如何提高鋼琴演奏的表現力

擺毓軒

（新疆師范大學,新疆烏魯木齊 830000）

一、提高鋼琴演奏表現力的前提條件

所謂音樂表現力，指的就是演奏者在理解音樂作品的基礎上，利用高超的技藝，音樂的美感延伸至觀眾，使演奏過程具備音樂強烈的感染力。用琴聲來傳達內心的情感和音樂的美,使人進入震撼心靈的藝術境地,感受藝術美。

1.準確識譜

對于這一點，很多學生認為自己掌握了音符和節奏，并且能夠正確解讀它們，就達到了準確識譜的目的。其實不然，很多重要標記的存在，都能夠直接影響作品的發展，如果不能處理好它們，學生對于作品風格、表現力的理解，就不能真實、準確。音樂術語包括：音樂性質、樂曲情緒、節奏速度、表情等等。這些提示性的術語，目的是幫助學生建立起對于作品風格的認識體系。

音高包括：在五線譜上，音符、調號、譜表的位置等等。雖然這三點對于鋼琴的學習來說，非常重要，似乎不需要特別強調，而現實情況就是，學生經常反復出現關于這三點的錯誤認識：（1）譜表閱讀錯誤。在一般情況下，鋼琴彈奏的左手是低音譜號，右手彈奏高音譜號。即便是在作品中，出現了一些臨時改變譜號標記，也容易被疏忽從而出現誤讀的錯誤。（2）調號記不清或者調號閱讀錯誤。由于調號在曲子的演奏占有重要位置，如果在演奏中忽略了調號，導致升降不能按照樂譜進行，那么就會出現音高的錯誤。（3）被大量加線誤導，誤讀音高位置。由于音高是演奏的基礎，教師在進行指導的時候，首先要給學生樹立起閱讀音符、掌握音高的概念，這樣在演奏中才能夠保持節拍的準確、速度的統一。

音樂術語是我們學習鋼琴演奏和表現的基礎，只有把樂譜上提供的這些演奏信息充分運用到，才能作到準確地彈奏并不斷進行藝術的升華。一在般樂曲的開頭、左上方都標有音樂術語。Adagio（柔板）、Andantino（小行板）、Allegretto vivace（活潑的小快板）、Andante maestoso（莊嚴地行板）、Andante comodo（輕松的行板）等等。這些奏法類術語及表情術語都說是作曲家針對自己的作品給演奏者彈奏最直接的指導，根據術語的提示，我們可以明確所彈作品輕重緩急的處理，正確理解奏法術語為我們的演奏提供正確的理論依據和指導。

2.基本功練習

有人把鋼琴演奏稱作“指尖上的芭蕾舞”，最重要的還是基本功，高抬指練習是一種彈奏盡量舉起手指關節動作的練習，是一種最基本的彈奏技巧。鋼琴師把高抬指基本功看作和武林高手扎實的馬步功底一樣，進行高抬指訓練最終的目的還是讓琴童的每根手指都能在琴鍵上站穩。

3.重視演奏技巧的訓練

在樂譜中，音符符頭上下方標有“●”或“▼”的，就表示要用跳音奏法。這個記號有時還被稱為頓音、短斷音、短跳音；有時也被理解為很短時值的重音。

從跳音練習開始，心里就必須明確一個概念，跳音其實就是斷音，或者說是斷奏。音與音之間有空隙、有停斷，跳音不僅還應該有彈性，還不能砸琴鍵，練習跳音首先要慢，把肩關節、肘關節、腕關節都放松，用腕和掌關節帶動手指起落，動作就像拍個小皮球，想象它的彈力，手指關節可要站穩，不能癟陷，要保持一定的緊張度和彈性。

無論是哪種跳音都要具有彈性，它們的差別只是輕與重、快與慢，都是活潑而輕快的。如果說肘跳音像屋檐掉落從天而降的雨滴，那么腕跳音就是炒鍋里蹦跳的黃豆，而指跳音就是那顆粒感極強的小沙粒。

二、分析作品創作背景及內容

要從音樂的旋律、節奏、音色、和聲、曲式、調性這些要素入手，逐一進行分析。也要以社會歷史背景，音樂風格，及作曲家的創作生平使用的技術手法和結構思維角度分析。

1.作品創作背景的分析

作曲家在其作品中，不僅融入了自己最真實的情感，而且還有著個人閱歷以及經驗的投射，尤其是在鋼琴作品中，只有充分了解創作背景的前提下，演奏者才有可能在內心深處與作曲家產生共鳴，將自己的情緒完全融入作品，激發潛在角色的創造，觀眾才會對這樣的作品認可。所以，在教學的第一步，就是帶領學生進入作曲家的世界，從時代背景、個人情緒、創作爆破點等等方面，幫助學生建立起關于作品的認知體系，只有當學生走進作品之后，才能夠從真情實感方面，進行對于作品內涵的解讀，鋼琴的表現力也可以說，是演奏者對作品認知程度的外在表現。

2.作品結構的分析

鋼琴練習需要技巧，以曲式結構的分析為例，這個環節是學生提高自己鋼琴技巧的重要步驟，而對于曲式分析，是為了幫助學生縱向更深層次的理解作品內涵。因此，拿到作品并分析作品是非常有必要的。在日常訓練中，進行曲式結構分析，不僅可以提高效率，更容易給學生指明正確的學習方向和演奏目的。

