艾敬的“愛”

提到艾敬，多數人想到的往往是那個風靡于九十年代初的民謠女詩人。曾創下華語歌手海外銷售記錄的她在歌壇闖蕩多年，卻于九十年代末投身更廣闊的藝術領域，自由游弋于電視劇、電影、寫作及視覺藝術等不同疆域。后來艾敬移居紐約學習當代藝術，2007年后正式以藝術家身份參加藝術展，從此便一發不可收拾，愈加趨近藝術世界的大愛之疆。

20世紀90年代的流行歌壇，少不了艾敬的名字。《流浪的燕子》、《我的1997》曾被譽為中國“城市民謠”的扛旗大作，艾敬本人也被譽為“城市民謠”的領軍人物。也因此，艾敬的視野從此開闊。

從1995年開始，艾敬游歷了法國、英國以及美國的重要博物館以及美術館，直到1998年艾敬在美國紐約的MOMA當代美術館里欣賞到安迪沃瀖以及吉斯哈林等美國當代藝術家的作品，她開始感覺到自己讀懂了當代藝術。1999年，師從藝術家張曉剛，艾敬拿起了畫筆。之后便定居在紐約開始過“藝阿術家的生活”，在紐約成立了自己的畫室。

淡出多年過后，當她再次出現在大眾面前，早已轉換為藝術家的身份，開始以視覺藝術家的身份參加國內外的重要藝術展覽。對于一位大眾并不陌生的明星來說，人們不免以更加嚴格的要求來欣賞艾敬的作品。好在她有足夠的信心。談到自己的藝術作品時，她有著和自己唱歌時一樣的自信：“我對自己做的每件事，無論是唱歌還是做當代藝術，都投入了幾乎全部的時間和精力。都說‘不成魔不成活’，我堅信我想表達的東西是有意義的，無論這種意義是不是馬上能被人們接受，但是藝術家一定要有這種信心，這種自負和勇敢。當然，這種信心是建立在大量體力和腦力的付出之上。”

2014年5月25日～6月29日，“LOVE AIJING：艾敬的愛”艾敬綜合藝術巡展將在上海中華藝術宮開幕。此次展覽是繼艾敬2012年11月19日在中國國家博物館舉辦大型個展——“I LOVE AIJING：艾敬綜合藝術展”之后，歷經一年多的新作品創作與沉淀之后的升華。艾敬將攜新繪畫系列作品《I LOVE COLOR》、新裝置作品《艷粉街的故事》及大量有趣、有料的藝術活動與廣大藝術愛好者見面。艾敬在繪畫、裝置、音樂、舞蹈、建筑、文學間交互穿梭，又將以不同藝術門類的身份轉換，來呈現藝術的跨界并置和綜合觀念傳達。

QA Q=《愛尚生活》 A=艾敬

Q：什么機緣讓你開始投身藝術？

A：大約在1994年或者1995年，我首次到法國巴黎，在一天的時間里我游覽了羅浮宮和蓬皮杜當代美術館，我被兩種截然不同的藝術表現形式的作品所迷惑。我記得自己坐在蓬皮杜當代美術館外的臺階上，心臟激動地狂跳，那種感覺有點像戀愛了。從此我便更多地關注視覺藝術。之后的幾年時間里，我游歷了英國的大英帝國美術館、歷史博物館等一切與視覺藝術相關的場所。直到1997年我初到紐約，游覽了MOMA當代美術館之后，忽然對當代藝術的表現形式開了竅。我認為自己讀懂了當代藝術的語言，那是與流行音樂極為相似的語言。

后來一次機緣巧合，我結識了藝術家張曉剛。在1999年，他移居北京之后，我在他的畫室里跟他學習了一些繪畫技巧。更重要的是，張曉剛給了我拿起畫筆的勇氣和信心，他讓我自由地創作自己腦海里的圖像，而不是讓我畫石膏像。也因此啟發了我對視覺創作很天然的感受，以及我的涂鴉形式。

Q：你以前是創作型歌手，也是演員，要面對很多人的舞臺。但是畫家、表現藝術家更多的時候是自己默默創作、感悟。心境會有不同么？

A：我很少想念舞臺，我喜歡現在的靜謐。當然我聽到舞臺音樂響起就會興奮和激動，鎂光燈照射下的舞臺還是那么的夢幻。然而，視覺藝術對我而言具有更大的挑戰性，因為視覺藝術沒有音樂那么容易表現和被關注。視覺藝術的表現形式是相對單一的；繪畫、雕塑、裝置，都很靜態，在這樣的作品中能夠有感染力是相當難的。也因此，如果靜態的作品能夠讓觀者感受到故事、情感、夢幻，那么這些“可以說話”的作品一定是好的作品，很多大師的作品在與觀者交流，即便他已經不在人世，他的作品仍在“說話”。

Q：對于現在的你來說，音樂、繪畫、藝術事業是如何分配精力的？在你現在的創作中，音畫之間會不會有些特殊的關聯？

A：我把很多時間都投入在視覺藝術作品的創作中，閑下來的時間寫音樂，把情感整理、抒發和釋放一下。我把音樂的創作當成是修復自己的行為，音樂的功能是與心靈的溝通與修復。

Q：曾作為歌手的你，是否考慮過將音樂與當代藝術相結合呢？

A：我的作品中處處能顯現出過往音樂創作和學習到的經驗，注重與觀者的交流。比如雕塑作品《浪花》在展廳的一個單獨黑暗空間，配合視頻海浪的畫面和海浪的聲音，把一件大理石的《海浪》雕塑運用視覺和聲音營造出一種體驗。2009年，我參加了紐約一個藝術學術機構主辦的大型聯展，我的作品是聲音裝置作品《紐約的聲音》，那是我在紐約十個不同的地方、不同的時間里采錄的聲音。

