打打雖然響亮喜慶，但在合奏的層面上不能融合就是硬傷。”而即使勉強從作曲的環節以技巧求得了最大化的融合，倒反而讓每一種樂器都失去了它們本身的優勢和個性，這個創作理念是趙光所不認可的。

但對于民樂創作本身，趙光當然是不排斥的，也正是因為有了上面那樣的結論，他反而生出了一種逆向思維：何不恰恰就利用每個樂器本身“不能融合”的那種“缺陷”——也正是它的“個性”，來創作一首讓每個樂器都能在合奏中閃光的樂曲呢？“其實，西方音樂到了當代反而在嘗試追求每種樂器獨特的個性，為此他們不得不從演奏法上動腦筋，比如明明是弦樂器卻去擊打它讓它發出不同的音色，分離出它們的獨特性。而我們的民樂器原本就有這個特性，為什么不發揚它呢？這樣一來不就把弱項變強項了么？”因此，趙光一直在醞釀著要寫一部這種類型的民樂作品，它必然不同于傳統，它可能不容易被接受，但它一定是值得期待的。于是，當吳強為了“新國風”的曲目創作找上門，向他委約一部具有時代精神的民樂作品時，趙光正中心意，立時應了下來。“因為我一直在寫西方交響樂、流行音樂和音樂劇，所以她希望我對民樂有新鮮的想法，能夠賦予作品探索精神，這正好，我們不謀而合了。”

最終，趙光為“新國風”系列交出了一首名為《初初的色彩瞬間》的作品——如果單純從名字上看，大概沒有人會覺得這是一首民樂作品。而這首樂曲的形式也非常特別，它以一枚手碟的音色為核心和底調，就像一個背景，在它之上，各個樂器從四面八方發出零碎而獨立的聲響，時而是中阮的鏗鏘，時而是琵琶的婀娜，時而是二胡的嗚咽，時而是古箏的清朗……除了手碟長鳴，其他樂器的音色在大多數時候都不會重疊，但此起彼伏卻雜而不亂，形成了一種奇妙的和諧——就像一個孩子往一張白紙上涂抹色彩，隨機的，凌亂的，看似不講搭配又毫無章法，最終的作品卻格外絢麗。事實上，趙光的靈感就是來自他自己兒子的一幅涂鴉，“初初”正是兒子的小名。“我對這部作品很滿意，雖然可能吳強老師不太滿意。”趙光笑言，其實最初吳強找他，是想要一首“好聽”的作品的，畢竟趙光的作曲風格就是旋律動聽，“但對于一個作曲家，每一次創作之前，其實我都希望下一部作品是不一樣的——我自己都不知道會寫出什么，這才是創作的本質啊，如果我還沒動筆就知道下一部寫出來的和之前差不多，那還有動手的意義么。”在趙光看來，民樂的創新之路也是如此。我們的民樂有漫長的歷史、有輝煌的過去，因此也積累了不少被大家廣泛認可的好作品。但如果我們因此就認為那就是民樂應該的樣子和最好的狀態了，然后為了求穩、為了迎合大眾既有的審美標準，而繼續去復制那些已經得到認可的風格，不求突破甚至不敢突破——那樣確實不會失手，那樣的作品可能也會很好聽，“但那樣還需要你去寫什么新作品呢，大家直接聽以前的那些就好了呀，反正都很好聽。”

說的很有道理，但我還是提出了自己的質疑：“其實人們對民樂的風格還是存在某種固有印象的，或者說，還是有某種既定的期許的。像《初初的色彩瞬間》這樣旋律感偏弱，充滿跳躍音符的印象派作品，可能人們會覺得這還是民樂么？你會擔心它不被接受么？”“這就要看我們如何理解民樂的傳承和創新了。”趙光的應對不慌不忙，顯然他早已進行了思考：“可能乍一看你會覺得我這個曲子創新度很高，但其實我一直在力求每一種傳統樂器在發出聲音的時候要最大程度的保留它原有的聲音個性，比如二胡的顫音、古箏的揉弦音，柳琴的閃爍音……這些都是他們從古到今不變的DNA，我都給它們保留了，甚至是強化了，這才是最好的傳承——我恰恰認為，那些把傳統民樂器的特征淹沒掉、融合成交響樂隊的做法才是丟掉了傳統。”

