藝術家要靜下來搞創作

主持語：長期從事油畫教學與創作的張杰，三十多年來執著于油畫語言個性化的嘗試與探索，不為那些喧囂的藝術潮流所干擾，創作出《遙遠的星》、《構想》、《大地淚痕》、《遠山也精彩》等一批有思想、有影響的作品，被藝術界所關注。

張杰78年進入四川美術學院附中學習，本科、碩士階段的人生都在這里渡過，畢業后留校于此，又做了多年的四川美術學院副院長。可以說，他是一個對四川美術學院“知根知底”的藝術家。本次訪談可以讓讀者清楚地了解到他對藝術創作的真切感受、對藝術規律的理性思考；了解到四川美術學院的發展歷程與教學特色。

時間：2012年6月

地點：張杰工作室

受訪人：張 杰

采訪人：尹 丹、李舒萌

SHMJ：這張《遙遠的星》是您早期比較有代表性的作品。

張杰：這是我研究生畢業的創作作品，這批畫都是有鄉土情結的東西。四川美術學院當時除了傷痕美術之外，鄉土題材的作品相對占據了主導。

SHMJ：這個也是彝族題材嗎？

張杰：這個是苗族題材，是我到貴州去的時候搜集的素材。我們也曾到彝族地區去體驗生活，那個時候我還是本科生，當時是高小華帶我們去的，學生有我、龐茂坤、劉宇和翁凱旋等等。程叢林也基本上在那一時期到過彝族地區去過，他當時已經是年輕教師了。在彝族考察那會兒，彝族人的房子上面住人，下面住牲口。人很多，我、龐茂坤、肖紅三個人就只有住在下頭跟牲口在一起。哎呀，那里臟得一塌糊涂，老鄉拿來雞給我們吃，感覺做得很不干凈，但當時饑寒交迫也就管不了那么多了。

SHMJ：高小華是哪一年去的中央美院？

張杰：大概是86或者87年吧。

SHMJ：感覺他好像在中央美院也沒待幾年。

張杰：主要是他性格有點兒強，后來就到美國去了。

SHMJ：您在九十年代還是畫了很多人物題材的作品啊。

張杰：對！后面畫得相對少一點兒了。這實際上是一種轉型，人與自然的一種過渡。通過這些景物的構成與表現，山川和自然能夠體現出人們的情感。而且我個人覺得風景畫會讓人自由一點兒。畫風景畫的時候，我當時在從事學校的管理工作，創作這種題材的作品對自己是一種放松和調節，所以后來我干脆就在創作題材上做了一些調整。這種調整有幾個因素，一個是工作的原因，一個是我本身就很喜歡一個人出去開車去感受自然。還有我從研究生以來的研究方向一直就是油畫語言研究，就是對油畫語言自身本體的一種理解、體驗、實驗。當時讀研究生的時候，川美沒有這種技法的畫法。那個時候的四川畫派風格都是比較單一的寫實的、細膩的表現手法。那時我的畫就相對比較松，比較注意畫面的肌理、色彩構成的一些變化，還有抽象與具象的交匯。所以當時雖然畫的是“鄉土”，但是更多關注的是畫面本身的構成、語言方面。和其他川美藝術家畫“鄉土”，更多關心社會生存狀態不同，畢竟我們這些人當時沒當過知青。像程叢林和高小華等人的生活狀態可能更沉重一些，我們那個時候還小，相對比較順利，所以畫的雖然是鄉土題材，但是更喜歡關注繪畫語言。像西方的一些油畫技法和語言方式就對我影響很大。

