東西方藝術教育理念的比較和論述
——闡釋當下美術院校教學的當代性

孫海力 Sun Haili

“教育者，非為已往，非為現在，而專為將來”

——蔡元培

一、藝術教育的時代性

早在20世紀蔡元培先生任北京大學校長的30年代，北大展開了“學術”與“自由”的新穎教育模式，在當時傳統滯后而固化的環境下，他倡導教育思想的活性，并主張“兼容并包”的教學觀念對教育界產生了很大的影響。他的“教育者，非為已往，非為現在，而專為將來”1的教育思想，也成為了日后教育發展的導向性思維。

在歷史顛沛了近一個世紀的今天，教育蹣跚的步履在歷史的節點上不斷地交織著固守與突圍的狀態，使得整個進程似乎總是充滿著抗爭和悲壯的色彩，教育的模式也一直在傳統文化和西方文明的交集中艱難地尋求它承接與融合的交點。

任何藝術教育觀念的建立，從來離不開歷史賦予的遺產和背負。今天的傳統藝術和傳統式藝術教學，在當代文化和藝術的語境下，其價值導向和藝術語言形式在現實社會形態的關系上，不得不置放于重新審視的位置上。在四十年來我國經濟的改革中，牽頭并帶動其他系統迅速發展，作為一個在東方具有一定影響力的大國和民族，不僅僅是在經濟發展上，而且更多的是要在國家和民族文化價值上有一個整體的呈現。在歷經一個多世紀地緣政治和文化形態的震蕩及變遷后，傳統的文化價值承接已然斷裂。在西方外來科技優先于文化進入到日常生活的當下，文化價值的建構就成了不可規避的嚴肅議題。

時代正在以我們也難以預估的速度發生著變化，藝術院校的專業教育，面臨著在全球化的語境下多元文化的趨勢，以及中國的當代藝術教育和任何根植于本土這個母體對接的雙重挑戰。這不僅僅是一個視角點的問題，而更多的是如何對待未來的一個立場判斷。

在全球化價值多元、海量信息的時代，學院“傳統思維模式”的象牙塔顯然不可能繼續超然隔離并安享舒適（comfort zone）。在這個時代，以任何理由固守現狀的思維，在面對著不斷更迭的社會生態面前，都會面臨著不斷增大的結構性壓力。從這個角度來講，不單純是對“傳統模式”的藝術立場和慣性視角的規避問題，而是探索如何跨越定式思維，以及語言表達的“藩籬”所形成的狹窄時空，尋求一種與現實社會緊密結合的當代性的藝術教育（contemporary art education）導向。在這種情勢下，藝術教育的“當代性”業已成為急切討論的焦點問題。

本文主要討論的是在全球化的語境下，我國藝術院校的教學現狀與西方美術學院教學的思維理念、課程內容的類比，并試圖論述、梳理、整合它們之間的關系，進一步闡釋在“藝術越來越朝著人文發展，藝術形態也越來越寬廣闊”2的當下，對應急速變化的社會現況，通過藝術教學的不斷實驗，去尋找并構建一個新的視覺藝術教學形態。

（一）指令性教育觀

在中國幾千年封建王權的價值體系中所逐漸形成的文化和藝術生態，在自圓闡釋的、自足而穩定的秩序下，呈現出以王權社會主導的中庸調控社會結構和文化藝術形態，歷經數千年，似乎沒有重大變化，并以傳承的鏈條與同質化（homogeneity）的形態，不斷重復著相同的主題和價值導向。

直至1912年, 烏始光、劉海粟、汪亞塵等人在中國創辦了上海美術專科學校，開啟了西式美術教學的先河，在教學上開展了對物象在結構、光影和透視等方面的教學，甚至教授解剖學和人體寫生。至此，在這塊古老的土地上開啟了美術教育的新學旅程。1928年，國立藝術院（今中國美院前身）成立, 更加系統地組建了油畫、國畫、版畫、雕塑和設計等藝術專業。以首任校長林風眠為代表的“中西融合”的思想，成為這所學校最為重要的特征之一。

在歷經一百多年來的發展過程中，國家遭受過國內外戰爭的摧殘，各方面的發展受到嚴重阻礙因此放緩，加之后來共產國際聯盟的原因，美術院校的教學思維和方式沿襲了以蘇俄現實主義藝術教育為模式的教學體系，并逐漸形成延續了大半個世紀的藝術形態和教育體系。

