論專業音樂教育中音樂能力培養的問題

季天然 （江蘇省南通市啟東市文化館 226200 ）

一、內在聽覺的培養

內在聽覺是表演者在表演之前將旋律在內心的顯現。當表演者發出樂音以后，他的判斷行為并沒有終止，一方面需要繼續在心里構建即將演奏的旋律，同時需要用敏銳的聽力辨別自己的旋律是否有偏差，這是一項內在聽覺與外在聽覺相結合的審美活動。

布索尼認為真正的演奏技巧并不是肢體的控制能力，而是牢牢存在于大腦里的思維。當盲目不加任何思索地練習時，會發現錯誤一直在不斷重復，這就必須培養學生的內在聽覺，比如它即將出現的音響，在大腦出現某種理想典范的東西。 “于是你就在你所處的看似不太合適的場所開始‘練習’……這種‘練習’方法不僅有益，而且還特別有趣。”很多演奏家都習慣于在演奏之前將音樂作品在大腦里進行梳理，這讓即將進行的演奏更具有完整性，作品的詮釋也更加完美。俄羅斯鋼琴家格里戈里·金茲堡認為頭腦中的想象讓作品中的音樂表現力更加精準。內在聽覺的重要性已在眾多音樂實踐中得以體現，它是音樂表現力的必要條件，也是眾多專業音樂者畢生追求的一項技能，對內在聽覺的培養，決定了音樂人才是否能在專業音樂道路上走得更遠。

二、音樂審美能力的培養

對于音樂工作者來說，音樂實踐離不開審美能力。音樂是表達人內心情感的一種語言，當音樂被放在藝術角度來審視，它不僅僅是流動的音符，更是人類情感的升華，當我們去感受音樂時，會不禁被它所觸動，這就是審美。

審美很大程度上歸功于相對的文化底蘊，它決定了對音樂表現的深度。與其說一部偉大的音樂作品表現的是一段優美動人的音樂旋律，不如說是音樂家在用人生的閱歷和深厚的情感在表現跌宕起伏的人生。音樂最終的目的是體現一種聽覺美感、深厚的情感，而不僅僅是流動的符號。同樣一部作品，怎樣表達才最真實、最富有音樂價值，取決于學生以什么樣的審美去審視音樂。改革開放后新的思潮沖擊著我國的文化氛圍，誠然，西方音樂文化為人類音樂的發展作出了巨大的貢獻，但是中國文化的深厚底蘊潤色了歷代中華兒女，有獨特的藝術價值。魯迅先生在《且介亭雜文集》中說過：“只有民族的，才是世界的。”學習專業音樂知識，不是為了重復過去，而是應該發展我們自己的音樂。無論是李斯特、肖邦、魯賓斯坦，還是蕭友梅、聶耳、冼星海，沒有一位不是懷著對祖國的滿腔熱情和深厚情感去表現音樂的。

三、音樂想象力的培養

音樂作品的價值之一在于真實的表現，這就需要豐富的想象力作為音樂表現的支撐。喬治·艾涅斯庫曾經說過，他在演奏巴赫奏鳴曲時，如果不置身于18世的話，將很難把作品完美地表現出來。豐富的想象力是演奏者不可缺少的音樂能力。

表現一部作品不是空洞地重復一份樂譜，而是一種情感宣泄。對于受教育者來說，需要在內心建立一種想象意識來探索音樂家力圖表達的情感。一份樂譜并不能代表作曲家的所有想法，即便可以很完美地演奏音樂，但是有價值的音樂不僅僅是重復別人。舒曼認為，在音樂想象中融入的思想，會對視覺、聽覺起到一定的支配作用。視覺將音樂所表現的形象以清晰的輪廓顯現出來，但是音樂中所表達的更深層的情感和內涵，是需要豐富的想象力來進行構建。想象力是藝術得以自由飛翔的翅膀，豐富的想象力可以挖掘出音樂家內心深處潛意識的音樂動機，無論是在創作初期還是后人進行二度創作，想象力始終貫穿于音樂作品的完美詮釋中。蘇珊·朗格在《情感與形式》中曾說：“創作需要各種技藝或技巧……但是，技藝、技巧并不是機械的、例行的陳規……每個藝術家都要發明自己的技巧，與此同時也發展自己的想象。”