SHMJ：您當時很喜歡倫勃朗吧？

張杰：對。

SHMJ：我看您畫面的顏料用得比較厚。

張杰：對，這樣會有些肌理效果。我比較強化那種荒蕪的、虛幻的，斑斑駁駁的感覺。倫勃朗對光線的處理比較強烈，更多的是強調舞臺燈光的那種聚光、焦點化。我把那種燈光給強化和分散了，讓畫面出現更多的平面感，有一些抽象的東西在里頭。然后后來畫山山水水的時候呢，那種語言還是沒變。無論是畫人物，畫山水還是畫稍微抽象點兒的東西，對畫面肌理效果的處理，對色彩變化及光影的處理，始終還是沿襲的。只是融入到作品中，我把中國畫水墨的一些元素，印象派的色彩元素和抽象構成有機地融合在一起，形成了一種新的形式方式。我做了很久的探索。最近這幾年，我也想把藝術語言和自己對社會的感受形成的那種理念、思考或觀念，融入到畫面當中去。所以現在我的畫面中有時候出現了一些紅線。咱們四川美院新校區建設過程中，我經常要跑國土局，他們經常要給你畫紅線。那是一種土地買賣的符號。我現在就是在想如何把對生活、社會的一些思考和我的作品結合起來。實際上是想把生活在頭腦當中留下的一些痕跡在我的作品中展示出來。有幾條思路，剛才你看到那個是“紅線”。在土地買賣過程中都會有這些東西，土地是自然本身，這些是人為的占有所造成的不協調，這就是我對這種社會問題的一種感受。有些畫里面，你能看到有些紅色的印章。這個也是一種感受。這些印章就像古代的收藏印，也是人為的東西，它象征著人對自然的占有和掠奪。有些畫面中出現了一些像高壓線的一些線條。我們開車出去，比如說去西藏、新疆那些地方，本來是一些很自然的景觀，你拍照的時候卻可能會看到一根根的電線，很不協調。它們把自然中美麗的風景給切割了。所以我就畫了一系列被切割的風景。這些切割的東西就是電線，這也是人類對自然的一種侵占，跟自然形成這樣一種矛盾。雖然這個矛盾作為藝術家來說也無法解決，但是這卻是一種真切的感受。最近這批畫中就加了一些這樣的觀念進去。但是我個人的一些想法是：個人的藝術創作，不管怎么樣，你的觀念也好思想也好必須要在作品中呈現，以形象的方式呈現出來。所以我對畫面本身的一些語言還是堅持在進行研究。不管觀念如何，作為油畫本身它有屬于自己的形式。

SHMJ：對。我看很多人寫的評論文章也較多談到了您作品中的油畫語言問題。他們認為您是一個從學院派轉化為個性語言的突出范例。

張杰：中國的藝術教育，應該說我是體驗了一個遍。改革開放以后，附中、本科、研究生，整個中國藝術教育的全過程我是都體驗了的。體驗過之后，后面又當老師、從事創作事業。中國的學院派和法國的學院派還是不一樣。中國藝術的學院派，在某個時期實際上是先鋒的。即使到現在，學院派的內部，并不是保守風格的代表。跟西方不一樣。我個人覺得中國的學院相對來說還是比較開放的。因為它沒有形成自身的體系，原來是有蘇聯的體系，后來改革開放之后，學院派的標準體系實際上沒建立。是一個比較松散的體系。

SHMJ：我覺得相對于中央美院，四川美院的創作之所以這么自由，是不是因為它一直都沒建立起一個標準體系或根深蒂固的傳統？

張杰：對，沒有的。沒有什么固定標準。早期的時候有一些蘇聯的體系建構。但是后來，西方藝術的多元化一沖擊，各種西方藝術流派進入之后，把之前的藝術體系給造反了。后來川美，包括一些其他院校中，實際上中國藝術家普遍來說還沒形成自己的藝術體系。所以藝術家們進行的是多元的探索和嘗試，這就產生了多元的可能性。而這種嘗試在某個時期實際上是具有先鋒性的。盡管現在職業藝術家和學院藝術家出現分野，但是人們又不得承認多數職業藝術家仍然是從學院中走出來的，有學院的背景。所以我個人覺得，學院藝術和學院教育它自身也在轉變，在不斷地適應和調整，也還在繼續探索。所以我覺得學院藝術，并不應該總被扣一個落后的帽子。

SHMJ：有關油畫的藝術語言，您在教學當中主要是以啟發的形式還是以傳授的形式展開進行呢？

張杰：有幾種方式，一是給學生教一些規律性的東西。這些都是經過自己的實踐，自己的體驗，已經形成了的固有的、規律性的東西。第二，由于自己也在不斷地進行探索，我會把這些經驗性的東西跟學生進行一些交流。第三個方面是我們四川美院的特色，我們會把當代最前沿發生的一些藝術現象，及時地轉化成我們的教學資源。讓學生在當今的大環境當中找到自己的參照物和坐標。當今的是怎么樣，以前的又是怎么樣，老師們又是怎樣。這些都能讓學生了解到。所以我自己以及咱們學校的教學主要是從這三個方面來著手的。

