春之交響 時代篇章
——評第33屆“上海之春”國際音樂節上海音樂學院新作品首演系列

■李昂

春之交響 時代篇章
——評第33屆“上海之春”國際音樂節上海音樂學院新作品首演系列

■李昂

回首“上海之春”國際音樂節（以下簡稱“上海之春”）逾半個世紀的輝煌歲月，上海音樂學院在歷屆推出的新作品一直是使其永葆活力的新鮮血液。第33屆“上海之春”于2016年4月28日開幕。其間，上海音樂學院分別推出了管弦樂和民樂協奏曲新作品音樂會各一場，由于上演的作品均為世界或中國大陸首演，引發了業界的普遍關注。隨著上海國際化程度與日俱增和音樂廳文化的日趨普及，大編制樂隊作品的頻繁上演已成為城市音樂文化的集中表現之一。對于學院派作曲家來說，樂隊作品能在“上海之春”這一廣受關注的平臺接受檢視，機會難得。

一、與時代的對話

本屆“上海之春”有相當數量的演出場次旨在響應中央提出的“一帶一路”戰略，或是邀請“絲路”沿線各國家、地區的演出團體，或是演出西北作曲家的作品。上海音樂學院則推出一場以“一帶一路之聲”為主題的管弦樂新作品音樂會。5月10日，本場音樂會由張亮執棒的上海愛樂樂團在上海交響樂團音樂廳上演，作品均出自任教于上海音樂學院的作曲系教師之手。

開場作品為錢慎瀛的《徑流》，錢慎瀛早年師承朱世瑞教授，后留學瑞士。這部作品中有著南歐音樂中色彩變化豐富的常見特點，從作品介紹中可知，其核心音程來源于《敦煌琵琶曲譜》，這也是作曲家希望以此作為回應音樂會命題的具體操作。作品演奏的是不間斷的前兩個樂章，兩樂章聲音織體的厚度不斷疊加，由第一樂章卡農式序曲中弦樂與鍵盤打擊樂的潺潺流淌，通過木管的快速點綴和銅管彈性的嗡鳴推進到第二樂章小托塔卡的奔騰磅礴，動態十足的音響織體圍繞著隱伏其中的特性音程，其間也不乏富有對比的張力收放。秦毅的琵琶與樂隊《尋》，由演奏家劉桂蓮擔綱獨奏，這部作品很好地將樂隊與琵琶的聲響進行了融合與互補：窸窣的弦樂和琵琶富有穿透力的輪指、管樂烘托下，點狀剔透的泛音、絞弦等琵琶富有特色的聲響引出樂隊與其模仿與對抗的“音色連綴”，體現了將音色作為作品結構張力要素的創作思維；在作品后段，琵琶在低音區奏出緊張的固定音型與節奏，樂隊在上方進行色彩豐富的變化，體現出秦毅在樂隊與主奏樂器平衡上的成熟考量，樂隊極具動力和清晰的音高走向也使得這部作品更加貼合題意。

作為作曲家楊立青的學生沈葉，純熟兼具創意的配器法使他的作品常為人所稱道。本場音樂會上他的作品《旅行者的夢》氣質較為特別，沈葉似乎意圖以其傳達一種帶有悲劇性的感受與思考。整部作品以音響化的組織方式進行創作，充分發掘了弦樂、打擊樂和鋼琴這一編制的表現力，并通過非常規樂器、噪音的使用與各個段落的意象進行勾連。樂曲八個段落的標題如“磕頭蟲、知了、螳螂的進軍”“天穹·十字星”等等文字令人好奇。作品開門見山以強弓拉奏出類似《廣島受難者挽歌》中野蠻、粗壯的弦樂織體，若以此種音響與“知了之歌”進行聯系，則作曲家為這部作品每個段落的標題似乎是有一定隱喻。在作品中段，多次使用了鋸琴這一較少使用的樂器，無固定音高并尖利的聲響飄忽于大管哨片、弦樂、鳥哨等樂器和“響器”營造的悲涼、陰森的音響效果下，撲面而來的是無助而絕望，大提琴低沉悠遠的吟唱又透出一絲溫暖與悲憫……翻開節目單，作曲家引用的詩作最后一句“家在哪里？”的詰問與這樣具有強烈感官刺激的“聲音”相結合，足以令聽者陷入沉思。在這部作品中，音樂和音響共同營造出宛如自然與工業文明碰撞之下的慘烈聲境，在“一帶一路”這一時代主題下所透露出的反思精神，是作為藝術家尤為可貴的品質。

