音樂劇影視化改編中人物塑造的差異化研究

一、影視化改編相較于音樂劇本身在人物塑造上的變與不變

音樂劇與影視作品作為兩種不同的藝術表現形式，在人物塑造方面存在著天然的差異，影視化改編過程本質上是一場藝術語言的轉譯，既要保持原作精髓，又要適應新的媒介特性。這種改編在人物塑造上呈現出“變”與“不變”的辯證統一，既忠實于角色內核，又在表現方式上進行必要的調整。

（一）人物塑造的傳承與延續

在成功的影視化改編中，角色核心性格的保留是最基本的要求，即音樂劇中那些深入人心的角色形象，其本質特征在影視版本中得到延續。這種不變性主要體現在以下幾個方面：

無論是《悲慘世界》中的再·阿讓、《歌劇魅影》中的魅影、還是《媽媽咪呀！》中的父親，亦或是《芝加哥》中的洛克茜，他們的身份背景、基本性格和關鍵命運轉折都在影視版本中得到忠實呈現，以《媽媽咪呀！》為例，電影版完全保留了音樂劇中三位可能的父親各自鮮明的性格特征，確保角色辨識度。而且，音樂劇依靠強烈的戲劇沖突推動劇情，這些沖突往往圍繞人物關系展開，影視改編通常會保留這些關鍵的人物關系張力，如《西區故事》中托尼與瑪麗亞的禁忌之戀，《吉屋出租》中藝術家群體與社會的對抗等，這些核心沖突構成了作品的靈魂，也是觀眾情感投人的關鍵。

音樂劇中那些塑造人物形象的關鍵唱段，往往成為影視版本必須保留的精華，《貓》中的Memory，《艾薇塔》中的Don'tCryforMeArgentina，這些經典唱段不僅是角色塑造的高光時刻，更是作品的典型文化符號。

（二）表現方式的調整與創新

盡管角色內核需要保持，但表現方式必須根據影視藝術的特點進行調整，譬如舞臺表演需要夸張的肢體語言和洪亮的唱腔來傳遞情感，而影視表演則追求細膩自然。《悲慘世界》電影版采用現場錄音，演員的演唱帶有呼吸聲和顫抖感，相比舞臺版更具真實感染力。休·杰克曼飾演的冉·阿讓更注重眼神和微表情，而非大幅度的舞臺化動作。

音樂劇受限于舞臺空間，往往采用較為單一的敘事視角。而影視作品可以通過鏡頭語言、剪輯技巧等手段，為角色提供更豐富的展現角度。《芝加哥》電影版運用大量主觀鏡頭和幻想場景，使洛克茜這個角色的內心世界得到更立體的呈現。

再者，舞臺服裝強調遠距離辨識度，而影視服裝追求細節真實，《歌劇魅影》電影版中克里斯汀的戲服比舞臺版更加精致考究，面具的設計也更貼合面部輪廓。這些視覺細節的打磨使人物形象更具說服力。

（三）改編策略的平衡藝術

成功的影視化改編需要在保留與創新之間找到平衡點，過度忠實原作可能導致作品缺乏電影感，如《貓》的失敗改編。而改動過大又可能失去原作精髓，如《理發師陶德》電影版對部分角色的簡化處理就引發了爭議。

改編者需要根據作品特性采取不同策略，對于角色驅動型音樂劇，如《悲慘世界》，應更注重保持角色完整性。而對于概念型音樂劇，如《吉屋出租》，則可適當調整人物關系以適應電影敘事節奏。在改編上，也需要進行適當的考量，比如《媽媽咪呀！》電影版強化了浪漫喜劇元素，使角色更具親和力。《芝加哥》則突出了黑色幽默風格，讓人物形象更加鮮明。這些調整都在藝術完整性和商業吸引力之間找到了平衡點。

二、音樂劇影視化改編對于人物塑造的借鑒

音樂劇影視化改編作為一種跨媒介的藝術實踐，在人物塑造方面為影視創作提供了獨特的借鑒價值，這不僅體現在表演方法上，更包含敘事策略、視覺呈現和情感表達等多個維度，為影視藝術的人物塑造開辟了新的可能性。