傳承不在技術，而在人心

無獨有偶，為音樂會寫出了壓軸曲目《索瑪》的周湘林，在對于民樂隊的建制上，也有差不多的看法。“比如演奏貝多芬，世界一流的樂隊肯定在歐洲，但我們為什么要去和他們比這個？”在周湘林看來，我們的民族樂團其實不用太多拿自己和西樂團比較，更不該把和西方交響樂團接軌或超越他們作為目標，我們應該有自己的文化自信。“這自信的源頭從何而來？就是清醒的認識到，我們的民族音樂是世界一流的，這是我們自己的東西，我們應該找到自己的方式駕馭它。”比如這一次擔綱“新國風”表演的金豈民族室內樂團，在他眼里就是這樣一支沒有學習歐洲、卻完全堪稱一流的民族室內樂團。

說到“室內樂”，這其實是種很常見的音樂表演形式，原本是西方在房間內演奏的“家庭式”音樂，后來逐漸引申為在比較小的場所演奏的音樂，現在主要指重奏曲和小型器樂合奏曲，區別于大型管弦樂，早在16世紀末就開始流行于歐洲。但如果在這“室內樂”前面加上“民族”二字，它的歷史就很年輕了，并且它的歷史和上海音樂學院、和臺上的金豈樂團都息息相關。作為全國最早設立民樂系的藝術高校，上海音樂學院有著悠久的民族室內樂傳統，上世紀六七十年代，胡登跳先生就在此確立了“絲弦五重奏”的表演形式，而此次演出“新國風”的“金豈組合”的領隊老師吳強，正是胡登跳先生親手創辦的絲弦五重奏組合的第二代成員——所以說“金豈”是血脈相承于胡先生也是不為過的。

當然，說起“金豈”這支隊伍，即使不談“血脈”，它對于民樂愛好者也是如雷貫耳的。金豈樂隊最早建隊于2005年，當年就摘取了文化部舉辦的中國文化藝術政府獎、文華藝術院校獎；2007年更以一曲曲當時的民樂系系主任王建民親手作曲的《阿哩哩》，獲得了“超百分”的滿分成績，拿下了中央電視臺舉辦的首屆CCTV全國民族器樂電視大獎賽傳統組合“金獎”，這一得分至今無人超越。從05年至今，團隊里的成員已經新老更替了差不多四代——作為一支高校樂隊，老隊員隨著畢業而離隊無可避免，但只要團隊有需要，比如此次在大劇院的演出需要擴充人數，第一代的隊員沈貝怡便第一時間“歸隊”，參與了全程的排練，和自己的師弟師妹們一起，依然親密如一個大家庭。在沈貝怡的記憶中，第一代的組合還是比較標準的絲弦五重奏編制：二胡（高胡） 、揚琴、琵琶、柳琴（中阮） 、古箏，彼時自己師從吳強老師學習中阮，便被選入了隊伍。“那時候的組合應該算金豈的前身，還沒有名字，是吳老師為了參加比賽臨時組建的。大家平時各歸各專業，要排練的時候連屬于自己的排練場地都沒有，就一直打游擊一般到處流浪。”回憶起最初的艱苦時光，沈貝怡的臉上卻只有笑容。

然而，讓沈貝怡萬萬沒想到的是，十多年后重新歸隊，迎接她的依然是要搬張椅子到操場去排練的現實——不過這次可不是因為沒有場地。原來，作為一支室內樂團，以往室內樂演出，演奏家之間距離較近，很容易通過傾聽和相互感受達到默契一致的演奏。而此次搬上了上海大劇院的舞臺，演奏家之間的距離一下子拉遠了，空間更是開放式的，近乎沒有聲反射的場地，這給演奏家們帶來了極大的挑戰。為了解決這個難題，就要創造一種大劇院的聲場環境進行訓練，于是在吳強老師的要求下，團隊選擇了學校的籃球場模擬演出環境，以更“艱巨”的聲場環境來“從難、從嚴”訓練，以保證觀眾的聽覺效果。問她感覺如何？短發颯爽的沈貝怡笑得很爽朗：“十年了，現在的樂團里已經幾乎是第四代的成員。但我坐在師弟師妹們中間，抬頭就看見吳老師依然嚴厲的臉，一下子覺得自己似乎從未離開過。”

