淺析舒曼聲樂套曲《詩人之戀》

劉 源

(齊魯師范學院，濟南 250013)

一、德國藝術歌曲的起源與發展

藝術歌曲，主要是指那些藝術情趣較高，在歌詞以及伴奏和旋律等方面與大眾歌曲或者是民歌有一定差別的歌曲。廣義的藝術歌曲，是指德國、奧地利、法國、俄羅斯等國的作曲家以歌德、席勒、夏米索、海涅等浪漫主義詩人的詩歌為歌詞，運用一定的作曲技巧以及豐富的表現手法而創作的藝術作品。在西方，藝術歌曲所代表的是知識分子的審美的要求。從一定程度上說，是這些階層的崛起才為藝術歌曲的出現奠定了基礎。

在德國，藝術歌曲占據重要的地位，也是藝術歌曲發源地之一。雖然我們現在所說的藝術歌曲是一種藝術的體裁，是在19世紀發展起來的，但是其本身的發展歷史是非常悠久的。在歷史長河中，德國的“戀詩歌手”的歌曲是藝術歌曲最早的形式。這種歌曲具有非常鮮明的特點，它們將相對保守的譜曲方法以及德國旋律的素材和傳統對位的技巧有效的結合在了一起，得到了大部分德國藝術家的喜愛。在德國，最早的藝術歌曲曲集中，《格查莫歌集》（1435-1460）是其中非常重要的作品，它包含了單聲以及三聲部的旋律和譜曲，其中男高音聲部是主要的旋律。在文藝復興時期，lied成為了復調聲樂合唱，但是發展到17世紀以后，復調的發展遇到了阻礙，取而代之的是單聲歌曲，它們的發展迎來了一個頂峰，藝術歌曲的光芒逐漸被掩蓋。Lied重要性逐漸減弱，歌曲深受意大利歌曲的影響。

到十八世紀末，德國的藝術歌曲形勢發生改變，開始出現了浪漫主義的跡象。它伴隨著抒情詩的出現而產生，而抒情詩的出現是浪漫主義開始的重要標志。其中最具代表性的詩人就是歌德和海涅，他們是著名的浪漫主義詩人，擅長通過抒情詩的形式來抒發自己的情感，也把公眾的思想和愿望以詩歌形式表達出來。而以這些抒情詩為歌詞的藝術歌曲的出現，將音樂與藝術的結合變成了現實。這種結合也使德國的浪漫主義發展到了另外一個高度，使得德國的藝術歌曲進入了一個全勝的時期。這其中，著名的的音樂家舒伯特、舒曼是這個時期最著名的代表。

二、舒曼藝術歌曲的創作特點與《詩人之戀》

（一）舒曼藝術歌曲的創作特點

德國藝術歌曲在十九世紀開始興盛發展并達到高度繁榮，導致這一盛世出現的原因是多方面的。首先，在這個年代，個人的情感以及理想得到了非常廣泛的表達，人們希望音樂同小說、詩歌、繪畫溝通，因此藝術歌曲的出現很好的迎合了人們的這種心理需求。其次，是鋼琴這種樂器的脫穎而出，聲樂的演唱與鋼琴的配合這種方式非常符合當時新興的中產階級的藝術趣味。因此眾多的作曲家對鋼琴與聲樂結合的方式傾注了大量心血，創作出了很多藝術歌曲的精品。德國作曲家舒曼便是其中的杰出代表。

羅伯特·舒曼（RobertSchumann1810-1856），1810年出生于德國薩克森州。他六歲開始學習鋼琴，七歲便嘗試創作。因家庭偏見，他后來進入萊比錫大學攻讀法律。但他并沒有放棄對音樂的熱愛和追求，最后沖破了家庭的束縛，放棄了法律的學習，專讀音樂。1830年，他師從鋼琴家維克學習，后因手指受傷轉向音樂創作和音樂評論。其后在萊比錫音樂學院任教。由于精神疾病日趨嚴重，1854年，舒曼投河自殺被救，兩年后逝世于精神病院。