SHMJ：這些年大家都在說，我也這么覺得，這幾十年，川美的藝術創作不僵化。

張杰：對呀，就是因為川美這邊沒有學術權威，另外也確實沒有形成自己固有的藝術體系。這對于藝術教育來說既有利又有弊。作為教學它應該有自己的傳統，但是我們沒有，沒有是壞事，但是換一個角度來看也是好事。這樣呢，就給學生提供了很多可能，盡管這些可能也付出了很多代價。比如說有100個學生，也許只有10幾個或20幾個“生長”起來了，因為他們生命力強，其他的也許就“死亡了”，或者轉行做其它事情了。但是大家卻往往只看到了那10個人的光鮮。這也是一種遺憾。這個也是需要我們來反思的。任何事情我覺得都有它的兩面性。

SHMJ：這個問題以前大家都給的是正面評價，卻很少像您那樣看到它的負面結果。

張杰：是啊，我們冷靜下來看……我在教學的第一線，我是有著很深切的感受的。你看中央美院的教學雖然保守，但是他們畢業的學生也許后勁兒要足一些。

SHMJ：我覺得這個問題您是談得比較中肯的。

張杰：因為我太了解美院了，我在美院呆了三十多年，十五歲就進學校。

SHMJ：您是81年開始讀川美附中的？

張杰：我是78年15歲的時候讀附中的，81年讀大學了。85年讀的研究生，88年畢業。所有我們跟川美77、78級的學生非常熟，我們親眼看著他們是怎么發展出來的。我們那個時候還是小孩子，就親眼看著那些大哥哥或大叔叔們……

SHMJ：那個時候學校也很小。

張杰：對啊，所以很熟，吃飯什么的基本上都在一起。像她（采訪人之一李舒萌）的舅舅曾浩當時就是屬于比較另類的那種類型，呵呵。他好像是云南人吧？

李舒萌：對，云南的。當時他也曾經在川美附中讀過。

張杰：他和楊述、葉永青等人比較熟悉。

SHMJ：曾浩和葉永青都是云南人吧？

張杰：對啊，還有葉永青等人都是云南的，云南出藝術家呀。貴州出怪才、鬼才。

李舒萌：（比如說）任小林。

張杰：對，任小林。還有董克俊等人。

SHMJ：不知道記錯沒有，好像王林對董克俊評價很高。

張杰：在某種程度上，王林對四川美院的當代藝術起到了決定性的作用。沒有江豐就沒有羅中立那一代，沒有王林就沒有葉永清、鐘飚那一代。江豐對川美當時是非常看重的。川美藝術家在北京搞兩次進京展都是他在里面斡旋，當時他對川美的高小華、羅中立、程叢林那一批人都很看重。九十年代以后就是王林開始做什么“都市人格”等等當代藝術這一塊兒。王林最先出的一本書就是那個《新具象》，廣西美術出版社出的，封面是羅中立的《父親》，九十年代初就開始使川美活躍起來了。

SHMJ：王林評價您的風景畫，他用中國古代的美學概念“壯美”來形容。

張杰：他寫過一篇文章。

SHMJ：但是我看到査常平跟他的評價完全不一樣。他說您的畫沒有北方風景那種崇高，反倒是很抒情很秀美那種。

張杰：那是因為他們評價的是不同的作品，不同的時期。實際上我的畫面有些還是壯觀的。就我個人的審美追求來講，我也是比較喜歡比較博大的風景。但是有時候呢，也畫一些小品畫。我的作品不同時期的作品有些不太一樣。那一張（《大地淚痕》），島子特別喜歡。當時島子在美院時候找我要了幾張圖片出書的時候使用，但是那本書沒出來，名字我記不清了。

SHMJ：有很多人評價您的不少作品融合了中國傳統的一些意蘊和審美情趣在里面。現在很多藝術家都在探索油畫媒材和傳統情趣的融合，請您談談，你的作品在這些方面有哪些個人的探索？