比起坐在師弟師妹中間滿心溫情的沈貝怡，第二代成員張碧云的“壓力”就有點大。同樣是吳強老師的學生，張碧云在學生時代就曾獲得第十屆中國音樂金鐘獎全國民樂彈撥組金獎、第四屆文華獎全國青少年民族樂器演奏比賽青年組彈撥樂器獨奏類最高表演獎，畢業后便留校擔任了民樂系的柳琴、中阮教師——也就是說，當她這次應邀重返樂團，在她身邊坐著的不止是學弟學妹，還有自己的學生們。“所以還蠻有壓力的，萬一表現不好被吳老師罵，當著一幫小孩子的面多沒面子，哈哈。”然而一旁的師姐沈貝怡毫不留情地揭她老底：“哎喲，當年你不就是個小孩子么，每次練習都縮在后排角落，一轉眼現在都帶學生啦。”張碧云是在2007年加入樂團的，當時還是上音附中的高二學生，就是在這一年，樂團在CCTV的大獎賽上拿了大滿貫，同時正式命名“金豈”，到今年正好整十年。說起重回樂團的感受，小沈老師正色道：“即使十年過去，即使我已經是一個老師，每天我坐在團隊中和學生們一起排練，都依然覺得自己在學習、有收獲，這說明金豈這十年來一直沒有停止前進的步伐，它時刻在更新，一直在變得更好。”

事實上，在團隊最年輕的第四代成員孫祺眼中，金豈從07年正式建團起，就一直是民樂專業中標桿般的存在。如今還在上音附中讀高中的孫祺，這一次在大劇院的“新國風”演出，是她第一次登上舞臺。對于自己能站在金豈的隊伍中，她一直覺得自己的民樂之路一路走來都很魔幻。“其實我最早是學鋼琴的，因為節奏總是掌握不好，老師便建議我加一門樂器來輔助樂感，于是我媽媽就帶我去了少年宮報新樂器班。”因為當時已經是8月，少年宮里那些常見樂器如小提琴、古箏早已滿員，只有中阮班還有名額，那是孫祺和媽媽第一次聽說這個樂器，就說，“先看看它長什么樣吧。”結果，一看之下，母女倆都愛上了中阮，“準確的說，是愛上了中阮的顏值，”面前差一年就是00后的小姑娘俏皮地吐吐舌頭。結果，這個為了輔助鋼琴而選擇的、因為顏值而入眼的樂器，最終成了孫祺生活中唯一的重心。而這門藝術給她的回饋也是豐盛的，“也許是因為我長期學習民樂，和我的同齡人相比，我對中國的傳統文化格外有認同感，我很自然就能體味古詩中優美，也很愛看歷史小說，用現在主流的一句話來說，就是民樂帶給了我滿滿的民族自豪感！”

我忽然覺得很感慨，想到之前周湘林對這場音樂會之所以命名“新國風”的解讀——他既是本次“高原高峰項目”的委約作曲家，又是上海音樂學院的學術委員會副主任、教務處處長、招生辦主任，從某種意義上來說，他的言辭代表了上音對本校民樂系乃至整個民樂領域現狀的思索以及對未來的寄望。在周湘林看來，“新國風”的“新”字并不體現在形式上——這次演出雖然有非常出色的多媒體元素，但相對于其他演出可能將此作為賣點，他們卻特意不在標題上體現絲毫，就是為了保持民樂演出的純正定位。那么“新”在何處？周湘林說：“這個‘新，應該體現在當代民樂的精神狀態和精神追求上。所謂民族自信，我以為，一在向外學習先進——學習而不是模仿，前者是一種積極的狀態；二在向內自省——除了要發現不足，更要善于發掘自己文化的閃光點和自信心。”在他看來，當代人對待民樂應該有一種全新的態度：首先要確定，它是我們民族文化中一顆天然而珍貴的珍珠。而這顆珍珠可能不夠渾圓，以往我們以西方文化作為參照，追求所謂“完美”，于是打磨它、切割它，但卻恰恰損失了它的價值。現在，也許我們應該換一種思路，珍珠還是那顆珍珠，我們卻可以以上好的楠木盤托之，以華美的天鵝絨襯之，打上恰到好處的燈光，選擇恰到好處的角度，使之展現最美的一面，這才是“新國風”中“新”字的精髓。而在這個過程中，“傳承”與“創新”都達到了最大程度的完成。