四、音樂創造力的培養

音樂的表現應該具有創造性，任何音樂形式的表現都不應該是重復或者模仿。在學習音樂的初期，這些是練習基本功的途徑。但是當學生的技術到達一個高度時，創造力所激發的內在潛能是不可估量的。一部音樂藝術價值最終的衡量點是區別與過去音樂表現的創造性的東西。指揮家亨利·伍德曾認為，藝術上的模仿將使指揮失去它的存在價值。蘇聯小提琴大師波利亞金和奧伊斯特拉赫同時演奏柴可夫斯基小提琴協奏曲，但表現的音樂卻截然不同，波利亞金的音樂表現激情四射，充滿力量，而奧伊斯特拉赫的音樂表現抒情委婉，細節處理得很細膩，如同潺潺流水溫柔輕靈。不同的音樂家雖然演奏同一部作品，但是表現出來的音樂形象完全不一樣，但具有自己獨特的音樂個性。音樂創造力決定了音樂作品的詮釋是否能得到延伸和擴展，也決定了演奏者音樂表現力的可塑性。

任何創造力不是憑空而起的，它必須建立在一定數量的基本功之上。在音樂基礎沒有打牢的情況下，絕不能一味追求標新立異，這樣創作出來的作品很容易沒有根基，經不起時間的沉淀。經典的音樂作品時隔多年人們依舊津津樂道，是因為除了作品本身具有一定的音樂價值外，更多的是擁有貫穿自身靈魂區別于他人的音樂創造力。

五、音樂技術的訓練

技術是音樂表現力的重要條件，音樂作品的完美詮釋需要足夠的技術來體現。拉赫瑪尼諾夫認為技術的熟練，是成為一位偉大鋼琴家的首要條件之一。因此拉赫瑪尼諾夫創作了大量具有相當難度的練習曲，為后人留下了寶貴的音樂財富。良好的聽覺能力，豐富的想象力，創造性思維等因素都是音樂表現的重要條件，如何將這些條件得以實現？這就需要一定的技術作為支撐。“使音樂作品中的所有地方，每個最小的組成部分，都極致清晰。”這是古典主義時期音樂家在演奏中對于技巧的追求。正因如此，歷史上各大音樂院校始終將技術的訓練作為演繹優秀音樂作品的首要評判標準，音樂表現的自由需要有充分運用技巧的能力。

音樂技術需要身體機能、心理機能以及大腦思維的綜合融合，更需要具備良好的思維能力。俄羅斯鋼琴演奏家海因里希·涅高茨經常要求學生以非常慢的速度地練習華彩樂段，要求學生將一系列肢體動作以緩慢、平穩的狀態進行移位，這就需要極其敏捷的思維能力來控制肢體的動作。很多時候學生習慣于用手來控制音樂的發展，但這在演奏許多難度較大的樂曲時會遇到極大的阻礙。隨著音樂作品難度的增大，作品的表現更加復雜，肢體的動作需要更為敏捷靈活，因而良好的思維能力才是控制肢體、讓音樂得以完美詮釋的條件。技術教學應以一種循序漸進的方式進行，手的狀態、內心的速度、聽覺的速度以及心理狀態都與整體的速度息息相關。列夫·尼古拉耶維奇·奧博林講述道：“當我在彈奏奏鳴曲慢樂章時，我總是有意以更慢的速度來彈奏。”當任意一個因素都無法達到整體統一的狀態，教師就不應當再對速度有所要求，而應放慢速度尋找科學的狀態。

針對在專業音樂教育過程中出現的各種問題，我總結了較為突出的以上幾點來詳細分析。學生應該以客觀的態度從最初的感性認識提升到足夠成熟的理性認識；在音樂實踐中以獨立的思維方式挖掘自己的音樂潛能；面對眾多音樂思潮，能取其精華、去其糟粕，樹立正確的音樂價值觀，學貫中西、洋為中用。當今系統學習音樂的學生越來越多，出現的問題也越來越多，專業音樂教育的實施面臨著巨大挑戰也肩負著重大使命。為培養我國更有水準的音樂人才，音樂教育者應深入進行分析、研究和總結，在自省過程中不斷改進，為培養具有有一定創造力、可以擔當我國音樂文化發展重任的音樂人才作出最大努力。