張杰：我比較喜歡水墨畫，雖然我不畫國畫，但是我對水墨的暈染和韻味和它在表達情感上的可能性是比較喜歡的。我覺得它能夠無障礙地，很爽快地將自己的情緒和心情表現出來。通過水墨的不同的變化，筆跡流暢的走向，節奏的變化來展現自己的情緒。所以我一直很喜歡水墨。但是我自己也沒去做過水墨這些東西。而油畫呢，本來就是那種比較硬的，比較直接的藝術門類。我從2000年開始，就思考著能不能把油畫和水墨的表現方式做一些結合或者什么。所以我就在這一塊兒做了一些實驗。這些實驗不是簡單地模仿水墨效果，更多的是想把水墨表達人的情感的那種體驗通過油畫的方式來進行展現。在畫面大的構思選擇上面很理性，但是在畫的過程當中我想注入一些感性的東西。大的主題，結構，肯定是先要進行一些思考。在畫的過程當中我又希望有比較偶然的東西來沖一下這些理性思考的東西，讓畫面充滿著感性與理性的交融，抽象與具象的結合，必然與偶然的碰撞。進而讓畫面產生張力。如果說我的畫有所追求的話，就是希望水墨畫的偶然的因素和油畫的理性因素得到一種結合。如果水墨是水的話，我覺得油畫就是山，我的主題本身也是山與水的。我想表現的東西本來就是“山水”油畫。也就是中國式的一種油畫山水。中國的水墨在色彩方面，相對來說比較單純。而油畫則在色彩方面見長，能有一些感染力。

SHMJ：您的這些畫色彩處理得很漂亮，很有視覺感。

張杰：我原來讀書的時候對油畫色彩的研究和體會也比較多。如果簡單的把油畫畫成黑白，我覺得會失去油畫本身的色彩表現力。真正在藝術史上對色彩做出巨大成就的，你不能排除印象派，這一塊兒是永遠跳不過去的。我所有的作品實際上都有印象派對色彩的研究成果，冷與暖，色與色之間的互補與對比都是如此。用水墨的方式但是又有油畫的色彩，使畫面產生一種比較豐富的效果。除了色彩之外，油畫的肌理效果也是它的自身特性。油畫不同于水彩不同于丙烯，它能堆得起來，能薄得進去。這是它最強有力的效果，所以我一直沒放棄油畫這個繪畫材料。

SHMJ：我看到您幾乎所有作品都很強調這種肌理效果，這張《大地淚痕》就是如此。

張杰：從《大地淚痕》那張開始我就比較關注水土流失的一些社會問題。

SHMJ：這個作品形式感很強。

張杰：創作這個作品的時候是97年。當時沒有人畫這種從天空俯視的角度，但是后來很多人都這樣畫了。

SHMJ：這種效果是怎么制作出來的呢？

張杰：慢慢畫啊。

SHMJ：用筆啊？

張杰：都是用筆畫出來的。

SHMJ：我以為是制作出來的。

張杰：沒有，都是用筆畫的。

SHMJ：很厚。

張杰：都是用筆畫的，畫得比較厚。易英很喜歡這張。

SHMJ：易英也喜歡畫油畫，喜歡畫風景。他把畫風景當成一種享受。

張杰：對，他也是個做學問的人，文風也比較平實。

SHMJ：他的文章并不追求辭藻的堆砌。我們川美還是有幾個老師很強調這種油畫語言，包括翁凱旋、李強等比較強調繪畫本身的語言。

張杰：包括龐茂琨。雖然他是古典主義的一些東西，但是他的技法實際上是有創新的。整個畫的過程、步奏和處理方式，也在油畫語言本身上做了研究。包括楊述，特別是早期10年前對油畫語言對繪畫本身也比較關注。其實我們這一批人，都是在油畫語言這兒研究相對比較多。我們81級這一批都比較強調繪畫語言的探索，可能是知識結構和當時的環境造成的。