在周湘林心目中，譚盾、何訓田等作曲家就做得非常好——他們因此只身把中國傳統音樂帶上了世界級的高度；而未來能做到這一切的還會有金豈室內樂團——經過四代成員的十年傳遞，金豈團隊如今在技術和理念上都已經形成了自己的脈絡。“這支團隊背后有我們更大的夢想，就是要通過這些年輕而優秀的民樂人，貫通對中國民族音樂的理論、實踐甚至實驗，最終讓我們的民樂走上世界樂壇，發出最強聲音。” 周湘林如是說。

？

文化自信，

讓藝術更無畏而自由

雖說周湘林教授強調，為了不沖淡“新國風”純正的民樂定位，這次音樂會在命題和宣傳上都刻意淡化了“新媒體”的存在感，但我相信任何在現場觀看了演出的觀眾們，都一定會為那美輪美奐的舞臺設計和燈光效果著迷。首先演員們的第一個亮相就顯示出了這場音樂會在視覺效果上的卓越追求：沒有色彩濃艷的所謂“民族風”演出服，也沒有民樂演出中常用作背景圖的好山好水和繁花似錦，整個舞臺上甚至沒有一把的椅子，干凈、簡約，現代感十足。而演奏家們穿的演出服雖然都是白色，卻明顯用料精致，設計不俗——雖然乍一看都是白色長裙長衫，但彈奏小、中、大阮的樂手是雙臂白紗窄袖，袖口緊貼手腕，美而利索；拉二胡的樂手卻是不對稱的左手寬袖右手露出整條胳膊，方便大幅度拉弦；吹笛子的樂手呢，也許是因為樂器用起來方便簡潔，設計師給了她相對飄逸的廣袖，每當她平端起笛子送到嘴邊的時候，長而墜感十足的廣袖便自手腕滑下，優雅地垂下來，宛如從古風仕女畫中走出來一般，美而不艷，華麗而端莊。對此，負責此次影像設計的上海音樂學院數媒中心青年教師程瑜懷很有幾分得意：“以往這類演出中多媒體的配合往往只考慮影像的傳遞，通俗來說就是畫面和聲音是否配合一致；但這一次我們把整個舞臺包括演奏員們都算在了‘設計范圍之內——相比于傳統的‘舞臺設計，我們的理念稱之為‘影像設計更加確切。”

事實上，在“新國風”音樂會設計精美的節目冊上，“上海音樂學院數字媒體藝術學院”是與“上海音樂學院民族音樂系”并列的承辦機構——這場演出嚴格意義上是一次跨院系的合作，實力展示了上海音樂學院高峰學科的創新性引領成果。原來，上音為填補國內數字媒體與音樂創意相結合的交叉學科研究的空白，于2008年設立了數字媒體藝術學科，目前已有數字媒體藝術設計、多媒體設計、音樂與傳媒三個本科專業方向，旨在打破傳統視覺、聽覺專業之間的界限。因此，當程瑜懷接受這個項目的時候，不僅要考慮舞臺上的“硬裝”，所有舞臺上的一切都要考慮，包括站在上面的人。“我們當然不是第一次和民樂演出合作，但這一次通過和吳強老師的交流，通過和幾位作曲家的交流，我們知道這將是一次不一樣的合作，所以我們最初對服裝設計的定位就是新而雅。”新而雅，說起來簡單，做起來卻并不容易。在這個定位上，第一稿的設計就直接將主色調定在了“黑、白、紅、金”四色上，“黑白既有水墨意味，又是中國文化中太極的象征，而紅色是我們最具國風的傳統顏色，金色則可以表現泱泱國風的大氣與堂皇。”舞臺的色調并不難定，演員服裝材質的挑選才是逼死選擇困難癥。最先程瑜懷根據“國風”的定義選用了亞麻布料設計演出服，但實際在舞臺上的效果卻顯得累贅而拖沓，明亮的燈光更加放大了麻布容易起皺褶的缺陷，“于是麻布就out了。”接著程瑜懷和服裝設計師又一起反復嘗試了絲綢錦緞等各種具有傳統風格的材料，都不盡如人意。最后幫她們打破僵局的還是“新國風”中的那個“新”字，“我忽然意識到，我們可能是在有意識的回避新媒體的‘新對民樂可能造成的沖突，卻反而落入了‘舊局。打開思路之后，我們重新考慮了那些一開始就被排除的現代禮服的光滑硬挺的布料，但在顏色上選擇微微偏黃的那種白——宣紙的那種白色，結果這一版的服裝與舞臺非常協調，對燈光的反應也完全符合想象，這個探索的過程讓我受益匪淺。”

