淺談舞蹈教育傳承與媒介傳播

◎顏 煌

（北京舞蹈學院人文學院 北京 100081）

現代舞蹈藝術支持平臺與媒介傳播，要做到引導更多的舞蹈藝術種類及人群進入到其中，享受這個平臺所帶來的資源水準與發展，從而創造出更多具備傳承、創新價值的舞蹈藝術作品。

一、舞蹈教育傳承體系的融合發展

隨著舞蹈教育的逐步發展，各種藝術教學理論框架初步建立，包括舞蹈教材建設及專業學科開設都具有一定規模；專業舞蹈教育逐步拓展至民眾普及教育，舞蹈美育理論架構與舞蹈跨學科發展有了新突破，舞蹈高等教育的藝術舞蹈體系框架也已成熟。

隨著舞蹈社會化與舞蹈新媒介傳播技術發展，人們更加關注舞蹈能夠帶來什么樣的提升與改變，例如對現實題材舞劇的推崇、在中小學開設素質舞蹈教育課程、社區舞蹈群眾文化拓展等。舞蹈社會教育體系的專業教育、普及教育、多元教育的交疊轉化，對提升國民整體素質具有重要作用。

舞蹈社會教育體系的進階分類

如圖所述，“舞蹈社會教育體系的進階分類”，是舞蹈藝術教育理念的時期劃分（包括交疊部分）。這在一定程度上指出了舞蹈教育、舞蹈市場、舞蹈服務的社會性發展方向。舞蹈美育在高校育人層面的功能與作用，主要集中在兩個方面：舞蹈美育有利于學生情感、審美的提升，包括對學生創造力、文化視野的開拓；打破舞蹈是純技術論的觀念，促使舞蹈教育在舞蹈課程、人文課程及相關科研項目等方面進行調整。

專業藝術、職業藝術均具有小眾市場的特征。當我們愿意將專業的舞臺呈現給人們時，專業的編導、演員，包括專業的創意策劃人也需“放低”自己的學術位置與欣賞習慣，而展現創造性、服務性的一面。不論是藝術教育還是藝術社會服務層面，都應將專業藝術的當代表現形式做一個正確的梳理；尤其是對于創作者、策劃者來說，更應找到專業藝術在當今社會中能夠解決的那些問題，即由專業來解決的、往往是最難以發現的問題。例如，如何讓普通人欣賞這場演出，如何讓藝術作品從觀賞轉換為參與互動，如何讓藝術在展現形式上更加豐富多樣，如何將各種不同的藝術種類共同解決演出本身的創意問題等等。

二、舞蹈教育的媒介傳播

舞蹈媒介傳播要通過正確的傳播方式，形成規模的運營基礎以及較為重要的參與式傳播體驗，這樣才能拓展相應用戶的規模與黏度。例如2019年舞劇《杜甫》，采取片段推送至抖音的模式，播放量達至數億，擁有網絡“爆款”的標簽。麥克盧漢認為，技術與文化具有相互的作用。當代文化媒介傳播，較之傳統的傳播方式更加直觀、快捷。

在舞蹈教育的三個發展階段中，每一個階段都不“過時”。目前在普及教育與多元教育的交叉地帶有了新的發展模式，就是線上、線下的名師講座，其背景依托高校學術、劇院團藝術、機構研究。當今，許多舞蹈文化資源是有地域“限制”的，而通過舞蹈新媒介傳播與舞蹈社會化可以解決這些問題。對于舞蹈家、編導而言，選用人們最能接受的方式，可以幫助人們理解舞蹈知識、舞蹈現象以及藝術家的理念；人們聽完后可能會走進名師的現場舞蹈演出，更好地去理解作品。這也是國內高校邀請市場“流量”編導、藝術家來做講座、辦工作坊，以及國家大劇院開設名家講堂的初衷。

舞蹈教育貴在傳承。民間傳承重在舞蹈人的口傳身教、“以人傳舞”，即通過舞者進行舞蹈理念、舞蹈知識、舞蹈作品的人際傳播方式，讓更多的人理解與傳承舞蹈。例如北京舞蹈學院“中國民族民間舞蹈叢書”《中國民族民間舞口述史》，是對國內民族民間舞老一輩舞蹈教育與實踐從業者的記錄。同時，要通過對不同階段、不同風格的舞蹈作品審美方式和傳授特性的梳理，探索將豐富的舞蹈史論資源轉化為當下舞蹈教育資源的可能性和可行性；應依據舞蹈教育教學規律整理完成舞蹈教育發展素材、案例庫，為舞蹈教育提供可借鑒的資源。在此基礎上，形成舞蹈社會學研究的一級、二級、三級研究子題及相關案例資源庫，建構文化產業、文化旅游經濟融合發展背景下的中國特色舞蹈社會學理論與實踐體系。

舞蹈的媒體傳播，以視覺、科技為基本藝術語言，具有典型的現場性、交互性和跨界性。以線上博物館為例，這是參與式藝術展的新媒體階段。策展理念、策展邏輯、呈現方式、觀看方式都與線下實體不同，很多視頻、文字、圖像都與新媒體融合；觀眾不再僅僅是劇場里的看客或博物館里的游客，人們只需要通過鼠標滑輪便可以實現對舞蹈藝術的觀賞。

