再續極繁

彭一

“極繁”是一種藝術風格，它源于17至18世紀的法國和意大利，主張在造物的過程中運用豐富的材料與裝飾元素，如復雜的線條、繽紛的圖案、細膩的紋理等，讓作品給人既復雜又精致的感覺。直至二十世紀60年代，美國藝術家加里·斯蒂芬（Gary Stephan）提出了“極繁主義”的理念，并受到無數創作者們的青睞。

放眼世界各地的手工藝，不少創作者們似乎也將這一理念貫穿于作品、場景與項目的塑造之中。從幾個世紀前歐洲建筑風格的極繁，到今天手工藝創作者們通過以作品展現材料、工藝、視覺的極繁，這一風格歷經時間洗禮，仍熠熠生輝。同時，極繁主義也給當代的藝術家們提供了創作的方向。

如今，每個國家都有“極繁主義”的手工藝存在，諸如中國的花絲鑲嵌、琺瑯藝術，不妨我們將視野放至更多國家，了解當下的手藝人正在通過哪些方式表達極繁。他們或許正在用趣味滿滿、形制豐富的器物為生活添彩，又或許專注于工藝細節，致力于文化的傳承與發展……許許多多力求極致、講究細節、重視人文的創作者們正在以個性化、差異化的方式，表達著內心的豐富以及對手工藝的熱愛。

手造面具，狂歡出彩

戴拉·貝納維德斯（Dayra Benavides）

國家：哥倫比亞

工藝：服飾面具制作

在一年一度的哥倫比亞西南地區帕斯托的“黑白狂歡節”中，裝飾面具扮演著舉足輕重的角色，它不僅極大地烘托了節日氛圍，更成為人們表達自我，又充滿神秘感的重要工具。在狂歡節期間，人們戴上各式各樣的手工面具，身著華麗服飾，沿著街道歡歌舞蹈，這一活動消除了貧富與階級的差異，男女老少皆沉浸其中，感受不同的樂趣。

戴拉·貝納維德斯（Dayra Benavides）是一名面具藝術家，2014年，她創作并佩戴自己的第一款手工面具《冬至慶典》作為舞者，參與了哥倫比亞盛大的城市狂歡節。9個小時的狂歡，讓貝納維德斯看到不同風格、不同配色的面具，也驚嘆于手工藝為這個節日所帶來的能量。也正是因為華麗的服飾面具，讓貝納維德斯獲得當年狂歡節中的最佳人物表演獎，而她也是哥倫比亞歷史上第一位獲得該獎的女性。

自2015年以來，她又連續多年獲得“黑白狂歡節”服裝大賽冠軍，她創作的手工面具不僅烘托了節日氛圍，更贏得了人們的喜愛。在今年年初，貝納維德斯與家人們共同創作了新的面具作品《團結之花（西班牙語：La flor de minga）》，并由4名穿著華麗服裝的女士進行演繹。在哥倫比亞，“Minga”一詞通常指的是人們共同參與的活動，寓意團結與互助。這件作品也是為數不多、與家庭成員們共建的項目，她的母親與姐妹們也因一點一滴的創作而備感快樂。

在她的眾多作品中，《瓜納納（西班牙語：The Guanena）》講述了一段關于溫暖的親情故事。貝納維德斯第一次使用來自先輩種植及留下的植物顏料。作品希望向她的長輩與姐妹致敬，在日日夜夜的手工藝創作中，她們給予貝納維德斯精神與現實的支持與協助。

“面具背后所凝聚的創意往往是復雜的，這也正是我所理解的手工藝的‘豐富性之一。”貝納維德斯手工面具的特點，有著繽紛的色彩。創作的靈感通常來源于日常生活的經歷——音樂、舞蹈、書籍，甚至某一時刻的情緒與感受。值得一提的是，受安第斯風格的影響，精致的羽毛是她非常青睞的創作元素。

面具的選材與工藝頗為講究，它們大多源于哥倫比亞當地的傳統工藝，如在天然紙張中加人大漆、羊毛，甚至以毛氈、刺繡等方式制作面具，環環相扣的技巧自然而然地展現出手工藝的細節之美。如今，貝納維德斯對面具進行了改良與創新。（以往，哥倫比亞大型的狂歡節中，手工面具往往有著較大的面積和重量，若長期佩戴大面具，一方面會對面部造成一定的壓力，另一方面也略顯笨重。）基于長期的觀察，貝納維德斯創作了“光面具”，這種面具的質量較輕，在陽光的照耀下，面具的輪廓更加清晰，人物面部的棱角亦更加分明，從而讓每一個佩戴者能更加靈動、舒展地享受狂歡節的喜悅。

