純凈的黑白影調
——以安塞爾·亞當斯的藝術作品為例

□王小琴 福建師范大學美術學院

一、以黑白替代色彩

安塞爾·亞當斯出生于美國西海岸的舊金山，他的一生都在進行風光攝影的創作，并且以此聞名于各大攝影圈子。他的風光攝影作品有著自己獨特的風格和特色，將照片變成能夠說話的一種物品，雖然在作品之中從未出現過多余的人物，但亞當斯所拍攝的作品都能夠體現其所要傳達的信息和自身的拍攝意圖，創造出既獨特又純凈的藝術美感[1]。

在亞當斯的攝影生涯之中，其受到前輩攝影家保羅·斯特蘭德（Paul Strand，1890——1976）和美國“現代攝影之父”阿爾弗雷德·斯蒂格里茨（Alfred Stieglitz，1864——1946）的影響十分大。他與愛德華·韋斯頓（Edward Weston，1886——1958）在多年的相處后終成為密友。1932 年，他與韋斯頓及其他藝術家一起，以“f/64 小組”（Group f/64）為名，組成具有劃時代意義的攝影團體。“f/64”是當時照相機上最小一級光圈，他們以這個命名，表明他們主張用最小的光圈，獲得最大的景深和極好的清晰度[2]。亞當斯是“純攝影”的代表人物之一，他用最為“純粹”的攝影藝術去表現真實美麗的世界，讓更多的攝影藝術家對純攝影有了更加強的感受力和深刻的認識。

亞當斯在攝影上最為重要的事情便是發明了“分區曝光法”，影響了接下來一代又一代的攝影藝術家。“分區曝光法”是亞當斯根據自己以往的攝影經驗而重新制定的攝影曝光理論和標準，使攝影曝光變得更加科學和可操作。人們根據它，可以較容易地獲得一張影調層次豐富的攝影作品，讓更多的攝影愛好者更直接地了解“直接攝影”的魅力，從而為現代攝影的發展和傳播創造了可能[3]。

“分區曝光法”中，亞當斯將黑白照片的色階分為十一個“區域”——由零區域（純黑區域）至第十區域（純白區域）。其中，第五區域是中灰區域（它可以根據測光表的讀數曝光而得出來），第三區域是有細節的陰影部分，第八區域則是有細節的明亮部分。憑借劃分的“區域”，拍攝者可以預想照片影像的影調效果，從而根據這個影調效果來合理調整曝光數據。

這種方法對陶醉于風光攝影的亞當斯而言，有助于其進行后期處理，黑白取代原有色彩的方式也是對所拍攝物體中心效果的更好呈現，能更好地處理畫面的明暗關系的變化，對于暗部原本做不到的細節部分也可以使其更加豐富。

將彩色事物運用黑白的各個不同色階來區分，這不僅是對攝影方式的一種創新，更是對照片所產生的效果可以用自己所需的藝術特征來進行相應的變化這一方式產生了一定的影響，而不僅僅是簡單地對技巧的遷就。

二、純凈的圖像

亞當斯在14 歲時，曾收到一本圖文并茂的約塞米蒂風光作品集《深入西岳中心》。同年6 月，亞當斯與父母首次游覽了約塞米蒂國家公園。而在旅行中，亞當斯用父母贈給他的一臺柯達布朗尼相機拍出了人生的第一張照片。亞當斯曾經這樣回憶那段時光：“自1916 年的那一天起，我的人生就被內華達山脈所影響，所改變。”

我們從亞當斯的許多攝影作品中可以看出，他對自然的酷愛，以及對生活的環境的特有感情是其他任何一件事物所不能夠表達出來的。而亞當斯所在意的，所想要表達的便是這種純凈感。這不僅是指呈現出來的畫面，更是指拍攝作品有著在影像之上的純凈感，一種在光學上的清晰感受特征，即景深和聚焦的關系。亞當斯在拍攝影像時，如對于山脈的拍攝，基本上是在十分危險的地帶進行拍攝的，而后在20 世紀30 年代初期，其開始拍攝一些其他人都毫不在意的事物。

對于亞當斯1932 年前后的作品《木板墻和薊》，他自己在描述中也有提及，對于這組影像的構圖，他是十分精細的，亞當斯認為，影像的安排和紋理可能同音樂結構和視覺有著某種無形的關系，同一地點不同照片會呈現出兩種不同的素質和情緒。對“情緒”一詞，亞當斯也提出了自己的看法，他覺得這個情緒應是這張照片在曝光時他所感受到的東西。這也是亞當斯在拍攝物象時為什么會讓觀看者感受到他那純凈之感，其既然能說服自己，自然也能夠感動他人。