舒曼的作品，以鋼琴曲和歌曲居多。在他的作品當中，我們能夠深刻的感受到文學的氣息，也能夠深刻體會到他帶給我們的影響。他把從中長篇小說、詩歌里獲得的鮮明印象而產生的音樂聯想，體現為音樂的形象。

對應藝術歌曲領域來說，他將浪漫派的歌曲發展到了一個空前的高度。舒曼在文學上造詣很深，歌詞選擇極為嚴格，嘗試用音樂來體現詩句的語調。同時，他更側重于情感與心理的感受，表現手法更為細膩。他的音樂沒有大氣磅礴的力量，但卻具有沁人心扉的感染力。在歌曲的鋼琴聲部，舒曼則充分發揮了鋼琴的表現力，將鋼琴聲部位置提高到了一個非常重要的位置與聲樂旋律相當，甚至一些歌曲的高潮部分就是通過鋼琴的獨奏來表現。《婦女的愛情與生活》、《詩人之戀》等是其中的代表作。這些作品大多作于1840年，因此這一年被舒曼稱為“歌曲年”。

（二）聲樂套曲《詩人之戀》的情節內容

套曲《詩人之戀》共由十六首歌曲組成，講述的是一個悲情的愛情故事。按故事情節可分為三個部分：

第一部分主要表現詩人和戀人之間美妙的戀愛關系以及收獲到真正愛情以后內心的喜悅之情。其中，第一、二首分別為《燦爛的五月鮮花》和《從我的眼淚里面》，分別描述的是詩人渴望得到愛情以及年輕詩人鼓起勇氣追求愛情，音樂深刻而形象，細膩動人；第三首為《薔薇、百合、鴿子、太陽》，表達了詩人愛情到來之后抑制不住的激動心情；第四首《當凝視著你眼睛的時候》，表達了深沉而富有詩意的愛戀之情；第五首《我愿把靈魂陶醉》，表現了沉浸在濃烈的愛情中，詩人的靈魂仿佛要被陶醉。感情表達豐滿而充滿詩意，歌曲曲調優美，而且鋼琴聲部極為精彩；第六首《流淌著的神圣的萊茵河》，表述神圣而崇高的愛情體驗，同時也表達了詩人對戀人的思念。

第二部分（第七到第十四首）描述了詩人愛情失敗被拋棄的悲痛之情。第七首《我的嘆息》，是詩人得知戀人背叛后，傾訴心中的憤怒與悲苦；第八首《如果花也知道》，表現的是失戀后的無奈與郁悶；第九首《長笛和鋼琴》，表現了詩人目睹自己的心上人與別人結婚的場景，婚禮的熱鬧場面與詩人失落的心情形成鮮明對比。結尾處，鋼琴演奏將詩人的悲傷淋漓盡致的表現出來；第十首《聽到那歌聲》，一首心愛的人從前唱過的歌，讓詩人觸景生情，潸然淚下；第十一首《年輕人對少女的愛》，是一首自嘲的敘事歌；第十二、十三、十四首分別是《明朗的夏日早晨》、《我在夢中哭泣》、《夜之夢》，表達的分別是抒情曲的前奏、詩人在失戀以后的悲傷和詩人的戀愛成為了不幸的情歌。

第三部分是最后兩首歌曲，描繪了詩人悲傷之后的釋然。《舊日邪惡的歌謠》與《不祥的回憶》，歌曲開始果斷堅定，表達了詩人與昔日戀情訣別的決心。之后的尾聲由鋼琴獨奏緩緩奏出，暗示了這段戀情將永遠沉入大海，詩人的愛情與青春一去不復返。

三、《詩人之戀》鋼琴聲部的藝術分析

在了解《詩人之戀》的作品內容之后，我們不難發現作品的鋼琴聲部被提升到了新的藝術高度。鋼琴聲部對于詩人的內心能夠進行細膩表述，能夠使得人物形象得到生動刻畫，同時能夠更加深刻的表述故事情節。下面，我們從音色、線條、呼吸三個方面分析這部作品鋼琴聲部的演奏特點。