SHMJ：這里是一個明顯的轉變。

張杰：為什么呢，當時羅中立和程叢林他們那一批，他們關注社會、現實。反應勞動人民的疾苦，社會的矛盾、沖突。但是我們呢，雖然同一個時代，但是年紀小些。他們那一批的作品更多的是主題先行的。我們81級，包括肖紅、羅發輝等等，我們的畢業創作作品一出來，形式語言多樣化、繪畫面貌上跟他們77級都完全不一樣。當時我們的研究生畢業創作引起了很激烈的討論，很多人說現在的學生怎么丟掉了77、78級的繪畫傳統啊？畫成這個樣子？當時看起來很怪，但是現在看來不怪。當時就覺得完全不一樣。比如說劉宇當時畫了很多像高更一樣的那種少數民族題材作品。我們畫的是彝族的那種題材。翁凱旋和龐茂琨都跟原來77、78級畫得很不一樣，都有一些個性化的東西，在油畫語言方面形式感相對多一些。當時高名潞就非常看重我們這批。

SHMJ：對，他當時還專門寫了一篇文章談這種傾向。

張杰：85年我們畢業創作，他來看了，就覺得四川美院有變化。有些新的，類似于西方現代主義的苗頭。他很看重，因為他當時就在《美術》雜志當編輯，就把我們作品都發了。我的、龐茂琨的 肖紅的、翁凱旋我們幾個都有。還專門寫了篇文章。從那以后川美的油畫就開始變了。就不是僅僅停留在簡單的再現和對社會矛盾及沖突的關注上了。更多的在語言方式上，形式上。更加注重藝術家本身的個性，語言的多樣性。但作為藝術批評家和社會關注來講，他們比較喜歡關注焦點和熱點。真正潛心的對藝術語言進行研究的藝術家，他們不一定很關注。對于四川美術學院的發展，我覺得我們這批人，應該在某種程度上起到了承前啟后的作用。作為歷史來研究，如果把當時的一些刊物拿來研究，看一代一代怎么過來的。不可能今天是黑的，明天就變成白的，總有個過渡。我個人覺得可以去研究，何桂彥原來也提過，他也意識到這一點。比如巴渝比較浪漫，色彩比較美的，追求形式本身語言探索的一些東西。他也認為我們那個時期的一些作品慢慢衍生出后來川美的風格。所以說川美還是有一批踏實的、實在的、在潛心研究的人。77、78級那批人出名之后都出國了，而實際上在學校做事的人就是我們81級的。當時留了20多個人，留下來之后都在各個系上挑大梁，當老師的教學任務也重，承擔了很多學校里日常的工作，也沒有更多的精力，在這方面繼續梳理、張揚。所以這是一種遺憾。

SHMJ：張院長您現在工作很忙，平時怎么擠時間來畫畫呀？

張杰：我就是中午啊、不開會的時候啊，晚上啊，都在弄。我不打麻將，我覺得畫了幾十年了，丟掉可惜了，對我來說畫畫是休息，不累，畫畫是一種調節。如果不畫畫覺得人是慌的。自己是畫畫的人，開了會回來之后不畫畫很難受。但是如果今天我抹了幾筆，我心里就覺得很充實，很實在。

SHMJ：我們也是一樣的，每天如果不讀兩頁書覺得很荒廢。

張杰：對啊，老是覺得心是空蕩蕩的。如果我時間長了沒到畫室來，我就要面對一張畫要坐很久，進入一種狀態之后才開始畫。人的思維需要調節，要轉個頻道。現在我已經練就出來了，只要我一進我的畫室，學校的其他事我就一點兒都不去想。頻道就一下子調回來了。我想著只要堅持，慢慢畫，畫到一定時間，你的價值，你的作用它終究會慢慢顯現出來。從人的審美周期來看，有些時候是前沿性的，實驗性的。有的時候需要猛烈一點兒的，有些時候需要靜一點兒的。我覺得只要自己按照自己關注的東西，慢慢走入進去。

SHMJ：現在很多人去追求所謂的觀念性，很熱鬧。真正靜得下心來畫畫的不多。

張杰：架上繪畫這一塊，除了觀念之外的東西也很重要。做觀念可能能更多的引起人們關注，引發討論，引起社會思潮。但是作為藝術作品，要沉淀下來也還是需要把觀念如何變成一種藝術語言。所以我現在還是覺得先按照自己喜歡的路子畫，多畫一些。你看到的是一小部分。我以前畫的上百張人物基本上全部都被收藏了。我的人物畫主要在臺灣。然后后面畫的山水風景，很多被收藏和展覽。就是這樣我的畫室還是被堆滿了。

