我畫·我說

文_ 蔣躍

中國繪畫自誕生以來，致精微，見廣大。它讓中國人以哲學家的眼光看待世界萬物，以流動視點的心智俯瞰山水，以平面化的方法處理客觀對象，以筆墨化的語言實現意境升華，以詩意的精神構筑藝術情懷。數千年以來，它與西方繪畫模式拉開了距離，走到一個更為自由的理想王國—形式與寫意。

這是我喜歡中國畫的重要原因。13歲，我開始在生宣紙上涂鴉，主要是研習人物畫，創作過大量有浙派風格的作品。17歲，我參加了浙江省美展，就讀中國美院時主攻工筆人物畫。之后，我的國畫也參加過包括全國美展在內的各種全國性大展。但因為我在中國美術學院教授水彩畫課程，知名度和影響力主要在該領域，很快淡出國畫圈。近年來，我在美術報社擔任主要領導，業務繁忙，沒有整塊的時間搞水彩畫創作，又開始拿起了毛筆，當然也是早期國畫情結的回歸。

寫意花鳥畫因為沒有了造型的約束，比較自由，但較之山水畫的駕馭更加難一些。我先是進行放松性的宣紙涂抹，后來，將筆墨語言和構圖的創新意識結合起來，在恣意的情緒中揮灑，在理性的把握中升華。數年下來，當我將幾千張生宣紙玩完后，慢慢地，畫面的效果也漸漸顯現，我品嘗到了甜頭。

在傳統的花鳥畫家中，我喜歡吳昌碩瀟灑而渾厚的筆墨語言，更喜歡潘天壽的險絕、冷峻以及一味霸悍的造型、構圖。我以自己的理解，將西洋色彩、傳統筆墨、構成意識和詩意抒情融入我的花鳥畫中，并試圖在前人的基礎上有所突破，與他人拉開一點距離。主要的創新點在形式美感上—構圖和設色兩方面做了些追求。我認為，要使花鳥畫有較多的變化和生氣，就應該考慮這兩方面的精心處理。構圖的好壞常常直接影響畫面的效果，設色又有觀者的直觀感受。講構圖，一方面做到讓賓主、大小、多少、輕重、疏密、虛實、隱顯、層次、參差等各種關系合理搭配；另一方面，強調對比、調和、節奏、均衡、穿插等有關形式美的法則，精心審度，在法度之中出新意。講設色，張書旂、周昌谷等幾位是高手，他們的作品明朗、優雅，尤其是粉彩與墨色共用，產生極其傳神的韻味。我下過大量的精力研究西洋色彩，而且在我的作品中大量運用了這些成果。不是簡單的“隨類賦彩”，借色而益彰。古代畫論曾說“設色忌枯，忌火，忌俗；忌主輔不分，交錯凌亂；忌深淺模糊，平淡無味”，要“艷而不失之俗，淡而不失之枯”，“淡逸而不入于輕浮，沉厚而不流于郁滯”。一幅花鳥畫必須有它的中心色，其他色彩傾向于主色而取得協調時，才生美感。如果任意著色，必然造成畫面上色彩的混亂現象。尤其是墨與色混合使用，還有粉色與墨色的交替搭配等，都是中國花鳥畫設色的獨到之處，也是創新的一條路子。明清以降，強調水墨發揮，色彩語言漸衰。我認為，當下必須與時俱進，掌握西洋色彩學上的色相、明度、純度、冷暖等相互關系，以及調和、對比等形式法則。

1.蔣躍 無限春光不用多89cm×69cm2017

2.蔣躍 松下棲鳥覓食歡98cm×44cm2016

3.蔣躍 萬頃碧色任鳥棲50cm×168cm2015

4.蔣躍 平湖晚影沉清低69cm×158cm2017

這里刊登的是我近期的部分作品，既是對自己的一個回望，又是對大家的一個匯報。一花一世界，我之所以畫花鳥畫，是欣賞和陶醉于大自然間的花繁葉茂、百鳥和鳴的勃勃生機。“山光悅鳥性，潭影空人心。”多少人間煩惱都可以在這種和諧自然中蕩滌凈盡，我在這一方天地中尋求到了精神上的慰藉。正如金農先生在他的《萱花圖》中的題記：“花開笑口，北堂之上。百歲春秋，一生歡喜，從不向人愁。果然萱草可忘憂。”這種愉悅只有在親身作為中才能感受得到，我在這方天地里寄托著情感，陶醉在藝術的理想王國之中。縱觀這些年的中國畫畫壇，看似繁榮，但并沒有實質性的進展，更談不上高峰，大部分的寫意花鳥畫作品處在萎靡之中。近些年，我幾乎不參加各類中國畫展，但我始終牢記古人“淡泊明志”“寧靜致遠”的教導，一直沒有放松對自己在藝術上的追求。我想，我還會走得更遠。

借此機會，我還想講另一個作畫體會。俗話說“吃飯吃到七分飽”，這是人類養生的一種形象說法，也是醫學專家經過大量研究證實的科學結論。意為我們每餐吃七分飽就完全可以保證營養成分的攝入，不僅能保持頭腦清醒，還能有控制體重和減肥的效果。當然，還有更重要的一個原因，大腦與我們的胃口并不同步，往往慢半拍，待到大腦反應出吃飽的信號時，其實已經過頭了。也就是提醒大家吃飯不要吃得太飽，只要覺得不會餓著就可以。否則，多吃一口，就物極必反，成負擔了。