對于拍攝物，亞當斯會進行長時間的近距離觀看，以發掘其中的“風景”。平常觀察物體時，我們總是對它保持著一定的觀看距離，而對于微觀世界的描繪，我們卻很少真正對它進行觀察，這些就只能用鏡頭來表達和創造了。正如《論攝影》之中所提及的“由此可見照片所做的，并非只是重新定義普通經驗中的東西（人、物、事件、我們用肉眼所見的任何東西盡管角度不同，可往往是漫不經心的）——和增加我們從未見過的大量材料。現實被重新定義也是如此——作為一件展品、作為一項檢查記錄、作為一個偵察目標”。從不同的角度觀看，我們往往可以創造出不同的作品，亞當斯正是能夠賦予作品以自我表達[4]。

亞當斯一生中最著名的代表作《月升》拍于1941 年10 月，是最受人們歡迎的一張照片。這張作品被他無數次復制過，他對這張照片是這樣述說的：“當時我們乘車沿著離埃斯派諾拉不遠的公路行駛，我向左邊看一眼，發現了一種極不尋常的景色——一幅無法估量的照片!我幾乎把汽車開進溝里，然后急急忙忙地架好我的8×10 相機。我一面急忙調整鏡頭，一面高聲叫我的同伴把器材從車上取下來……”圖中大面積的黑色天空約占了畫面的五分之三，遠處低空的白云帶是畫面的神來之筆，中景的教堂、墓地、村莊仿佛是人生的縮影，畫面氣勢磅礴又富有神秘感[5]。這張照片給人以深深的靜穆感，仿佛整個村落都被一種寧靜的氣息所凝滯，散發著濃烈的純潔的感覺。加上亞當斯對畫面黑白灰三層精細的處理方式，這種強烈的效果得以形成。

另外一張同樣是對月亮的拍攝，《月亮和半圓山》是亞當斯最滿意的作品，亞當斯對月亮的拍攝，是十分著迷的，也有著較多的經驗，他能精確地測出月亮的亮度并通過區域曝光法原理預知拍攝后的效果，因此，他照片中的月亮總是細節豐富。他形容自己對于拍攝月亮，就像發了瘋一樣，對自己所拍攝的作品和影像有著敏銳的感受。月亮似乎成了亞當斯人生中的一種追求，對純凈事物的一種向往[6]。

從亞當斯1961 年拍攝于舊金山的作品《舊水塔》中我們也能看到他對這種“純凈”事物的向往，這個水塔是20 世紀初期的產物，亞當斯描述它時運用了莊嚴的氣質及迷人的質感兩個短語。他十分滿意這張照片。對于這種古老的事物，許多年輕的攝影家已經不在意了，并不覺得它美。在此，亞當斯對這種拍攝物的價值提出了自己的看法，即應對它所展現出來的特色進行拍攝。因此，才有了人們對亞當斯攝影作品的評價：假如你有機會置身于亞當斯原作前，感覺那來自銀鹽粒子結成的豐富影像，在那無與倫比的純白到純黑的交錯中，你所看到的不僅僅是一張照片，一幅大自然的截取，而更多的是內心深處的震撼與共鳴！這是亞當斯所帶來的美的感受。

亞當斯尋找并表現了攝影獨有的特性，以使攝影不再被人們認為是繪畫中的一個小分支，完成了攝影從對繪畫的依附中分離出來的重要使命。亞當斯攝影團體關注的是怎樣拍和最終拍出什么，他們在乎最終的效果，會探究客觀物象與影像之間構成的必然關系，以及攝影本身如何完美地呈現這種關系。這對亞當斯的攝影創作及其內在表達的事物的細微之處有著深刻的影響。亞當斯認為，事物本身的細致便是它的純凈之體。

結 語

安塞爾·亞當斯對攝影一直以來就秉承著一個觀念，即攝影不僅是一個簡單的載體，用來傳達人們實際的思想，還是一門富有創造性的藝術。因此，亞當斯的藝術作品，常常運用大量黑白攝影基調來代替原有的色彩，追求畫面原有的純凈感，制作出細膩的細節部分。在長達60 年的攝影藝術創作的過程中，亞當斯不斷實驗，并善于接受和實踐新的感念與方式，樂于將自己在實驗中所取得的成果及實踐分享給大家。他對影像的制作與拍攝要求十分苛刻，對影像的研究也做出了巨大的貢獻，對后世的審美發展與攝影和科技的結合做出了十分大的貢獻。