SHMJ：臺灣有很多收藏家，他們不是很浮躁，有些很內行。不像大陸那么浮躁。

張杰：對對，大陸的整個都是短平快、浮躁、熱鬧。但是我覺得藝術需要積淀，終究會回歸過來的。這一點我還是堅持，我覺得藝術本身，不管你怎樣鬧，最后大家都累了，最后還是要回過頭來，看你自身的意義和價值。你是不是把整個時代的情感、思想凝聚到作品本身上面去。我覺得這個才是最有價值的東西。你很多想法很多說法，最后還是得落實到作品之上。

SHMJ：上次北京那個“山川蒙養”的展覽，臺灣的那個基金會就收藏了好多川美七十年代末八十年代初的畫。

張杰：就是林民哲他們的“山藝術基金會”，他們八十年代進來的時候，很便宜很便宜的價格，基本上是1000美金左右一張。羅中立的畫他們最多可能就給過3000塊美金左右。

SHMJ：我看有一些很重要的作品都在他們那。

張杰：對啊，他們買斷了一個時代啊。他當時是做建筑的，那時候臺灣經濟很好，他們開始有那種收藏意識了，收了非常多的藝術作品，而且當時都很便宜。他們一來就是一堵墻一堵墻地買，給個總價。

SHMJ：當時對于他們來說也花不了多少錢。

張杰：對啊，他們當時搞建筑賺了很多錢，臺灣那幾年發展也快。實際上他們收來的作品當時在臺灣也沒有賣多少。只有大陸這邊經濟好了，把價格炒的很高的時候，整個作品都回流了。所以不斷的來中國做展覽。他們可能一張作品就能把以前買的所有的作品的收購價補上。

SHMJ：所以他們還是比較有遠見。

張杰：藝術這個東西我個人覺得，包括今后搞研究，還是需要能靜的下來。我現在覺得真正做學問，比如說中央美院以及清華美院那些，很多人都慢慢地退出江湖了。以前很活躍的一些人，現在慢慢隱身了，都在搞學問。你在學術界的地位，中國的地位，整個歷史的驅動，這是需要時間來進行積淀的。天天都在場面上混，最后基本上就廢了。只有自己的東西到了一定時間才能爆發出來，在同輩人中間才能站的住腳。

SHMJ：中國現在現代主義這一塊兒還是比較缺，八十年代那幾年很快就過了。

張杰：那幾年干脆就是翻拍和盜版，當時我太清楚了，當時85之后出現了一些很知名的創作作品和藝術家。在97年的時候，我在意大利呆了三個月。當時我把歐洲就走的非常細，天天都背著個包，帶著面包，啃著火腿腸，徒步走。幾乎看了每個博物館，看得太細了才驚訝地發現，國內那些很知名的很潮的那些作品，大部分都找得到原本。找得到發源地在哪。當時我真的很震驚。國內這么有名的人，結果作品是臨摹的。因為當時中國的批評界和大眾，資訊相對比較閉塞。突然看到一種東西覺得很新鮮，卻沒去了解實際上這些東西是不是創作。中國當代藝術實際上是慌慌張張的走了一圈兒，我覺得它還是需要一種回歸。

SHMJ：而且很少有人真正去從事語言探索。這些年，很多人都去湊熱鬧。

張杰：當然趕場也有必要，讓大家了解了當代藝術，有那么多種方式。但是任何一種方式，任何一種思想，它必須要去尋找一種最為貼切的語言方式，最能把你的思想你的情感你的觀念充分地展示表現出來。這個是藝術最本質的東西。人人都有觀念，人人都有思想，你要作為一個藝術家你要尋找怎樣的一種方式，最貼切最有力地把你的思想展示出來，這就是藝術家。語言本身它也許不重要，但是語言表現的思想最重要。更重要的是這種語言是最為貼切的，你這種觀念只能用這種唯一的語言方式來表現，找到一種最佳的表現方式。我覺得這個就是藝術的精髓和價值。

SHMJ：川美油畫系這幾年學生在外面比較火，但是也有另外一種聲音，很浮躁、很取媚于市場，我想聽聽您對以后油畫系這種教學，當然也不光是教學，就整個當代藝術創作，您對這種教學思路有什么認識和看法？