最近，我觀看一位著名人物畫家的作品展時，注意到一個現象。他的山水小品比人物畫像好；人物畫作品中，動物比人物畫得好；而人物畫的衣紋處理比臉部好。原因很簡單，他畫山水時由于沒有了造型上的束縛，完全放開了，注意力集中在構圖、筆墨等藝術語言的表達上，更注重趣味性，而且有大量的空白，非常輕松。而畫人物的頭部卻過于認真，面面俱到，比較拘謹而顯得有點煩瑣。所以，我想畫畫也要像吃飯一樣“七分飽”就夠了。許多畫家，往往受到客觀物象的約束而追隨不斷，覺得自己的畫面沒有完成，或者覺得還有能力深入下去。其實，等到畫家認為畫夠了的時候，往往已經畫過頭了。幾年前，我與研究生在教室里用水彩畫人體寫生，由于對象豐富的造型和色彩變化，我的筆始終沒有放下來，結果是畫蛇添足。后來學生們說，老師，你畫到一半的時候最精彩。減法，的確很重要，尤其繪畫的技法能力足夠時，注意力要放到整體畫面處理上。過猶而不及，所謂畫畫是在畫修養，我覺得就是這個意思。

能夠適時停下畫筆，也是畫家成熟的一個標志。鄭板橋有語云，“畫到熟時，是生時”。繪畫的技術越熟練，越要謹慎，才能達到由熟而后生的藝術境界。只有當我們在一個階段以后感覺到了“生”，才能進入另一個更“熟”的天地。生，其實是對當前自我的否定，由生到熟，再由熟到生，不斷否定自己，不斷上升，以臻完美。因此，繪畫藝術的“完整性”在于畫家個性的強調，在于構思的巧妙把握，在于構圖的新穎布局，在于形象的深刻感人等各種形式因素諧調的結果。我曾在一篇文章里講到，畫虛比畫實更難，猶如中國畫中的空白，要做到筆不到而意到，此時無聲勝有聲。虛，不是無，不是空，不是簡單。虛要虛出內容，虛出味道，虛出內涵。這樣的虛，要反復斟酌，要比實難畫多了。這大概也是“七分飽”的意思吧。

5.蔣躍 春江水暖人更勤69cm×138cm2017

比較諷刺的是，本來，“吃飯吃到七分飽”是一個科學的結論，我們這樣私底下的議論完全可以開誠布公，卻礙于情面，只有在私底下悄悄交流。的確，現在畫展開幕式后一般會開一個關于該畫展的學術研討會，尤其要請一些權威的美術評論家發言。事實上，所謂的“學術研討”，并不是大家敞開心扉地誠懇提意見，就畫展藝術成就的正反兩方面做認真研討，而是講上一大堆“好話”。但是不是作品真的到達了那個高度了呢？是不是真的就那樣完美無瑕了呢？我看未必。私底下看展時隨意的“悄悄話”，卻顯得非常真切，是觀者的肺腑之言。所謂“旁觀者清，當局者迷”，我們講“看自己一朵花，看別人一個疤”，往往看他人的毛病會變得異常敏銳，看自己的作品卻熟視無睹，沒有“覺悟”，不斷在重復自我，原地踏步甚至倒退。

我認為，一個優秀的畫家要時刻保持清醒的頭腦，始終要有一種做學生的虔誠心態，不斷叩問，不斷反思，才有不斷前進的可能。但是，畫家要聽到真話并不容易，如果研討會上講真話，尖銳的批評意見與會場的氣氛格格不入，辦展者也未必愿意聽。就像我這樣的畫家，當面聽到的也都是奉承話。事實上一點好處都沒有，我的研究生要來看我的畫，我對他們有一個要求，每人都必須指出我畫面上的一個缺點。的確，喜歡聽奉承話，這是人性的一個弱點。只有明白自己的“癥結”所在，我們才有可能找到治療毛病的方法，才有可能保持肌體的健康。

“聽君一席話，勝讀十年書。”展覽會上，我們在作者背后品頭論足，毫無顧忌，但往往一針見血，都是真情實感的流露。只可惜，辦展畫家本人并沒有聽到我們講的“悄悄話”——真實的聲音。否則，他的藝術水平還會更上一層樓。前幾年，中國美院有一位前輩老師同我講，年輕時向老師學，中年時向同行學，老年時向學生學。我覺得此話極有道理，這里將人生三個階段的學習過程都講得非常明白，也就是活到老、學到老的真誠態度。許多人都以為畫家“越老越值錢”，事實上，這只是發生在極少數幾個特別有悟性的畫家身上，比如像黃賓虹這樣。但據我觀察，大多數畫家越老越不行，思維不再敏銳，對新知識不再像年輕時容易接受，資格越來越老，恭維者越來越多，越來越聽不到“悄悄話”，故步自封也就成為必然。

2017年11月于美術報社新大樓

約稿、責編：金前文、史春霖

6.蔣躍 夜雨連明春永生69cm×48cm2017

7.蔣躍 魚塘幽夢69cm×48cm2017

8.蔣躍 他年我若為青市69cm×89cm2016

9.蔣躍 魚潛水面靜69cm×48cm2017

10.蔣躍 北山有梅鬧春風69cm×138cm2017

11.蔣躍 崖石腳下攜春嬌69cm×138cm2016