大地藝術 重返自然，以求純粹

文：雨田 圖；本刊資料庫

安迪·高茲沃斯的作品不僅取材于自然，還與周圍景觀和諧相融，鳥巢狀、洞窟狀是他作品常見的造型

這也許是最“酷”的當代藝術——大地藝術（Land Art或 Earth art），以廣闊的大地作為創作的載體，把藝術創作與大地景觀有機結合，從而區別于傳統的架上繪畫與雕塑。大地藝術家力求讓藝術走出殿堂，重返自然，使藝術作品擺脫商業等束縛，喚起人們重新關注自然。大地藝術與中國藝術中追求天人合一、隱逸山林的精神追求，既有異曲同工之妙，也有殊途同歸之意。

讓藝術誕生地重返自然

最初，大地藝術源自于美國，是20世紀60年代末至70年代早期的一種藝術運動。它既沒有先導也沒有所謂的創始人，而由極簡主義脫胎而來，并與同一時期里活躍的裝置藝術、行為藝術和概念藝術等藝術思潮存在著相互影響、相互交融的關系。當時西方一些現代藝術家感到藝術形式的創作已經走向了窮途末路，他們開始嘗試擺脫畫布與美術館，到遠離城市的大自然尋找靈感，展開大膽創作。他們延續極簡主義利用現代工業品、材料等現成品進行創作的手法，將“現成品”擴展至大自然，利用自然景觀及自然材質如泥土、巖石、樹木、冰塊等天然材料，并以極少的元素進行抽象構成，表達甚至重建現代人類和自然的相互依存關系，激發人們對自然的思考。

大地藝術的創作方法隨意、多樣，常就地取材，不拘一格，因表達思想、意圖的不同而呈現出千差萬別的風貌。通常來說，藝術家一般選擇在空曠、開闊的大自然中，創造大尺度的雕塑、裝置，以達到震撼人心的效果。藝術家們或在大漠上堆起枯枝，或在山澗壘砌卵石，甚至在水面架起裝置等，常儼然成為一處獨特的景觀。由于大地藝術家常以挖掘填湮工程形式出現，故又有土工方程或地景藝術之稱。

心懷對大自然的敬畏

如今，環境保護理念日漸深入人心，而大地藝術的出現，也與當時西方社會興起的反都市主義、回歸自然與綠色政治理念有關，折射出藝術家對社會工業化的思考，體現出反商業化和反藝術體制等特征。首次“在地作品藝術展”于1968年在美國紐約的杜旺畫廊舉行。由此標志著大地藝術這一嶄新的藝術形態正式登上藝術史舞臺。

早期的“大地藝術”可以說是為藝術而產生的，正如大地藝術家邁克爾·海澤所說：“藝術必須是激進的。”為此，大地藝術家們的美學理論最初目的是反人工、反理性的，他們的作品都建造于遠離城市的沙漠、廢棄的采石場和被人們遺忘的荒山野嶺，觀眾無法像傳統的架上繪畫、雕塑那般，可以在美術館的展覽中仔細觀賞，而是需要借助攝影和錄像等手段。因而早期大地藝術在很大程度上尋求一種神秘與莊嚴，例如邁克爾·海澤(Michael Heizer)在美國西部荒漠地帶完成了《孤立的垃圾》《雙重否定》《復合體1號》等數十件龐大的作品，均帶給觀者極大的視覺沖擊。而沃爾特·德·瑪瑞雅（Walter De Maria）1971年創作的大地藝術作品《閃電的原野》也具有深刻的影響力，他利用不銹鋼柱子進行創作，在新墨西哥州的高原上，埋下400根鋼桅桿布置成矩形陣，在雷雨天氣會產生震撼的閃電景象。藝術家利用科技的工業化產品，與物理知識，對自然美進行擴大。與此同時，藝術家設定每次參觀人數不超過6人，以加強敬畏感體驗，也使人們對于自然的感知更加的強烈。

安迪·高茲沃斯運用天然樹枝創作的作品，有幾分從自然中來，到自然中去的意味

安德魯·羅杰斯在美國猶他州創作的作品《元素》。其作品均考慮與當地文化結合，因其本身也作為一名雕塑家，常以大型雕塑放置于廣闊的大地上，給予觀者更廣闊的思考

此外，還有羅伯特·史密森于1973年創作的《斷裂的圓環》和《螺旋山丘》等，均是大地藝術早期的經典作品。發展至今，著名的大地藝術家還有安迪·高茲沃斯 (Andy Goldsworthy)、盧多維·費森（Ludovic Fesson）、杰里米·安德伍德（Jeremy Underwood）等。

安迪·高茲沃斯，藝術與自然脈動

一些大地藝術家創作的作品甚至不需要觀眾的參與和闡釋，而是讓自己在創作的過程中，通過材料的使用和時間的流逝，完全地融入自然和地球中。安迪·高茲沃斯便是這一類的代表，他于1957年出生于英國，年輕時就反對局限風景畫的方形畫框，或公園內、政府機關前裝飾用的戶外雕塑與壁畫，以自然為工具、材料、主題，用作品表現工業進步中被破壞的自然環境及因果報應。決定以周遭既有的素材創作，探索文明與自然的關系。他的作品大多發生在自然環境中，常一人獨自完成創作，無論過程還是結果都沒有觀眾的參與。由于使用天然的材料，他的作品與周遭環境看來十分協調，幾乎像是自然的一部分；但停留在空間內靜止的幾何造型、作品與自然強烈對比的顏色與線條，卻更像是違反自然法則的現象。安迪·高茲沃斯在自然中尋找天然的藝術原料，運用花、冰、葉、松果、雪、石頭、樹枝、刺等元素進行創作，制作出自然的“雕塑”。藝術家并不試圖通過改變自然來反映人的力量的偉大。他的作品往往是短暫的創作，大自然任何細微的變動就會帶動作品的變動，甚至導致作品不復存在。通過紀錄，安迪·高茲沃斯將變化紀錄下來，向人們展示自然的偉大力量和人類存在的短暫與渺小。