20世紀下半葉，隨著國門的打開和后來快速的發展，社會的價值和形態也發生了根本性的變化。在這種形勢下，原有的藝術教育模式隨著時代的推進，業已凸顯出脫離現實社會的發展而產生的藝術思維的衰退跡象。從專業角度上來看，現有的體系基本上是建立在一個單向主題和技能性（technical ability）學習和功能運用（application）考量上。教學的方式形成了師生“傳”和“受”的指令性關系。程式化的基礎訓練和同質化的創作方法在一代又一代人中不斷地復制。當一個標準早已確定，剩下要做的就只能是按部就班，作為起步的基礎訓練，過于統一化的標準要求和程序，將個體獨立體驗的視角，遮蔽在群體所形成美學認知的共性（commonality）系統里。

縱觀目前九大美術院校的藝術教育理念、教學內容和科目，與三四十年前的狀況差別不是很大。盡管國內美術學院和部分藝術院校在幾年前增設了新媒體專業和綜合材料課程的學習，但在大學新生作為基礎訓練的起點和方法論上，仍然是在傳統造型思維、技能和主題性創作課程范疇。加之近三十年來成倍地擴大招生比例，美術學院的教學與單軌產業機制形成了相互制約的狀態，由于學生眾多，教學疲憊而疏于細化，指令性規范教學就成了唯一帶動這個繁重機制運轉的馬達。開放、多元的尺度和量化關系——仍然是持續爭論和困擾的議題。

（二）課程配置和傳統脈絡

這是國內一所美術學院油畫系的專業課程表和成績評審標準（如下表），雖說不盡然涵蓋國內所有美術院校油畫系課程的內容，但根據近幾年的調查來看，這份課表仍然是具有一定的普遍性。從大學一年級到四年級的課程遞進式的結構上不難看出，教學的主題脈絡仍然是傳統的思維理念。從大一素描（幾何體）、油畫色彩（靜物）、構圖（小稿黑白灰）、素描、油畫（肖像）和黑白木刻，到大二素描、風景寫生、油畫（半身），速寫、素描人體、油畫人體和畢業創作的課程設置，教學內容與歐洲大部分國家在一個多世紀以前的教學內容幾近相同。其中包括與我國美術教學體系密不可分的契斯恰科夫素描教學體系，由于“它充實、總結和提高了傳統的學院派素描教材，進而上升為科學的素描教學法典，并成為俄羅斯美術學院造型訓練的憲章?！闭驗槭艿狡跏辖虒W體系所強調的嚴格的程序性和系統性影響，中國美術院校的課表內容，幾乎年年成為不變的排列，并演變為學生基礎課程的傳統模式和思維訓練手段。其他專業，如新媒體、國畫系等的教學，在一、二年級的基礎訓練，與油畫、雕塑和版畫的教學基本相同。

課程教學要求體現以下三個方面：

一是學習自文藝復興以來逐步歸納所形成的學院派的教學方法論。在基礎訓練上，通過點、線、面（黑白、色彩）在二維的平面空間去理解和表現物體的幾何結構、塊面、虛實和遠近關系，特別是自巴洛克藝術開始的明暗法，劃分素描中塑造形體的五大調子。通過解剖知識的學習，了解人體骨骼、肌肉的基本結構（basic structure）運動塑造的關系。

二是通過對物體或人物理解并在經驗累積的過程中建立塑造和技巧表現能力，學習以古典藝術的造型美學（modeling aesthetics）作為畫面構成的基本元素，三、四年級主要加強現實寫實主義的視覺建構、審美意識和情感表現，并結合主旋律主題題材的植入與塑造能力去創作作品。

三是進入三、四年級后，增設部分實驗性課程，此課程的目的是提供學生對當代藝術的了解和嘗試，增強學生綜合性語言的表達能力，學生可以用綜合材料創作作品。

大一1.素描（幾何體）、油畫色彩（靜物）、構圖（小稿黑白灰）2.素描、油畫（肖像）1.通過單色的線、面（黑白）在二維平面空間去理解和表現物體的幾何結構。2.油畫靜物小稿黑、白、灰練習，后轉為古典式靜物寫生。3.傳統寫實人物素描：加強線面空間表現力訓練，油畫頭像：色彩形體塑造、空間、冷暖關系。4.木刻基礎技巧練習，跨專業知識融匯。