張杰：是這樣的，學生學習過程，有些模仿有些借鑒，我覺得是非常正常的。那么作為川美整個教學，還有一點就是在學習過程當中，他是在很快的時候，找到了一種自己的表現方式，或者叫做圖式方式。把自己的一些感受，通過圖式化的方式給他展示出來。畫面相對比較完整和有視覺效果，在很快的時間能達到一種效果。這個對于學生來說，他提高自己的自信心，把自己的感受很快地尋求到一種方式來表現、來抒發。我覺得這樣也還是可以。

但是到后來，你要對這種方式進行反復的錘煉。要進行不斷的完善、探究。不能僅僅停留在一種簡單的圖式化的，反復復制上來。我們學校的一些學生，特別是有些學生缺乏后勁兒。也就是說他在尋找到一種圖式之后，他不是在這個圖式之上再根據自己對生活的思考對社會的觀察對人生的考量，來不斷地去完善，反復錘煉自己形成自己獨有的一種方式。而是得到了社會的認同之后，不斷地去重復它，不斷地去復制它，這樣就導致我們的一些學生在后來缺乏后勁。比如說以前卡通的那種模式，比如找一些畫報上的照片的效果或者影像上的特殊效果來進行表現。但是我覺得不管哪種表現方式，你必須在這個基礎上，要不斷地進行變革，不斷地進行充實、完善而使其成為自己的一種方式。而不是簡單地拿來一種方式，然后作為自己的一種東西。這是一點；第二點，我覺得作為一個藝術家，他的積淀也是非常重要的。這個屬于我們學校在整個教學當中的一種欠缺和遺憾。藝術家自身的修養，自身在語言方面的錘煉，實際上是不夠的。我們很多學生很急切地希望出來。急切有好處，他更多的先找到自信，以藝術家的方式來體驗學習，以展覽的方式來進行藝術創作。但是不好的一面，比如說藝術家自身修養的完善，自己功力的充實，比較堅實基礎，這部分也許是我們的遺憾。所以我個人覺得不少學生缺乏一定的后勁兒。

這個是我們跟中央美院的差異。我覺得他們一些學生可能在這一部分做得堅實一些，但是他們的學生不斷地習作習作，而最后怎樣把習作轉化為自己的創作，這個也是他們難以逾越的一個坎。而我們川美是從一年級開始就進入一種創作的狀態。比如我們學生一進來，就教他如何來創作，如何去尋求一種語言方式把自己的情感表現出來。這種教學方式讓學生進來之后，就非常自信，非常地自主，他們在一年級就開始搞創作，一年級就可以表現他的思想，在創作的過程中他不斷地去充實它，不斷地去補充他的基礎。這是我們的教學理念，這種理念的好處在于，學生很快地就進入一種創作的狀態，而且把展覽引入到教學當中。比如學生在一、二年級時就可以策劃一些展覽，通過展覽讓他回饋，讓他更加自信地來進行自身的藝術創作，在創作的實踐過程中不斷地完善自己。這是我們學校主要的教學模式。中央美院的教學模式是要求你先把基礎弄好，要把色彩畫好，造型弄好，過了關你才來搞創作。老是在造型上，在寫生上不斷的進行反復的一些錘煉。但是等真正畫好了基礎的時候也許都已經完全不是一個藝術家了。只會畫寫生，感覺都磨平了。比如有些寫生，他必須同樣的時間，同樣的光線下他才畫。也就是說我們整個的教學模式和他們不一樣，各有利弊。但是從作為藝術家或作為學生的角度來講必須要清醒地意識到，這種教學也許有利于快速地成材，讓人自信，讓你找到藝術家的感覺。藝術的創作是終生的，但是學習與錘煉、提煉和磨練也是終生的。也就是要終生學習、研究、探索。但是如果有些學生出來之后，成名了之后，老是復制以前的東西，等到這成了一種模式了之后，他的藝術生命可能就不知不覺的死亡了，后面就不好發展了。真正聰明的學生，他知道我今天成名了，明天也要不斷地充實自己，缺少什么就補充什么。在運動過程當中來補鈣，在運動過程中來充實自己，后面慢慢就走得比較長久一些。