（一）表演方法的創新借鑒

音樂劇的表演體系為影視表演注入了新的活力，傳統影視表演追求自然寫實，而音樂劇表演的夸張性和整體性為影視作品提供了另一種表現路徑。音樂劇演員需要通過歌唱和舞蹈傳遞情感，這種高強度表演方式被引入影視創作后，豐富了情感表達的層次，如《悲慘世界》電影版采用現場演唱的方式，演員在表演同時完成高難度唱段，使情感流露更加直接強烈。安妮·海瑟薇飾演的芳汀在演唱IDreamedaDream時近乎崩潰的表演狀態，創造了震撼人心的銀幕時刻。

而且音樂劇演員都經過嚴格的形體訓練，其肢體表現力遠超普通影視演員，這種訓練體系被引入影視表演教學，提升了演員的整體表現力。《芝加哥》中凱瑟琳·澤塔-瓊斯的舞蹈功底使她的表演兼具戲劇張力和電影真實感，為角色增添了獨特魅力。

與此同時，音樂劇演員的聲樂訓練強調氣息控制和情感表達，這種技巧被運用于影視臺詞處理，使對白更具感染力。《歌劇魅影》中埃米·羅森將美聲唱法的共鳴技巧運用于普通對白，使聲音表現更加豐富立體。

（二）敘事策略的創造性轉化

音樂劇獨特的敘事方式為影視創作提供了新的思路，傳統影視敘事依賴鏡頭語言和剪輯技巧，而音樂劇的敘事更加依賴音樂和表演，這種差異催生了創新的敘事策略。音樂劇中，角色往往有專屬音樂主題，這種手法被引入電影創作，《西區故事》中不同族群的角色配以不同風格的音樂主題，通過聽覺元素強化人物特征，伯恩斯坦創作的爵士樂和拉丁音樂交織，完美呈現了不同文化背景人物的碰撞。

而且在音樂劇中，歌舞場面不僅是表演，更是敘事的重要組成部分，這種理念影響了《愛樂之城》等歌舞片的創作，片中歌舞段落不僅是視覺奇觀，更是推動劇情發展、展現人物關系的關鍵場景。

音樂劇更擅長通過群體歌舞展現復雜的人物關系和社會圖景，《吉屋出租》電影版將舞臺上的群體調度轉化為電影語言，通過長鏡頭和復雜走位，在有限空間內展現多層次的人物互動。

（三）視覺呈現的美學啟示

音樂劇的視覺美學為影視創作提供了豐富的靈感來源，舞臺設計的象征性、服裝造型的戲劇化、燈光效果的抒情性，都被創造性融入電影語言之中。音樂劇舞臺常通過簡約布景營造象征空間，這種手法影響了《芝加哥》等影片的美學風格，影片將現實場景與幻想空間并置，通過舞臺化處理強化人物的心理真實。

音樂劇服裝還強調遠距離識別度，這種夸張風格經過適度調整后，成為塑造電影人物的有效手段，比如《紅磨坊》中妮可·基德曼的戲服既保留了音樂劇的華麗感，又符合電影的真實性要求，成功塑造了莎婷這個角色獨特的視覺形象。舞臺燈光也在音樂劇中直接參與敘事，這種理念被引入電影攝影，《歌劇魅影》中運用舞臺燈光的手法處理電影光影，通過強烈的明暗對比和色彩變化，外化人物的內心情感。

（四）跨媒介創作的未來展望

音樂劇影視化改編在人物塑造方面的實踐，為跨媒介創作提供了寶貴經驗，這種借鑒不是簡單照搬，而是創造性轉化，其核心在于理解不同媒介的特性，找到藝術表達的共通點，隨著技術進步，虛擬制作等新手段為融合音樂劇的舞臺感和電影的寫實性提供了可能，《漢密爾頓》的影視版就通過多機位拍攝和精心剪輯，既保留了現場演出的能量，又具備了電影的觀賞性。

在音樂劇與電影藝術深度融合的背景下，還需要培養既掌握音樂劇表演技巧，又精通影視表演方法的復合型演員，這種訓練體系已經在一些頂尖藝術院校展開，為跨媒介表演藝術儲備人才。除了演員，音樂劇與電影的碰撞必然產生新的藝術火花，創作者需要勇于突破固有模式，在尊重各自藝術規律的前提下，開拓人物塑造的新可能。