大二1.素描、風景寫生、古典油畫（半身）2.速寫、素描人體、油畫人體1.古典油畫技巧，單色、上色。2.速寫增強運動捕捉、塑造能力。3.肖像和人體漸進，造型與表現。4.學習木刻套色印制技能。大三1.素描、油畫與圖片、觀念攝影、實驗影像。2.速寫人體、素描語言、油畫語言、綜合材料。1.傳統與圖像學。2.當代影像實驗。3.線、面的二維語言。4.綜合材料實驗，學習多元材料語言轉換。大四1.油畫寫生、綜合繪畫（綜合繪畫、自由創作）2.畢業創作1.繪畫與其它材料的混合實驗2.導師一對一畢業創作輔導3.畢業創作和展覽成績評級學生分數評定為100分制優秀（90分及以上）：能較全面地達到教學要求良好（80-89分）：能較好地達到教學的主要要求及格（60-79分）：能夠達到教學的基本要求學院的教學配置和學習設施圖書館、藝術書籍、畫冊和雜志等學院美術館，各年級定期期末展和不定期展覽不定期專業講座、藝術家參與討論以及部分校外藝術活動、展覽和研究

隨著國內整體發展的需要，九大美術學院和部分藝術院校在以傳統課程為主導的基礎上，增設了一些當代藝術的教學內容，這無疑給學生帶來了新的血液并增強了視野。但由于在整體課程中傳統教學的主導性和課時的比重安排，它顯露出某種價值導向的非對稱關系，甚至是糾結的狀況。據往屆畢業生創作的信息反饋，當代藝術普及式的課程不太可能形成系統性的知識結構，進而無法形成繼續研究的前提。加之，傳統課程在時代巨變的今天，其目標似乎也缺乏具備現實突破的合理性，學生畢業后與社會的對接上不斷地發生交錯，繼而不得不重新思考發展定位。顯現出教學與當代社會平臺并置時所發生連接的落差關系。

在現有美術院校的課程中，課堂寫生（靜物、肖像、人體）常常是本科學習的主要內容，長此以往，藝術創作的思維形成了較為定型的模式，作品呈現較為直接的文學式圖釋和同質化現象。以主題性創作為例：首先選擇作品的題材，然后收集素材，再以寫實或稍加變形的風格畫出素描小稿和構圖，繼而再畫出中型尺幅的色稿，定稿后再放大完成。顯然，這是一種從思維到制作平面展開的方式。從第一稿到完成，只是一個加工完善的過程。因為作品的主題和構圖一旦確定，整個創作過程就不再發生維度變化和邏輯演進，也不可能發生形式語言的不斷轉換。根據現有的教學現狀，其特征體現如下3個方面：

1.寫實技巧訓練形成了技巧自身“內部循環”的課題，停留在對外在形體的模擬性（simulation）和表現上，構成了單向造型美學的思維和標準。

2.長時間的各種技巧訓練（素描色彩靜物、風景、人物寫生），替代了對作品觀念性的探索，語言傳遞上的思考。由此也抽離了藝術存在精神性（spirituality）。

3.寫實主義的技巧訓練圈定了藝術的單一視野，剔除藝術多維度的特質，模糊、脫離了與時代的關聯性（relevance）。

由此，我們不得不再次回到一個基本問題，來重新審視和討論：什么是美術教學的基礎？是思維觀念的探索？還是只限于造型技能訓練？又或是二者兼容？是主題的指令性創作？還是與社會發生關聯的多元性創作？不梳理好這些概念，原點徘徊就成為必然。正如藝術批評家黃專先生關于藝術未來的走向時所指出：當代藝術教育的確必將是時間軸上的貫通古今，空間坐標上跨越地域的多維視野。因為一個單向度的思維無法表現復雜多變的當代生活。

我國在過去40年間當代藝術的推進中，在世界的當代藝術領域占了一席之地，也就是說，隨著中國最近30年舉世矚目的經濟的發展成就，對文化藝術在國際上的訴求就成為一種必然。何種藝術的形式能夠呈現我們文化藝術在國際形象上的訴求呢？是傳統的民間藝術，是傳統的水墨工筆、傳統的書法、篆刻印章，是主題性寫實主義藝術成為與國際對話的語言形態，還是立足本土社會視角去鏈接全球的當代藝術主題？經驗告訴我們，缺乏與時代的共進和延申，就會處于游離在主流價值體系以外，從而形成單性復制體系，阻礙認識當今藝術生態的真正格局，面對快速經濟的發展的今天，也難以承載并實現當代藝術教學的真正內涵。