從“一帶一路之聲”這場音樂會我們感受到的是上海音樂學院青年作曲家在與時代主題的對話中富有個性的聲音表達。他們的作品無論是在音樂語匯的風格、素材的選取還是技法的使用都呈現出“音響化”的審美取向，這樣的作品與大眾的聽覺審美顯然是產生了相當的距離。當然，在實驗中追求和探索個人風格的彰顯是作為學院派作曲家群體中“明日之星”所必須具備的勇氣和膽識，但若以“時代經典”這樣更為嚴苛的標準來掂量本場音樂會的幾部首演作品，或許還有待時間的檢驗。從另一個角度來看，在這樣一場呼應時代主題的音樂會中，如果平日里在普通樂迷眼中顯得有些特立獨行的青年作曲家們能夠以較平易的音樂語匯進行創作，是否更為合適？就在本場音樂會前一周于上海音樂廳舉辦的“絲路暢想”音樂會上，同樣是在“一帶一路”的命題下進行創作，上海音樂學院的溫德青教授則將其創作熱衷的“先鋒性”擱置一旁，以西北數種民歌體裁為素材創作了一部“好聽”而“傳統”的合唱組曲，效果甚佳，這一務實的理念是值得年輕人學習的。

二、音樂可以“懂”

在中國的高等音樂院校中，只有“上音”開設了民樂作曲專業。自建系60年以來，民樂表演、創作和理論人才的全面培養為民樂系造就了堅實的根基和優秀的學統。集中表現為促成了一大批經典民樂作品，特別是民族管弦樂作品的問世，并由民樂系培養的優秀演奏家和學生樂團進行演奏，“上海之春”的舞臺也是這些經典作品和演奏家們亮相的重要平臺。自2012年起，“上音”民樂系推出了“春天的律動”系列音樂會，旨在每年推出一批優秀的民樂新人新作，對于繁榮上海乃至全國的民樂創作都起到了很好的表率作用。

本屆“上海之春”，“春天的律動”系列音樂會推出了五部新創作的民樂協奏曲，無論是數量還是形式，在百年民樂的發展歷程中都較為罕見。本場音樂會于5月11日在上海交響樂團音樂廳舉行，由指揮家吳強女士執棒上海音樂學院民族管弦樂團演奏。五部協奏曲中古琴協奏曲占了三部，如此集中地推出古琴協奏曲也是前所未有。

臧恒現任教于南京藝術學院，學生時代師從于現任“上音”民樂系主任王建民教授，是王建民教授在南京藝術學院任教期間培養的杰出作曲家。他的古琴協奏曲《海納百川》中動聽的主題和精致的樂隊配器手法令人印象深刻。這部作品的五聲性主題極具大海舒展壯闊的姿態，由古琴和中胡聲部奏出時，行腔走韻中盡顯沉靜、溫情與滄桑。作品中部跳動的管樂和彈撥聲部、長線條匯聚的弦樂聲部又如涓涓支流歸于海洋。而弦樂聲部時而出現德彪西式動態十足的和聲及暢快涌動的五聲琶音，顯露出這位作曲家務實與不拘一格的創作觀念。在主奏樂器上，作曲家為追求聲音的力度與清晰，讓演奏家使用撥片替代輪指演奏，這些探索對于古琴來說的確顯得有些“狂飆突進”。

對比《海納百川》所顯示出青年作曲家民樂創作中的探索精神，分別出自金復載和王征、王樂琦之手的另兩部古琴與樂隊《禪詩音畫》和《東方寺廟》則表現出老一輩作曲家在民樂創作中追求傳統氣韻的創作理念。金復載先生在影視及音樂劇創作領域造詣頗深，他的《禪詩音畫》以快慢相間的套曲結構和古琴與女高音的“琴歌”陳述方式對于五部唐詩中的禪意進行表現。每個樂章都各是一首獨立的小品，以“起承轉合”的歌句加以組織。同時并沒有過多地著眼于古琴與樂隊的競奏，而是更多地以彈撥、管樂等聲部音色厚薄的變化對于詩意景觀進行描摹，古琴音色的適時點綴則恰到好處地凸顯了身在其中的“禪意”。另一部古琴協奏曲《東方寺廟》的寫作方式則更為傳統，其樂隊部分采用了大線條、深具戲曲性的羽調式旋律并且，古琴也避開了樂隊的齊奏，間入其中，古琴部分音位變換在音準控制上具有相當的難度，古琴演奏家戴曉蓮的演奏沉穩大氣、游刃有余。

本場音樂會的三部古琴協奏曲不約而同地基于“寫意”的手法進行創作。而作曲家王建民早期的一部二胡作品《幻想敘事曲》和其高足孔志軒的柳琴狂想曲《赤壁》則立足于以音樂“敘事”的訴求。王建民教授這部二胡作品主題綜合了清、雅、燕樂調式，西北風格濃郁，似有盛唐遺風，并進行充分的衍展，著力于表現《長恨歌》的敘事內容。孔志軒的柳琴協奏曲《赤壁》，也是力圖以主奏樂器與樂隊的競奏與融合來陳述三國時期“赤壁之戰”這一家喻戶曉的典故。作品開門見山以后附點節奏所呈現的“孫劉聯盟”主題，氣勢如虹而富有動力。這部作品的可貴之處更在于充分發揮了樂隊每個聲部的演奏技術和音色，如竹笛聲部的半音流動、胡琴聲部的擊打琴筒以及笙的音色闖入，在對于戰爭場景的渲染中都起到了較好的效果。作為一部協奏曲，同時充分拓展了主奏樂器柳琴的表現力和音樂語匯，在與樂隊的競奏中盡顯戲劇張力，顯露出作曲家扎實的室內樂寫作以及民族管弦樂法功底，美中不足的是作品收尾稍顯唐突。