三、差異化塑造對觀眾接受度的影響

（一）觀眾群體的審美期待差異

音樂劇影視化改編面臨如何平衡不同觀眾群體的審美期待的現實問題，這種差異不僅體現在藝術形式的偏好上，更深人到觀賞心理的深層次結構。音樂劇愛好者通常建立了一套完整的審美參照系，他們對每個經典唱段的音高、節奏、情感處理都有精確的預期。當電影《悲慘世界》采用現場同期錄音時，那些習慣于錄音室完美音質的劇迷會敏銳地捕捉到演唱中的氣息變化和細微走音。這種“不完美”恰恰是電影追求的真實感，卻與部分劇迷心中的預期產生沖突。

電影觀眾則展現出完全不同的接受模式，普通觀眾更關注故事的情感連貫性和角色的心理真實，《愛樂之城》之所以能獲得廣泛認可，在于它巧妙地將歌舞場面融入現實情境，使每個音樂段落都成為角色情感的自然流露。當艾瑪·斯通在格里菲斯天文臺的星空下起舞時，觀眾感受到的不是舞臺表演的間離效果，而是角色內心喜悅的直接外化。這種處理方式消解了音樂劇常有的形式感，讓歌舞成為敘事的有機組成部分。

解決這種審美分野需要創作者具備跨媒介的敘事智慧，成功的案例往往采用“雙重編碼”策略，在保留經典唱段音樂完整性的同時，通過電影語言賦予新的解讀空間，像《芝加哥》中“CellBlockTan-go”的影視化處理就是個典型的例子，導演羅伯·馬歇爾既保持了原曲的戲劇張力，又通過精妙的剪輯和鏡頭運動，讓六個女囚的獨白呈現出電影特有的心理深度。

（二）文化背景對角色認同的影響

在全球化的傳播語境下，音樂劇影視化改編還必須面對文化轉譯的復雜課題，角色塑造需要兼顧原作的文化內核和目標市場的接受習慣。《西區故事》2021版的創作團隊就是在這樣的考慮下，不僅聘請波多黎各方言教練，更邀請拉丁裔文化顧問全程參與制作，確保從街頭涂鴉到家庭陳設的每個細節都準確反映波多黎各移民的文化身份，這種嚴謹態度使得片中瑪利亞與貝爾納多等角色擺脫了刻板印象，成為有血有肉的文化載體。

而且亞洲市場對音樂劇角色的接受模式呈現出有趣的特點，日本觀眾對《歌劇魅影》中克里斯汀形象的獨特解讀頗具代表性，這個在西方語境中常被理解為哥特式浪漫象征的角色，在日本觀眾眼中卻成為“忍耐美學”的現代詮釋。這種文化過濾現象說明，成功的角色塑造應該保留足夠的解讀彈性，讓不同文化背景的觀眾都能找到情感投射點。

基于這樣的考量，文化適應性的處理需要避免兩個極端，即要避免完全屈從于目標市場的文化預設，導致角色失去原有的文化深度又要避免固守原文化語境，造成理解障礙。《漢密爾頓》在亞洲巡演時對部分歷史典故的本土化詮釋提供了有益啟示，制作方沒有簡單翻譯歌詞，而是通過節目冊的文化注釋、演前講座等形式，幫助觀眾理解角色背后的歷史語境，這種“文化橋梁”的搭建值得其他音樂劇影視改編借鑒。

（三）市場機制下的角色調整策略

商業電影的生產邏輯不可避免地影響著人物塑造的決策過程，就像《媽媽咪呀！》的改編策略揭示了市場導向下的創作權衡，制片方敏銳地捕捉到暑期檔觀眾對輕松娛樂的需求，將原作中關于單親母親、中年危機等嚴肅主題適度淡化，強化了希臘海島風光的視覺享受和ABBA金曲的懷舊魅力，這種調整雖然改變了原作的情感配比，卻創造了驚人的商業成功。

而且在影視化改編過程中還需要思考選角所能帶來的流量和效益，比如邀請朱莉·安德魯斯出演《音樂之聲》的電影版，就是看中她通過《瑪麗·波平斯》建立的合家歡形象。而《悲慘世界》選擇休·杰克曼和安妮·海瑟薇，則兼顧了演技實力和明星號召力。

四、試論音樂劇與影視化改編在人物塑造上產生差異性的原因

音樂劇與影視作品作為兩種不同的藝術表現形式，在人物塑造方面呈現出顯著的差異性，這種差異性的產生并非偶然，而是由藝術媒介的本質屬性、創作規律和市場機制等多重因素共同作用的結果。