但這些還不是最難的，當真正開始制作多媒體背景畫面的時候，對風格的定位才是重中之重。因為很多民樂都自帶內容屬性，比如神話或各地少數民族的傳說，所以在為民樂配畫面的時候很容易掉進“講故事”的坑里。“比如周湘林老師作曲的《索瑪》，就源于彝族的一個愛情傳說。故事里的女主角最后為了陪伴英雄而化作一朵杜鵑花，索瑪就是杜鵑花。而如果我們這時候在背景上出現了杜鵑花的具象，甚至演示了這個傳說的經過，那就太失敗了。在我看來，音配畫是最低的標準，大美無形，好的舞臺背景應該為觀眾打通視覺與聽覺的通感。”聽著程瑜懷的侃侃而談，我忽然就意識到了上音成立這個數媒學院的深遠意義：對于大部分設計專業的人來說，色彩和線條本身是可以熟練駕馭的，但一旦與其他藝術形式比如音樂交叉，很可能就出現“你是你我是我”的分裂來。但這個學院存在的本身卻是為了融合的，比如眼前的這位青年教師，她既有出色的設計水準，又對音樂充滿了理解和感悟，因此她才能給觀眾帶來這樣一個全新的舞臺體驗。

事實上，因為多媒體本身就自帶現代化屬性，當它和民樂結合的時候，其實把握好分寸感并不容易，太傳統則流于俗套，太現代又難免不倫不類。對此，程瑜懷表示，正確的打開方式當然有，就是要和作曲家有充分的溝通，最終取得一致的訴求。“比如最早拿到趙光老師的《初初的色彩瞬間》時，其實我是有點傻眼的，那個曲子很抽象，一時間真的是大腦一片空白。還好，趙光老師馬上就給我傳來了一幅畫，就是他兒子畫的那幅，那些碰撞的顏色和五彩的紐扣馬上在我的腦子里和音樂重合在了一起，一切問題迎刃而解。”在最終的舞臺呈現上，初初小朋友的這幅涂鴉在一開始就被投射在舞臺高處的一小塊屏幕上，讓人一目了然這部作品的創作靈感從何而來。之后隨著各種樂器發出零碎的聲響，舞臺的純色背景里仿佛被孩子隨手撒上了一把五彩紐扣，它們四散開來，有的轉圈滾動，有的兩兩撞擊……這一刻音樂和畫面互為詮釋、彼此強化，讓這部因為沒有完整曲調而略顯先驗的作品一下子就變得平易近人甚至活潑可愛起來。在程瑜懷看來，音樂和畫面最好的結合形式就是電影，好的電影原聲，根本就不會讓觀眾意識到此時有音樂進來了，只會不知不覺受到感染、陷入劇情；反之，好的舞臺背景也一樣，它不會喧賓奪主與音樂搶戲，亦不該可有可無毫無存在感，好的舞臺設計可以讓觀眾于不知不覺中更深更透地去理解音樂作品想要表達的情緒或內涵。“我覺得很幸運，這一次與‘新國風的合作時間緊、難度高，進行的過程中真的壓力很大，但一切完成之后，我覺得自己從中收獲了很多——不僅是專業上的，更有精神上的。”

塵埃落定，完美謝幕，程瑜懷回憶起吳強老師第一次找上她時的情形：“那一天她和我聊了很多，她對我描述了自己想要的那樣一個舞臺——‘有力的‘堂皇的‘朝氣的‘驕傲的，我當時就被這些詞打動了，她想要在那樣的舞臺上‘既有底氣又有骨氣地發出當代中國人的聲音，這難道不是任何一個有追求的設計師都想要與之攜手抵達的藝術高地么。”于是，當時的程瑜懷毫不猶豫的接受了吳強的邀請，而現在的她深感這一路走來的收獲早已超越了工作上的合作：“都說中國傳統文化應該走出去，其實提升國民對自身文化的了解、認同與熱愛有時候更為重要——就像我一樣，只有我們每一個當代的中國人都感受到了自己民族文化的美好與強大，才能從這千年的積淀中獲取慰藉，得到力量，形成自信，更加無畏，更加自由。”