通過30多年中國當代藝術的發展，給予了我們在藝術教學上的諸多啟示，也印證了蔡元培先生“教育者，非為已往，非為現在，而專為將來”的遠見卓識。新的教學思維，新的藝術媒介、語言和審美，才是今天世界范圍內當代藝術普遍認同的價值、媒介、語言形態。

（三）傳統與當代的對接和困惑

眾所周知，任何一門學科知識的階段性認知都具有時代的特性和局限性，在過去一個世紀的發展過程中，人類走過了一、二戰的創傷和反思、價值批判以及后工業科技革命歷程，各個領域，特別是在全球化信息化和智能化快速發展的今天，人類在價值觀和思維觀念以及美學觀均發生了質的飛躍，固有的知識和認知不能再滿足、代替民眾新的生活體驗。視覺藝術教育無論在培養理念和課程設置，還是教育的思維形態和方法上都需要漸進、整合并與時代產生共振。

值得肯定的是，國內美術院校增設了新媒體和綜合材料專業，綜合藝術院校也給三、四年級的學習課程開設了部分綜合材料、綜合繪畫、新媒體實驗等內容。對于現有教學的探索給出了一定的實驗參數。但與傳統課程總量對比，實驗課程比例分配相對失衡，學生普遍缺乏當代藝術思維的完整性，以至于形成當代藝術教學模式，在各大藝術院校逐漸演變成一種外在形式的模擬——綜合材料的裝飾化傾向。抽離了介入現實社會的獨立視覺和精神性，悄然轉換成一種脫離現實的語境和材料濫用的花拳秀腿。加之，理論課程的系統知識補劑不足，學生只能獲得不相連貫的碎片信息和體驗。形成了當代藝術課程與傳統藝術課程在思維觀念、方法論有著線性割裂的關系。

誠然，一種文化思潮的演進過程中與現實社會的錯位總是帶有舊時代的特征和貫性，縱觀歷史演變的各個時期，也是屢見不鮮。正如藝術史學家羅伯特·休斯（Robert Hughe）所指出的那樣：“因為自從20世紀70年代中期以來，那種我們正處于后現代主義文化之中的觀念已經變得很平常了——并不是指一段歷史突然的終結，歷史不會像玻璃棒那樣整齊斷裂，而是像繩子一樣磨損、拉長、最后毀壞?！?以此看來，在我國特殊歷史的變遷之中，原本文化版塊的中心固化和滑動，拉長了過渡時期的演進。

二、西方藝術思潮的演進與視角

歐洲大陸自走出人性桎酷的中世紀，從文藝復興以降，隨著啟蒙運動、科技革命經人文思潮的推動，在藝術領域建筑起宏大、靜穆、華麗而深邃的視覺廣宇。但他們并未沉迷，而是從意識和表現形式上徹底地摒棄傳統，并開創出新的視覺形態。19世紀末，人文主義和工業革命進一步發展，改變了所有人的生活方式和思維觀念，藝術也需要尋找新的價值和語言載體與社會發生共鳴。如同大千世界生物的進化，生生不息、延綿不斷。這體現了生命本身的特質，社會生態的本質。同樣，也是藝術的本質。

與此同時，西方的藝術院校的教學觀念也隨之發生了顛覆性的改變，逐漸形成了今天藝術教育的新型架構。縱覽全部的西方藝術發展史與藝術教育，始終是與它的歷史的發展產生緊密的附和關系，并充滿運動和裂變。這種發展通常是通過對自身傳統的審視甚至否定來完成，猶如一個文化生態進化的譜系演變過程。

（一）藝術教育演進大觀

法國教育理論家保羅·郎格朗（Paul Lengrand）在上個世紀20年代就提出的“終身教育思想”（lifelong education thought），在后來的發展過程中，逐步成為一種國際性教育思潮。他認為人們需要受到貫穿人一生的教育培養，而不是只在學院獲得部分知識。這個觀念在整體空間上，打通了學校與社會的分割關系。使教育從思想觀念到行為方式上發生了根本性的變革。隨之，全球藝術教育的格局在二戰之后發生了巨大的改變。對于過去藝術教育的思維導向，無論是在理論、藝術形式，還是在教程設置和方法論上進行了全方位的整合，逐步完善并走向“當代性”藝術教育的結構性轉型。正如藝術評論家戴維·科廷頓在《走進現代藝術》指出：“伴隨著西方大多數人工作生活的改變，現代全球化經濟秩序將世界的不同區域以不同的方式組合到了一起。從文化層面來看，其結果是西方的不同文化傳統和遺產的存在，以平等合法權利的更大程度的認知?！?

