論油畫語言中色彩的精神內涵表現

□鄭文姝 西安美術學院

油畫語言中色彩的使用有獨立的標準和風格，標準是指色彩本身的共通性，不論創作怎樣的作品都要使用基本的顏色來調和；風格是指其變量，指隨著使用者的變化而產生不同的結果，主要指藝術家的選擇。本文將從藝術家的獨特和主觀性角度進行闡述，探索油畫語言中色彩的精神內涵表現。

一、色彩運用在油畫中的標準與風格

大多數美學作品，不論繪畫、建筑、服裝設計，其外表均使用色彩呈現，可以說，色彩是美的靈魂。“大眾審美”一詞便在此基礎上被提出，色彩呈現要被大多數人認可，就要具備專門的分類和標準。例如，每個人開始認識色彩時用于識別的色環，光譜上所有的顏色排布在一個環狀圖中，計算機繪圖的取色卡也使用了這一原理。設計者將色彩知識應用在設計、繪畫等領域，不斷挖掘其象征意義，如餐廳要用暖色，藍色意味著憂郁等。

藝術家使用色彩進行藝術創作時，會根據自己的風格決定如何選擇色彩，而不是參考大眾審美或標準化的意義。例如，維也納分離派大師古斯塔夫·克里姆特，他的畫面總是洋溢著滿滿的金色，包括人的毛發與皮膚，在作品上他會使用真正的金箔，以求純正的金色。由于他吸收了很多古埃及和古希臘在中世紀時的元素，因此他的作品由金色散發出一種執著、深沉的神秘感。色彩的選擇和通過色彩展現的精神內核，是藝術家獨特的定義世界的方式。可以說要對繪畫作品進行解讀，首先要對色彩有一定的認知。

二、色彩選擇在精神內核表現中的個性

油畫作品中，藝術家選擇色彩的基礎就是自己的風格，即主觀個性。對藝術家來說，作品是跨度很長的終身命題，當藝術家通過長時間的學習掌握技能，找到自己藝術方向的過程中，可能受到某些啟發，累積經歷并得到人生的感悟，整個過程飽含個人情感，這也是大多數藝術家選擇色彩的來源。所以色彩表現的來源是個人的、個性化的。

例如，印象派時期，荷蘭后印象派畫家文森特·凡·高和法國后印象派畫家保羅·高更是摯友，他們曾多次在同一時間、地點對同一對象進行創作，作品卻截然不同。凡 高選擇的色彩更濃烈，而高更的更粗獷。藝術家的獨立個性與風格決定了其作品中對色彩的使用和選擇，藝術作品中的色彩載體也與色彩表達相互作用。

三、色彩的使用與描繪手法的多樣性

油畫作品中，色彩的直接載體是藝術家選擇的描繪對象，從最終的圖像效果可以看出，色彩往往與對象互相作用，從而達到藝術家想要的效果。而藝術家的目標也隨著時代的發展、技術的進步和對情感的需求等綜合因素產生變化。

例如，19世紀后期俄羅斯現實主義風景畫大師伊凡·伊凡諾維奇·希施金的油畫中呈現的世界與現實世界無異，他的作品力求對真實世界的再現，作品更多的情感需求是記錄。在那個相機剛剛誕生的年代，藝術家通過寫生的方式不斷在戶外記錄真實的景觀，然后回到工作室進行創作，所有作品圖像都翔實可靠，幾乎做到完全還原。20世紀初，劃時代的印象派顛覆了這一繪畫方式，他們更強調色彩、色調，以及描繪對象形態的美麗，而非嚴格的寫實。本是黑色的房頂，在他們的作品中呈現為斑斕的反光面。后期的藝術家們更注重于色彩使用帶來的情感傳遞，斯洛伐克年輕的女藝術家盧卡、德國藝術家卡爾·奧托·格茨均將描繪對象抽象化，甚至摒棄具體的形象，在他們的作品中大面積的色彩使觀賞者直接感受到情感的震撼。

四、色彩選擇對精神內涵的表現性

藝術家通過色彩傳達出的情感個性和主觀性就是表現性的體現。繪畫是一種形式，不同于攝影、影像、音樂等能夠迅速獲得感官體驗的方式，繪畫帶來的是更安靜、更深層次的經歷交流，從而產生更隱蔽的共鳴。靜態的交流是艱難的，藝術家將自己的精神內涵表達濃縮在一幅或一系列作品中，由于畫面的限制，呈現時已經打了折扣，每位觀賞者都自有角度，解讀中的屏障和無力感與更多可能性產生碰撞，尋找契合點的趣味就在于此。

油畫語言中，色彩作為繪畫最重要的外在表現，成為藝術家與觀賞者之間最大，也是最有意義的精神交流通道。觀賞者通過油畫中的色彩使用、色彩的載體形式解讀畫面背后的藝術家，解讀藝術的脈絡。藝術家如何學習，如何成長，經歷怎樣的選擇，對生活與藝術長期積累下來的感悟都是獨一無二的。瀏覽美術史，時代產生的影響會作用于每個人，藝術家對色彩語言的選擇、對精神內涵的展現和對客觀世界的定義，這些綜合、成體系的思考根據時代特征將藝術家劃分為不同的派別。

油畫語言中的色彩表達能夠完整充分地向觀賞者展現作者對生活、時代、世界的認知和思考。藝術家通過色彩向觀賞者傳達獨特的情感內涵和精神內核。藝術家通過運用色彩創作產生結果，其中也包括自我呈現，選擇的原因，各種客觀、主觀因素的作用，理性、感性的綜合表達等，對一幅作品色彩的解讀能夠使觀賞者實現對藝術家主觀性的理解，獲得對藝術作品核心精神的感受。