Q：從08年的個展到現在，你的作品總是在國內規格最高的美術館或者博物館展出，你也跟國內最頂尖的策展人、藝術家合作。這樣的機遇讓許多藝術家羨慕，你認為其中最主要的原因是什么呢？

A：我的運氣好，我也珍惜和努力。我與這些成就高于我的人士交往總是能得到他們真心的幫助。因為我毫不掩飾自己的不足，謙虛好學，同時要求自己進步。我很自負，內心總覺得自己可以做到，因此勇敢去實施，無論多少困難總是不放棄，并且樂在其中。總體而言，我離不開幸運之神的眷顧，我感激！

Q：你在創作作品時想必會很費時費事。你是否有助手或團隊參與創作？在藝術創作中，你認為“創意”、“觀念”重要，還是“手工性”重要？

A：觀念藝術的創作重要的是思想觀念的傳達，但是畢竟是通過視覺手段和載體來呈現，因此完成這些作品需要去請助理或者其他藝術家。比如我的裝置作品《棋子》就是由60個手工打造

的紫銅材質構成，因此必須由優秀的工匠去完成。

Q：在你所有藝術作品中，總能夠看到“愛”的印記。你用高于生活的藝術形式去表現一個俗常的概念，是出于什么樣的考慮？

A：“愛”的符號來源于自己對待生活的態度，我處理任何問題都是以“愛”來化解。當然，我在音樂創作中從一開始就有的“愛”的痕跡。我的代表作《我的1997》源于“愛”，這是一首情歌。我的另一首歌《中國制造》是對祖國的愛，也是我第一次在歌詞中直白地表達“愛”。然而也正是因為這首直白地、真情地表述對祖國情感的創作在當時并未被接納。那是1998年，這張專輯未能獲得在國內出版發行的機會，也為我帶來了人生的另外一種轉換。

此后我開始畫畫，從愛好走入專業領域的學習和實踐當中。因此，“愛”的表述不一定是一個層面，也不一定被當下所理解和接受。正因為如此，“愛”的層次的多樣性也可以是創作角度和色彩發生的變化。我的作品中，“愛”的主題有對環保和大自然的關愛，如作品《生命之樹》；有對家鄉的熱愛，如《我的母親和我的家鄉》；有對和平的呼喚，如《槍與玫瑰》；也有為汶川地震的感動天地的母愛所創作的作品《寶貝，我愛你》。因此，“愛”如同旋律，可以用不同的媒介進行多方面的詮釋。

Q：在你的自述中常常看到“對話”兩個字，你認為什么樣的藝術品是可以與生活對話的？

A：一件好的作品在于其能夠與觀者做交流。藝術之難在于此，藝術之精湛也在于此。難在靜態的作品不會說話，精湛在于畫面和材質的結合能夠匯成一種語言與觀眾溝通。

Q：你認同“跨界”這種形容嗎？多年過去，你希望歌迷再次提到你時，頭銜是“民謠歌手”還是“藝術家”？

A：音樂就是最高的藝術表現形式之一，我從未看到界限，因此不談“跨界”。

Q：你曾經提到，無論是做音樂還是搞視覺創作，你的眼光都是國際化的，要回到國際平臺。可以具體解釋一下這句話的含義嗎？

A：藝術創作的平臺就是要有全人類的文化遺產來滋養，從而激發和找到自己民族的閃光點和獨特性，也因此可以“國際化”，使用國際化的語言。藝術家需要放逐自己去漂泊，過一種吉普賽人式的生活。正好，我有一半滿族人的血統，注定會過著游牧式的遷徙生活。

Q：你覺得現在的你，跟唱《我的1997》那時的你相比有變化嗎？如果有，是怎樣的一種變化呢？

A：不變的是我一直享受創作的快樂，變化的是我比之前的天地更廣。因為我打開了藝術這扇大門，里面都是鮮花。就像我的作品，“每一扇門里都有鮮花”。

Q：當代藝術，能給予你哪些不同于做歌手、做演員的收獲呢？

A：做藝術是非常自由的，沒有任何的界限和標準。而做音樂是有標準的，各種榜單、KTV流行度、唱片銷量都是衡量歌曲成功與否的標準，如果不以這個標準操作就會顯得很另類。而藝術不同，它不會束縛你的想象，越有創造力的藝術就越有價值，越能跨越標準就會更有意思。

Q：你的藝術作品中往往出現“故鄉”的概念，你其實不經常呆在自己的家鄉沈陽。最早你給人們留下的印象也是一位流浪歌手的形象。你更喜歡哪種生活？在家鄉？在異地？

A：我更喜歡離開自己熟悉的事物，與之保持一個距離。

Q：談一下現在的生活狀態吧，每天的作息是不是都很規律？

A：我每天都期盼早晨，趕著去咖啡店，喝咖啡吃早餐，把一天的工作大致在腦子里規劃好。然后到工作室去，中午只吃三明治，簡單省時。我一般情況下不加班，希望晚上七點就可以吃晚飯，與家人或者朋友在一起。

Q：對于未來，你希望自己的事業和生活是怎樣的一個狀態，有什么愿望？

A：站在國博的平臺我看到了全世界，我希望自己從中國出發到全世界做巡展。