我國的當代藝術從20世紀文革結束的80年代逐漸興起。大量引進西方文學、藝術、哲學新思潮的書籍，那些來自西方、美國流行的后現代主義藝術觀念、作品（包括展覽）對我國后來的藝術生態產生了很大的影響。在信息共享的今天，對于“80、90后”一代年輕藝術家來說，他們不再背負沉重的歷史包袱。建立新型的教學理念，才能逐漸修復與主流體系存在的差異和斷層。從長遠來看，東、西方學生盡管有著不同文化背景的出發點，只要立足于國際視野，在面對當代性的問題，或共同的困境時，雙方都會通過交融的方式而相互碰撞、相互轉化。

（二）藝術教育“當代性”的概念和類比

藝術評論家鮑里斯·格羅伊斯（Boris Groys）在《感染式教育》一文中就傳統藝術教育與當代社會的關系問題時說過：“學院派的、博物館性質的、被編纂的藝術史中消亡的藝術在傳統上受到藝術學校學生的排斥，他們在初期的實踐中發現過去的作品并不能讓他們體驗到發生在當下的生活。現當代藝術認為生活是不斷變化的，是一種流動、一個過程，每個人都應當不斷調整適應，因為這個過程對于沒有為變化做好準備的人來說是危險的?！?

綜合藝術教育史的發展狀態，當代藝術教學中所體現的“當代性”因素，除了與“現實生活發生密切相關”的核心問題以外，在教學的理念上主要有3個方面特征：

1.時間（time）

2.觀念（concept）

3.語言（language）

時間：持續的不可逆轉的箭性運動形態，現實存在和事件的在地性，而非是回望過去的。觀念：是指作品的精神傳遞作用于當下社會的個體思維。語言：呈現與當代語匯的表述關系。簡言之，當代藝術的形態與其說是一個名詞，還不如說是一個動詞，是藝術現象發展的進行式。當代藝術的形態通常存在著“不確定的、非完整的、有殘缺”等特質。從派生和對抗關系上講，甚至帶有反傳統美學的概念。藝術的“當代性”具有“崇尚缺陷的、未完成的、批判性的、無定性”等因素。當代藝術教學較之于傳統藝術教學的“規范化、模式化、同質化”等特質而言，有著較大的差異性或相反的思維理念。它們主要體現以下幾個方面：

傳統藝術教學疏離時代的時間性（the age of isolation）主體思維的單向性（certainty of concept）形式和語言的規范性（The normalization of form and language）當代藝術教學時代的對接性（the connection of times）思維的不確定性（uncertainty of concept）形式和語言的無邊界性（boundlessness of form and language）

在全球化的今天，藝術教育“當代性”的概念，是在當下空間的坐標上，跨越了不同地域和文化多維度的視野。由于當代藝術教學理念是推崇尚缺陷的、未完成的等因素，決定了教學的課程設置從內容、教學流程，以及教學方式和成績評審都有著很多不同的價值導向。這就要求每個學生從一開始就必須建立獨立的個體思維、形式語言，在整個學習期間，要求從理論到實踐上必須具備跨界知識和獨立創作能力?；谶@些因素，分數的評定就不可能設置同一的標準去界定每一個學生的成績。傳統藝術教育中，以統一的教學大綱作為藍本所制定的教學課程，其教學中規范化、模式化、同質化等因素構成了包括成績評定的標準化系統。“傳統的藝術教育有一個特點：在整個藝術歷史及現代性的文化革命中是從未改變過的。如同以往，現在的教育仍使學生暫時停留在一個有意隔絕的環境中，專門用來學習、分析及進行不受外部世界緊迫性影響的實踐?！?藝術教育是否具備一定的當代性，從這兩種不同的思維形態上來作比較，仍然存在著跨度較大的差異性。