3.作品的音樂風格及特點分析

傳統音樂的起源被認為是社會勞動，經過了不同社會階段和勞動形式的總結，現代人對于音樂同樣有著獨特的時代需求。而作曲家的風格、形式，也會因為時代背景出現明顯的差異，學習鋼琴的學生應該在廣泛接觸音樂作品的前提下，領略不同時代的風格魅力。（1）巴洛克時期的音樂。這一時期音樂節奏尤其強烈，帶著一種生命力的跳躍和反復，持續地擊打著人們的聽覺神經。而顫音與裝飾音的修飾，又從旋律上給巴洛克音樂，帶來了更多的復調形式。它的特點是“階梯式的力度變化”。以均勻的音段為主，一般在弱音段之后接一個強音段。（2）古典時期音樂。嚴謹、莊嚴、優雅、高貴，是古典音樂的內在表現，而注重形式美的特點，又帶給了其秩序性和邏輯性。在節奏上，作為音樂整體的一部分，以“極甚精妙和敏銳的手法”來處理。同時，又認為旋律是其靈魂。（3）浪漫時期音樂。在這個階段的音樂得到了非常寬廣的發展空間，作曲家們可以將自己的理想主義與夢想，統統融入音樂中，這是自由音樂釋放人們情緒的時代，在節奏上，重拍的規律性極為重要；而旋律強烈奔放，即便是現代，人們也對浪漫時期的音樂旋律，有著高度的認可與推崇。它是“如歌的、熱烈的”，而“抒情”是關鍵的。這一時期最著名的代表人物，就是肖邦。（4）20世紀時期音樂。進入二十世紀，音樂類型呈現出多樣化的趨勢，尤其是很多以小眾情感，或者是主題音樂為中心的類型逐漸出現。節奏上比過去任何時期，都有著更深層次的變化形式。

三、重視作品風格的表達

對于音樂作品的創作來說，作曲、演繹、聆聽是不可分割的整體。作為觀眾要理解作品的內容與情緒，一定要有聆聽的能力，將自己的審美情趣提高到藝術鑒賞層次，這樣才能夠進入第二階段——表達階段。音符是最基本的音樂材料，它不像文字、繪畫，可以直白、明確地將喜怒哀樂表達出來，而是經過作曲家的組合與渲染，最終成為聲音的情緒，人們在傾聽的時候，不知不覺就被帶入到作曲家的世界中，由于觀眾的心境、年齡、社會閱歷的不同，即便是同一個人，在不同時間傾聽音樂作品，也會產生不同的感悟。這就是作品的表達力。作品的內涵成了觀眾情緒爆發的根源，觀眾與演奏者不需要使用具體的言語，進行含義的傾訴。

1.深刻理解作品內容

音樂的表現方向是對聽覺器官的刺激，要引起觀眾的共鳴和情感起伏，必然要進行思想上的火花碰撞，尤其是音樂并不存在視覺意象，也不存在分明的語義，作品的價值就在于其對于自然、人類關系的描繪，對于社會生活的感悟，優秀的音樂鑒賞能力，不僅與演奏者的個人能力有關，也是觀眾文化修養必需的方面。

美感階段：這是最初級的欣賞音樂的方式，甚至可以說，在這個階段，并不是“欣賞”，而只是“聽”。比如，工作、休閑的時候，有音樂做背景，不僅可以放松情緒，還能夠被音樂無意識的帶入到一個藝術空間。這是人們認識音樂的初級階段，也是最原始的感性階段，雖然并不屬于藝術鑒賞范疇，但是這在音樂欣賞中，占有重要的引導地位，可以幫助人們體會各種類型音樂的風格。

2.培養內心的歌唱性、準確表達情感

鋼琴具備的韻律性，與歌唱非常接近，但是要使用樂器表達出歌唱性的旋律，并不是一件容易的事，很多演奏者雖然技術一流，但是情緒不夠飽滿，達不到感人至深的境界。所以，教師要啟發學生的表演欲望，用內心演唱的歌聲，去帶動鋼琴演奏。即便是同一段旋律，當演奏者在內心與作品共鳴的時候，其感染力尤其強烈，而觀眾在這樣的演奏情緒中，才會感受的作品的表情、語言和表達內涵。很多教師都提倡邊彈邊唱，演奏者的內心情緒會因為歌唱而豐富，這種強烈的抒發情緒就會滲透到鋼琴演奏中，這樣藝術性就得到了升華。由于歌唱性必須強調“美”，旋律美是演奏的第一要務，學生在反復欣賞名作演奏的同時，要提高自己的鑒賞能力，找到不足進行針對性的練習，最終實現演奏能力的全面提高。

3.在原創的基礎上進行“風格注入”

不同的演奏者有著自己的風格，這是由于個人性格、情緒和社會經驗的不同而造成的，雖然個性是創造性的前提，但是二者并不能相提并論。同一個演奏者也會受到年齡、文化、教育的影響，而在不同階段對作品有著不同解讀。個性的接訪是現代音樂的特點，但是要進行真正意義上的二度創作，仍需保持清醒的頭腦，不需要為了張揚個性而造成過分華麗或者是炫技的情況。