每年，哥倫比亞盛大的狂歡節似乎就是“極繁主義”的再現，而為了讓節日凸顯當地的人文風情，手工藝元素是需要重點突出的。為節日而創作的手藝人們往往需提前數月甚至數年準備節日道具。在貝納維德斯看來，手工藝的“極繁”除了材料與色彩之外，時光的淬煉不可或缺。正如當下的人們渴望短時間內完成創作，但容易忽略細水長流的學藝、悟藝過程。“手工藝創作是一個‘復雜的宇宙，哥倫比亞優秀的手藝人在細節與設計的處理上皆通過長時間的冥想，并沿襲了前哥倫布時期和巴洛克時期對復雜彩繪圖案的理解，那些溫暖的、明亮的紋理也融合其中，而這些元素的集合往往能在狂歡節上吸引觀者的矚目。”

當下，哥倫比亞許許多多的社會團體逐漸對手工藝賦予了極大的關照，藝術院校也相繼開展多元化的手工藝專業課程，這對當地的藝術家與手工藝人而言，是可貴、友愛的傳承方式。“愛，是我每天醒來的動力，我通過一雙手，來保護、豐富、創新我們的傳統工藝，同時傳遞來自這個民族的熱愛。”針線、顏料、羽毛、輔材相互搭配，親友的悉心參與，20余年面具服裝的創作生涯，讓貝納維德斯構建起了一個極為豐富的作品庫，她的手工藝創作已然成為哥倫比亞的一道靚麗風景。

重視細節，只因肌理美

諾迪爾·拉蘇洛夫（Nodir Rasulov）

國家：烏茲別克斯坦

工藝：金線刺繡

諾迪爾·拉蘇洛夫（Nodir Rasulov）是一位來自烏茲別克斯坦的手藝人，在近40年的時間里，他專注于“刺繡”。出生于工匠世家的他，其父親是一名專業的木雕師，母親和姐妹擅長編織工藝。

金線刺繡是一項充滿復雜性的手工藝，拉蘇洛夫通常用純銀和鍍金線作為烏茲別克斯坦服裝的裝飾元素。時至今日，當地的服飾制作逐漸轉變為以機繡為主的批量生產，價格較低。而這一市場趨勢也并沒有阻擋拉蘇洛夫進行專業的手工刺繡，“因為追求藝術與設計的客群，同樣會為兼具匠心與溫度的作品埋單”。

金線刺繡，是一種極為復雜的手工藝，對面料、繡線、針法、色彩搭配有著較高的要求。創作一件服飾作品，拉蘇洛夫通常使用絲絨材料，即人們常說的歐根紗。鍍金、鍍銀的繡線是作品的主角。在不同尺寸、不同型號的剪刀與細針的輔助之下，它們成為當地人年年推崇的手工藝品。當地的許多裁縫大多不會在紙張或布料上繪制圖案與紋樣，所以制作的成品僅滿足于日常穿著，而少了一些靈氣與創意。

而這也是拉蘇洛夫近年來逐漸突破的難點，制作一件金線刺繡作品，他需要在腦海里構思作品形態，在布上描繪、切割圖案，并采用緞紋繡和雜紋繡相結合的方式為服裝凸顯刺繡紋理。“緞紋繡，也被稱為排繡，主要特點是整齊、均勻且圓潤。在繡制過程中，繡線以橫排的方式呈現，這種排列方式使得緞紋繡在繡制葉片等細節時，可以在中間分開，形成斜針的倒‘人字形，或者中間針跡相互交叉的形式；雜紋繡則是大量運用鍍金線進行裝飾。”兩者結合的難度在于機器縫制，無論是常規服飾作品還是微型裝飾作品，過程講究細致。許多刺繡師不太能夠掌握金線刺繡的種種技巧，所以除了自身創作之外，拉蘇洛夫會接到來自于同行的刺繡訂單。

而拉蘇洛夫對于手工藝事業的憧憬與執念，也歷經了波浪起伏的心路歷程：“接觸刺繡之初，當我在家幫助母親刺繡小樣時，我會悄悄地把作品藏起來，不讓哥哥們看到，擔心被打趣這是‘女性的手藝。”而拉蘇洛夫的母親告訴他：“如果你想要成為一名真正意義上的刺繡大師，就把第一件作品扔進河里，既是當作懷念，亦是要求自己更好地出發。”而后，在兄妹的支持與母親的激勵下，拉蘇洛夫更有信心專注于自己的興趣。

“雖然，手工刺繡領域不乏一部分創作群體以簡單的工藝繡制作品，但在歐洲乃至其他國家，刺繡藝術已經走向了復雜、精致的階段，寶石或半寶石等材料同樣用于刺繡。”在極簡與極繁的“磁極”中，拉蘇洛夫更青睞于后者，在他看來，豐富的構圖與難度較高的刺繡方式才能撼動人心。

如今，在烏茲別克斯坦城市布哈拉等其他地區的重要節慶活動中，人們會穿著金線刺繡服裝；家居用品如窗簾、沙發、椅子等也會大量地使用金線刺繡工藝。“所以，金線刺繡在烏茲別克斯坦不會消逝，它們會在從業者們的努力下，留存于這個民族，這個時代。”