舞蹈藝術的實踐性，是在校外或連接校園的平臺上產生實踐行為與效果。展演平臺的發展是新生代青年舞者的文化陣地，關系舞蹈人才的培育。目前政府、社會力量、高等教育提供了一個又一個具有影響力的舞蹈平臺及品牌建立，如“北京舞蹈雙周”“中國舞蹈十二天”“北京青年戲劇節”“培青計劃”“上海國際藝術節”等。這些力量支持舞蹈人才創作與展演，幫扶一批又一批青年舞者不斷成長。政府“惠民模式”（例如北京惠民文化消費季由北京市相關單位聯合主辦）的低價演出觀摩，吸引到很多原本不感興趣或興趣度低的人群。中央芭蕾舞團有舉辦多年“高雅藝術進校園”活動，如“走進芭蕾”（公益性）專場演出。“舞計劃”公益基金由《芭蕾》雜志等機構建立，也是推動社會力量關注藝術教育的形式。另如關注大眾舞蹈藝術普及，組織“城市流動兒童舞蹈藝術普及項目”等各類公益活動。

教學體系以及社會力量支持下的展演平臺，都應有評估意識。針對舞蹈文化節事的評估，其方法可以借鑒高校的科研創作項目，二者具有互通性質，同樣具有一定的實踐意義。教學評估、項目評估等都是在營建自身品牌屬性，精準的品牌定位是高評價的根基。舞蹈類型的評估需要系統收集資料，包括定量、定性評估，例如對學生就業指標、科研成果指數、觀眾上座率等進行判斷、評價。

三、舞蹈教育的社會性

筆者曾在多家舞蹈工作室進行調研，與舞蹈家面對面探討過舞蹈市場的生存問題。在問到“作為舞蹈藝術總監你需要做什么”時，更多的答案是“選擇生存的可能”，這恐怕就是面對舞蹈市場的第一反映了。舞者是一個相對單純的群體，他們眼中多是舞蹈本身，舞者、編導都渴望作品受到關注；舞臺表演的演出競爭、演出市場政策，舞蹈工作室的場地租金、舞者待遇等問題，都是影響舞蹈市場變化的關鍵因素。

“在觀眾普遍的認知范圍里，藝術家進行藝術創作的第一個階段是講述自己獨特的生命體驗，第二個階段是代表一個群體、一個時代的吶喊，而第三個階段他要發出的則是全人類的聲音。”①以“亞彬和她的朋友們第X季”品牌為例，其立足在國家大劇院這個純售票的市場之中，加之王亞彬本身的明星效應，其工作室在抖音、微信上分享的舞蹈演出視頻片段獲得超高點擊率。她找到了觀眾的“痛點”，這是觀眾愿意為此專程前往并付費的原因之一；精神上的享受本身也是觀眾的一種“收益”，同樣符合馬斯洛關于人的“需求層次理論”。

參與式形式是一種社會學的融入實踐，需要專注于關系論來識別實踐的基礎。例如將參與式的項目制固定下來，形成文化場館的常規項目構建。參與式社區文化活動具有社會資源與效果的整合功能，運用較為簡單的方式與更廣泛的受眾群體交流。

劇場舞臺表演藝術不應只是藝術愛好者的去處，不能再僅僅是單純演出的地方，更應將觀眾體驗融入進來，這也是“造劇”“留劇”的過程。依附在劇場外圍的那些“微型展覽館”、文藝書店、咖啡廳等可以入駐劇場空間之內，這也是社區文化項目生態營建的關鍵，將駐場文化及項目的升級改造提升至更優化水準，促使藝術家“自力更生”“創意自發”。以上不僅僅是藝術內容本體的宣傳，也是參與者的多元化方式的融入，也是項目成活率的保障機制。

普通人眼中的體驗藝術，是從“我的藝術”到“他者的藝術”的過程。在審美體驗之中，個體創造力得到了開發和提升，更有自我感知和反思能力，從而也能建構其個人對社區的文化認同。通過社區文化活動的形式拉近人們之間的距離，如音樂、舞蹈等文化、藝術活動形式。

以奧克蘭大學社區舞蹈碩士項目為例，“舞蹈教育”社會實踐是一個特色，學生自創教學課例，并以此為基礎完成20分鐘的教學實踐，這并非我們理解的“廣場舞蹈”研究，而是對舞蹈社會功能的深刻反思：如何通過舞蹈來服務與幫助參與者，建構全新、具有歸屬感的社群。該社區舞蹈系的學生活躍在當地的社群之中（如博物館、社區、醫院等空間），也是就業、社會服務發展的新領域空間。這種非功利、非工作的人群關系反而會因為本身無強制性、無利益交織而更加純粹，這種偏向人們心靈天賦的關系會生成一種強大的心靈寄托。

以文化教育作為探討或解決社會困境的工具是文化介入社區、社區的路徑，其中包括更廣義上的對跨界的思考，這也是中國式社區教育的特點。例如北京舞蹈學院舞蹈藝術家個人化的“田埂上的芭蕾”等。

四、舞蹈教育的品牌建設

從整體看，藝術教育、藝術機構、藝術作品、藝術家的品牌建設都十分重要，而品牌建設需要付出比藝術創作本身更大的投入。以個案為例，孟京輝的話劇、大劇院推出的國內外舞劇、日本久石讓品牌的演奏會、五月天組合的音樂會，都能有無限的觀眾流、也能夠場場爆滿。這些演出具有一定的品牌，一方面是因為演出的制作水準較高，另一方面是情懷、情感，生活化的審美情感本身就是讓人們去感懷生活。這些藝術品牌不僅僅是超級IP品牌的概念，也有自己的口碑，其觀眾具有很強的黏性。觀眾發自內心熱愛這些舞蹈劇目、工作室品牌，觀眾的擁護是這個藝術品牌長久創造力發展的保障。

總之，舞臺創意、資源共享，能讓民眾分享到專業舞蹈資源帶來的成長性。在舞蹈資源中加入鮮明的情緒，用專業的力量去打動觀眾，可以傳遞出舞蹈的品牌思想、藝術創作效果。

【注釋】

①摘自亞彬舞影工作室微信公眾號《你會在何時思考生命的意義？》，2020年3月26日。