深受西方影響與民族意識的自覺一直是中國民樂創作的顯著特點，民樂創作引入“協奏曲”這一西方器樂體裁也是上述特點的集中體現。以這樣一種著眼于主奏樂器與樂隊之間對抗與互動的形式進行“寫意”和“敘事”，也是民樂創作標題化創作的有效手段。但值得注意的是，本場音樂會的三部古琴協奏曲在“協奏性”上都有所欠缺。古琴這件具有文人隱士氣質的“文化”器物，如何與龐大的民族管弦樂隊進行融合，或許是仍值得探索的課題。可以說，民樂傳統音聲在百年以前已無處尋覓，而百年以來的，受西方深刻影響的聲音已然成為當下的“傳統”，百年以來積累并保存下的經典音聲是值得繼承的。

伴隨著半個世紀以來民樂專業化教學的發展，民族管弦樂隊編制探索和創作至今仍在繼續。大量過于先鋒性或過于模式化的“歌唱性”寫作似乎一度使得民樂作品的創作陷入又一輪的“表述危機”。筆者認為，本場音樂會這幾部風格氣質各有千秋的民族管弦樂作品是值得推廣的。這些作品在寫作上顯露出學院派作曲家們多元而高度藝術化的技法運用，同時，表述方式基于中國題材凸顯“敘事”與“寫意”，形式與內容較為統一，在聲音與意象表達間建立起有效的“聯覺”，使觀眾“聽懂”。而這種創作方式恰恰是“上音”民樂作曲專業一貫所秉承的創作理念。從王建民教授和他的兩位弟子身上，我們欣喜地發現從胡登跳先生等老一輩“上音”民樂作曲家確立的“土、新、情”的民樂創作思想很好地在當代得到了傳承和發展。

上海音樂學院民族管弦樂團在本場音樂會中展示出卓越的技術水準和表現力。指揮吳強教授在民族室內樂的表演與訓練中頗有建樹，她也以豐富的經驗為“上音”民族管弦樂團注入了充沛的活力。音色干凈統一而富有對比，那種室內樂表演中常見的聲部默契感在這支學生樂隊的演奏中隨處可見。兩位新科“金鐘獎”狀元青年柳琴演奏家張碧云、二胡演奏家陸軼文也表現出獨當一面的深厚演奏功底。優秀青年演奏家的培養同樣為“上音”優秀民樂新作品的成功展示提供了強有力的保障。

結語

在萬物欣欣向榮的春夏之交展示上海這座城市富有活力的音樂文化是“上海之春”的核心宗旨，上海音樂學院在本屆音樂節呈現的首演新作體現出學院派作曲家們力圖與時代和大眾對話的姿態。不過從上文對于音樂會的回顧來看，這種對話，無論是管弦樂還是民族管弦樂創作其語匯都無法擺脫西方影響的印記。

當下學院派作曲家在作品中追求先鋒和個性已經是較為普遍的現象，當然，相當數量的杰出作品在其誕生時代是“曲高和寡”的。但也有許多作品從其首演之日就迅速為大眾所接受，成為時代經典。當學院派作曲家的作品走出象牙塔，面對大部分觀眾聽覺積累并不豐富的實際情況，是否在表達方式上進行更進一步的推敲更為合適？特別是“一帶一路之聲”這場音樂會，過于音響化的作品很難讓一般的觀眾產生美的享受，但是對于關注當代音樂且有著豐富聽覺體驗的樂迷來說，上半場三位青年作曲家的作品是具備相當的欣賞價值的。反觀“春天的律動”這場民樂協奏曲音樂會，更多的“曲體連綴”組織方式下表達直接、準確的優美旋律，迅速讓樂迷接納并“聽懂”，顯現出平易近人的氣質，并且樂隊寫作中借鑒西方的手法是完全服務于內容的表達需求，且技巧性豐富，具有相當的訓練價值，值得贊賞。

通過上海音樂學院本次“上海之春”呈現的新作品首演系列，可以看出有著嚴謹學風的“上音”對于首演作品藝術品質的至臻追求。在思潮激蕩的嚴肅音樂創作中，究竟如何把握“中國風格”和“時代語匯”之間的關系，也許只有在對于不斷涌現的新作品進行一次次客觀而耐心的總結才能趨于清晰。歷屆“上海之春”中上海音樂學院所推出的大量新作品正是基于上述思考進行充滿責任感的引導和探索，這也是每屆“上海之春”都讓關注中國當代音樂創作的人們所熱切期待的原因所在。

李昂 上海音樂學院2015級博士研究生

（特約編輯 于慶新）