跨越時間，為極致而創

皮埃爾·薩拉格納克（Pierre Salagnac）

國家：法國

工藝：金屬雕刻

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皮埃爾·薩拉格納克（Pierre Salagnac）的雕刻工作室位于法國巴黎，在一座路易十三年代的建筑中，木工機器的嗡嗡聲和富有節律的敲擊聲讓這里充滿了濃郁的手工藝氣息。皮埃爾格外珍惜現有的工作室：一樓由橡木構筑起的空間雖不寬敞，卻很明亮；墻邊的大條桌是他的工作臺，大型雕刻在這里進行；一旁的銅質車床讓他可以塑造所有的圓柱形零件。工作室內還有噴燈與焊錫臺等專業設備。位于空間中心、看似簡約的方桌用于雕刻。整個空間內，錘、蠟、銅銹產品、不同規格的刷子等輔助工具遍布其中……正是這間充滿歷史感的工作室，激發了他無限的創造力。

皮埃爾的作品不僅僅是一件器物，而是經過打磨的藝術創作。“我的雕刻作品就像在講述手藝人的所見所聞，以及展現引人深思的工藝元素。”他的盆栽銀杏有著精細的結構與復雜的工藝。為了尋找并展現材料中隱藏的形狀，皮埃爾將一整塊黃銅進行打磨，并在成品制作的過程中，不斷調整、改變枝干的形態，以及找到合適的曲線及傾斜度。至于樹葉，他往往先雕刻出模型，然后逐一復制樣本，最終將樹葉擰在盆景的樹枝末尾，便于人們靈活地拆卸。最后以鍍金的方式，賦予120多片“黃銅樹葉”一抹抹迷人的金色。

《五月花盆景（Mayflore Bonsai）》是皮埃爾迄今為止創作的最大的雕塑作品，它高約1米，擁有480片純銅手工制作的“葉子”，樹干由實心黃銅雕刻而成。作品耗時450個小時。它是皮埃爾創作生涯中尤為重要的存在。“大自然創造了美，人們會被豐富與細膩的事物所感動。萬事萬物也好比一位位良師，指導手藝人的創作，并幫助我們更好地理解時代。如果幾百年之后，我們的下一代能在博物館里看到我們的作品，我希望他們能感受到每一位手藝人的思考與付出。”

而在皮埃爾的創作生涯中，傳承人太少是他面臨的難題，僅憑一己之力，很難讓本就對雕刻工藝了解甚少的公眾參與到創作中來。但皮埃爾仍憑借對手工藝的熱愛，推動工藝的延續，他希望雕刻工藝也能與較為熱門的陶瓷、漆器等門類齊頭并進。近年來，孩子們的參與，給予了他極大的信心。

皮埃爾的兩個兒子路易斯·薩拉格納克（Louis Salagnac）、埃利奧特·薩拉格納克（Elliot Salagnac）正在延續他的事業，他們在皮埃爾的指導下雕刻小樣，高度的熱情與全心的投入讓他感動且欣慰。如今，父子們的每一件成品，通過社交媒體進行展示、分享，以期讓更多人了解到傳統工藝的魅力。

在皮埃爾看來，手工藝創作需要長期的實踐與高度的責任，這是一個艱苦的過程，需要創作者們一絲不茍的態度、對細節的關注以及對藝術的熱愛。因此在他看來，能夠創造出精致的器物不僅是一種成就，更是一種榮譽，一種驕傲。

而極繁主義，似乎早已貫穿于這座城市。“無論是盧浮宮，還是凡爾賽宮，建筑中所留存的手工藝痕跡穿越時代，在今天愈發迷人。我們見證了先人追求卓越的造物精神。而這種極致，就是一種極繁的表達。”手工藝所蘊含的豐富性，體現于當代不同的手工藝類別中。“擁抱‘極繁，才能在保證延續傳統時，讓更多人重塑傳統”。

時至今日，皮埃爾已創作30多件雕刻盆景，每一件都獨一無二。

他所追求的“極繁主義”是在為作品融入復雜性的同時，超越單純的產品制作，直面藝術。每當他拿起工具，面對大量的材料，以深度專注的狀態進行創作時，時間似乎暫停了。“那些容易被忽視的細節，雖然微妙，但仍有助于喚醒體驗者的感官，讓他們欣賞到美的極致。”皮埃爾的作品在幾十年后仍可進行拆卸、翻新與上色，仿佛擁有生命。同樣的，一個經過良好維護的盆景作品甚至可以跨越世紀，良好的精細程度、光線在樹葉上透出的淺淺光澤釋放出別具一格的美。

“在一個被頌揚‘一切都在當下的時代，我們并不希望看到手工藝的消失，這種‘對立之外，手工藝傳達了新的價值觀——關于極致、豐富與永恒。”也正是因為看到了手工藝的深刻本質，讓皮埃爾不斷拓展當代雕刻工藝的可能性。而在不斷發現、總結的過程中，皮埃爾也意識到自己以及這個領域的同行們，已經在這個時代精進了。也許，這就是手工藝的力量所在——在“極繁”中進化，從而對抗時間。