音色，區別于普通的“聲音”，是一種帶有感情色彩的聲響。作為聲樂作品鋼琴聲部的演奏，良好的音色能力是演奏者必備的條件之一。在演奏中，首先腦海中要清楚的知道自己要彈出什么音色，要達到怎樣的效果，想在前，彈在后，即“預感”。如第十三首《我在夢中哭泣》，歌曲開始由聲樂引入，鋼琴聲部模仿聲樂旋律隨之進入，這是一種樂思的延伸，進一步表達詩人的悲傷之情。因此這幾個和弦應該是安靜深沉的音色。在演奏時大腦意識早到，手指貼近琴鍵做好準備，觸鍵低而深，從而演奏出應有的音色。當然，不同的觸鍵方式能夠演奏出不同的音色，而音樂表達的內容決定著需要什么樣的音色，也就是“手段要服從于目的”。在彈奏過程中，輕快的樂段一般采取的是指尖彈奏法。而緩慢以及優美的長句更多的采用指腹來彈奏。另外，聲樂作品的伴奏特別是藝術歌曲鋼琴聲部的演奏，無論是對人聲部分的襯托還是呼應，還是獨奏部分，彈奏的音色都應該含蓄、控制、有內涵，盡量做到收攏且有共鳴，聲音具有穿透力但不過分響亮。也就是要盡量發揮鋼琴的物理特性，追求聲音的自然共鳴。

線條，如果將作品的每個音看作“點”，那每個樂句便是“線”，歌曲是線的集合體。西洋美聲唱法講求“legato”（連貫），講求聲音、咬字位置統一的線條美。那么，作為合作樂器，鋼琴聲部的演奏也要遵循這個原則。如第十首《聽見那首歌》，最上方聲部的單個音符，組成了旋律線條，中聲部再加以襯托，好似流下的一滴滴眼淚，形象的描寫了詩人聽到舊時歌曲觸景生情的悲傷情緒。另外還有第七首《我的嘆息》、第八首《如果花也知道》等，都是線條化織體的代表。

呼吸，是聲樂演唱中的重要技術能力，同時也是聲樂音樂表達的重要手段。因此，鋼琴聲部演奏中的呼吸同樣重要，會呼吸的伴奏才是好的伴奏。在聲樂套曲中，由于內容情節上的連續性，有的歌曲前奏很短或是沒有前奏，就要求鋼琴演奏者給演唱者一個明顯的吸氣口，俗稱“肩膀”。這就需要演唱者和演奏者通過日常的練習達成默契。例如作品第十四首《夜之夢》，這首歌曲沒有前奏，整首作品速度較為舒緩，以弱起的八分音符開始，演奏者就要等演唱者調整呼吸，然后給“肩膀”。有的作品沒有前奏，而且聲樂旋律部分和鋼琴聲部的音符較為密集復雜，速度較快，因此，要求演奏和演唱者都要具備較快的應變和反應能力。比如第八首《如果花也知道》，開頭便是快速的三十二分音符，氣口就需要由鋼琴演奏者給出；還有第三首《薔薇、百合、鴿子、太陽》，作品短小，聲樂旋律是密集的八分音符和十六分音符，而鋼琴聲部也是由短促的十六分音符的分解組成。除了開頭兩者要共同呼吸外，作品進行當中也需要鋼琴做必要的襯托，拉住聲樂演唱的速度，給演唱者更多的呼吸余地。另外鋼琴演奏本身的呼吸問題也極為重要，但在演奏聲樂作品的鋼琴聲部時，樂句的劃分、呼吸的位置并不完全以音樂本體為標準。有時候要根據歌詞語言的特點、演唱者的氣息能力等等進行適當調整。

四、《詩人之戀》的研究意義

《詩人之戀》作為舒曼最為著名的聲樂套曲之一，因其優美的旋律、高雅的藝術格調，為廣大的專業人士以及音樂愛好者帶來了美好的藝術享受。同時對它和其他聲樂套曲的進一步推廣和研究，能夠大大拓寬地方高等院校音樂專業師生的藝術視野，對于提高地方高等院校音樂專業鋼琴、聲樂等學科的教學更是有極大的促進作用。

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