（一）藝術媒介的本質差異

舞臺表演與銀幕呈現存在著根本性的美學分野，音樂劇作為現場表演藝術，其人物塑造必須適應劇場空間的物理特性，演員需要通過夸張的肢體動作和洪亮的唱腔來穿透舞臺與觀眾席的距離，這種表現方式必然導致角色的符號化和類型化傾向。在《歌劇魅影》中，魅影的面具和斗蓬構成了強烈的視覺符號，使角色特征在遠距離觀賞下依然清晰可辨。

電影則是依托于攝影機的魔法，能夠捕捉最細微的表情變化和眼神流轉，這種媒介特性決定了影視化改編必須將舞臺化的表演轉化為更自然的生活化呈現。當《悲慘世界》從舞臺搬上銀幕時，休·杰克曼通過面部肌肉的輕微顫動和眼神的微妙變化來表現冉·阿讓的內心掙扎，這種表演方式在特寫鏡頭下具有強大的感染力，但在劇場環境中卻可能失去表現力。

（二）敘事方式的根本區別

音樂劇的敘事高度依賴音樂和唱段，人物性格和情感主要通過歌曲來展現，這種敘事方式具有強烈的抒情性和象征性，但也限制了角色心理的細膩刻畫。《芝加哥》中洛克茜的野心通過“AuThatJazz”的華麗編舞得到夸張表現，但角色更深層的心理動機卻難以展開。

電影敘事則擁有更豐富的手段來塑造人物，通過閃回、平行蒙太奇等手法，影視改編能夠多維度地展現角色的前史和內心世界。例如，《媽媽咪呀！》電影版增加了蘇菲閱讀母親日記的片段，這一非音樂場景為角色關系提供了更豐富的背景，使人物動機更加合理可信。

（三）市場機制與受眾期待

商業考量在改編過程中扮演著重要角色。音樂劇觀眾往往追求藝術的純粹性和現場體驗的獨特性，而電影觀眾則更注重敘事的流暢性和情感的真實性，這種差異導致影視化改編必須在藝術完整性和商業吸引力之間尋找平衡點。譬如《吉屋出租》原作中對邊緣群體的真實刻畫是其藝術價值的核心，但電影版為了更廣泛的受眾接受度，不得不弱化某些具有挑戰性的內容，這種調整雖然招致部分劇迷的批評，卻使作品得以觸及更廣泛的觀眾群體。

（四）創作主體的藝術觀念

導演的個人風格也會深刻影響改編作品的最終形態，有些導演傾向于忠實再現舞臺魅力，如《漢密爾頓》的影視版幾乎完全保留了舞臺演出的原貌。而另一些導演則追求創造性的轉化，如巴茲·魯赫曼在《紅磨坊》中大膽融合電影語言與舞臺美學，創造出獨特的視覺風格。

此外，音樂劇導演更關注演員的聲樂表現和形體控制，而電影導演則更重視表演的真實性和鏡頭前的表現力，當安妮·海瑟薇從舞臺轉向銀幕飾演芳汀時，她的表演方式必須做出相應調整，以符合電影敘事的需要。

五、結論

“影視 IP⁺ 音樂劇”的跨界形式，將演出行業和影視行業融合，既有助于發揮熱門影視IP的長尾效應，又促使影視IP粉絲和音樂劇粉絲的互相轉化，獲得更大收益。近年來，越來越多的經典音樂劇都被逐漸改編成電影，《西區故事》《身在高地》《來自遠方》《致埃文·漢森》《人人都在談論杰米》等音樂劇改電影，使兩種藝術形式的融合已經成為了一種新趨勢。而其核心挑戰在于如何平衡舞臺藝術與電影語言。成功的改編需要在保留音樂劇精髓的同時，依據電影規律調整角色表現方式，使人物既具戲劇感染力，又不失真實感。因此，在新媒體時代，音樂劇制作應當被鼓勵電影化，并且相互融合，互相映襯，成就更多優秀的作品。

（作者單位：南京藝術學院）

參考文獻：

[1]馮昱嘉.以《芝加哥》為例談音樂劇改編電影策略[J].戲劇之家，2023（11）：22-24.

[2]劉.改編IP音樂劇的創新商業運作的路徑探析[J].新聞研究導刊，2023，14（15）：254-256.