因此，安迪·高茲沃斯的作品并不追求永恒，而是暫時存在的，許多作品也由于自然環境的變化，而逐漸消失，呼應宇宙萬物生命輪回的規律，有點取材于自然，最終又回歸自然的意味。

安德魯·羅杰斯，創作需要群眾的參與

如果說安迪·高茲沃斯的作品是從大地中來到大地中去，那么澳大利亞的大地藝術家安德魯·羅杰斯(Andrew Rogers)的創作則更強調從群眾中來，到群眾中去，這位大地藝術家的創作除了就地取材，還邀請當地居民參與到作品創作中去，這一點對他來說十分重要，并將此視為自己作品的一部分。至今為止，他已經在多個國家創作出了許多膾炙人口的作品，參與過他作品創作的人數則超過數千人，中國軍人、玻利維亞的農民、非洲的土著都曾協助安德魯·羅杰斯進行大地藝術創作。

羅杰斯創作了當代世界上最大的大地藝術系列作品，名字叫“生命的律動”（Rhythms of Life），這個主題來源于羅杰斯最早的抽象作品——青銅雕塑《生命的律動》（1996），始于1998年，如今已完成51個巨大體量的石頭結構藝術作品，橫跨七大洲的16個國家，超過7500人次參與了這個項目。這些石頭結構的規模總共達到了4萬平方米，放置地點從低于海平面一直到海拔4300米不等，包括了以色列的阿拉瓦沙漠、智利的阿塔卡馬沙漠、玻利維亞高原、斯里蘭卡的庫魯內格勒市、澳大利亞的維多利亞州、中國的戈壁沙漠、冰島的阿庫雷里乃至南極洲的達克辛甘戈里冰川附近等地方都有該作品的足跡。他的一系列作品最后都將會保留在它們的創作原址，等待自然對它們進行瓦解和重塑。

克里斯托，包裹一切的大地藝術

克里斯托（J·Christo)也是當代著名的大地藝術家，其“包裹一切”的創作手法讓他獨樹一幟，不僅如此，他的作品還不僅限于荒郊野嶺，也有在城市中創作的大地藝術。

克里斯托1953年生于保加利亞，年輕時就發現，物體被包裹后，原有形式會被主觀“陌生化”，產生模棱兩可和曖昧含混的意象，所有瑣碎和平庸都弱化消失，只呈現出最本質和抽象的形狀比例，為此他著迷不已，包裹成為他慣用的創作手法，他將目光從包裹雕像到包裹樹木，甚至包裹海岸街道、摩天大樓與橋梁。從1969-1976年，克里斯托共完成了三個最龐大最富有戲劇性的大地藝術作品——《包裹海岸》、《峽谷垂簾》和《奔籬》。

1968年，克里斯托與妻子用尼龍布包裹了悉尼Little Bay附近寬200米、高26米的懸崖，長達16公里的銀白色織物綿延原先嶙峋崢嶸的懸崖絕壁竟然變成了陌生的人造世界，剛性的海岸變為柔軟而不可知的朦朧。而1976年創作的《奔籬》則是克里斯托最富詩意的作品，藝術家在美國加州的馬林和索諾馬縣山區到太平洋沿岸的山丘上，用白色尼龍布架設了一道柵籬，長達24英里，成為一道蜿蜒在群山萬壑中的織物長城。據說，當初該項目歷經了加州高級法院三次聽證會投票，起草了長達450頁的環境影響報告才獲得通過。

1995年克里斯托花費1300多萬美元在90名登山者和120名工人的協助下將超過10萬平方米的銀白聚乙烯布料用15公里長的深藍尼龍繩固定，將德國柏林國會大廈包裹起來，整座建筑在陽光下仿佛變成通體銀色光芒的雕塑。當時，被包裹的國會大廈展出時間僅兩周，但吸引了多達500 萬名游客，成為戰后柏林最受矚目的藝術品。然而，這些旅游收入卻分文不進創作者的腰包。克里斯托夫婦的包裹藝術作品的運作與傳統美術館的展覽與收藏模式不同，他們的作品不能長久保存，更無法被博物館或任何私人收藏，其作品免費向公眾開放。但創作經費來源也與傳統的贊助人制度相對立，這些動輒幾千萬元的天價藝術創作，都是由他們自費。克里斯托夫婦不接受任何形式的贊助，包括藝術基金會的資助以及義工的加入，全部費用靠他們出售早年的小型包裹作品以及作品準備階段的草圖、習作、拼貼、縮小模型、版畫等來籌集。這也是克里斯托夫婦的信仰，如果光靠自己作品的授權獲益，他們早已錦衣玉食，但多年來，他們始終堅持平凡的生活，也堅持一種精神的純粹。

由此可見，大地藝術往往更追求一種純粹，對自然、對文明的敬畏，以及對自身的精神追求也保持高潔情操。如今國內外許多藝術家在重建城市公共景觀的時候，也或多或少地受大地藝術的影響。大地藝術與公共藝術、環藝設計等也在互相影響。在藝術與商業結合日漸緊密的年代，如何保持大地藝術的理念，以免讓其淪落為一種商業化的“裝置性景觀”，也值得我們深思。

克里斯托以包裹的手法讓柏林國會大廈成為一處獨到城市景觀

經過包裹的悉尼Little Bay，讓海岸景觀瞬間變成另一番景致，給予觀者極大的視覺沖擊