（三）教學理念、課程內容和配套設施的當代性

《當代藝術的主題：1980年以后的視覺藝術》一書的作者金·羅伯特（Jean Robert）和奎格·馬克丹尼（Craig McDanie）說過：“當代藝術是一個融合了形形色色的風格、技巧、選材、主題、形式、目的和審美傳統的廣闊舞臺。今天的和過去幾年的藝術觀賞者們發現，他們面對的事物和圖像從輕松愉快到發人深思，從浩瀚不朽到轉瞬即逝，從耳熟能詳到古怪迥異，形形色色，不一而足。”7不難理解，當代藝術新的面貌不但在它的創作方式上、展示方法都發生了巨大的改觀，而且呈現的方式也已不再局限傳統的博物館、美術館，而是通過與社會匹配的方式滲透在時尚產業、流行文化、建筑以及設計等各個領域，它不再是單一發展專業展現，而是將它的觀念和形式延伸至社會的各個方面，并影響著未來走向。所以，“當代性”滲透在我們時代的肌膚里，流趟在當代藝術現象的血管里，通達全身。

當代藝術的生態以及教育理念，與社會所形成的互動關系，促成今天的藝術院校在學生能力培養所設置的課程上，必須具備與之匹配的教育功效。也因為當代藝術的呈現（思維與形式）具有極強的觀念性，藝術學院的學生通過作品的展示個體對社會的態度和感受。在政治、文化、信息、科技等版塊，對社會生存環境，以及這種環境對我們的生活和精神層面所的產生影響，發散藝術的能量。英國美術史評論家荷博特·里德在《現代藝術哲學》這本書中的說過：“整個藝術史就是一部關于視覺方式的歷史，是人類采用不同方式觀看世界的歷史。研究和了解幾乎席卷了整個東西方世界文化生活的后現代主義藝術，是一件十分及時而又必要的事情……現當代藝術是我們社會生活時代的一種精神折射，如果我們不能理解和欣賞現當代藝術，我們就無法理解我們所處的當代生活的真正意義?！?/p>

以英國倫敦大學-施萊德美術學院（Slade School of Fine Art, UCL）作為例子，從他們的教學理念、課程內容和配套設置方面來進行分析，進一步闡釋它呈現的“當代性”，雖然施萊德美術學院的教程并不能涵蓋西方所有的美術學院教學內容和方法，但在教學理念上基本一致。

英國的美術專業不按照畫種來分科系，如我國的國畫、油畫、雕塑、版畫設計等，而是統稱純藝術（Fine Art）。換句話說，他們打散了各個專業設置的自身邊界，學生可以用任何媒介、材料和方法來來進行藝術創作。

施萊德美術學院的本科（Bachelor of Arts）學位專業課程內容：

專業：新媒體、雕塑、繪畫三個大的板塊（Media, Sculpture, Painting），統稱純藝術（Fine Art）導師主持純藝術專業學習輔導周tutorial week 1.工作室分配制和獨立創作（studio project practice）。2.小組研討會（group seminar）(每周每人50分鐘）。3.小組藝術批評（group crit）（每周每人50分鐘）。分組作品討論輔導：（對每個學生的作品參加討論）1.個人輔導（personal tutor）（工作室現場）。2.個 人 表 述（personal presentation）（本年級）。3.導 師 的 一 對 一（personal tutorial）（跨專業跨年級無限制預約（book）。每周講座、研討1.藝 術 家 做 演 講（visiting artist）（四類：名家、藝術理論家、新銳、社會主題研究員）。2.全天藝術批評研討（one day Crit）（藝術家本人和在校學生一起探討自己的作品）。研究周research week 1.主 題 學 科 批 評（subject critical）（導師設定寬泛的社會和哲學題目，學生根據自己研究關聯和發展自己的作品）2.項目實踐和學院交換（project practice & collage exchange ）（校外課題和學院交換生項目）。3.理論批評（critical study）（主要表現在對自己作品的批判性思考和知識認識能力）。4.工作室實踐和藝術批評（studio practice and critical study）是考核要點，主要表現在對自己作品的批判性思考和知識認識能力。每次以25分鐘完成個人“批評性陳述”（critical presentation）。

學院的教學架構，課程配置和學習設施1.師資：專業導師和理論導師，另加，常駐藝術家和課題研究員。2.課程：純藝術，設計。當代藝術教—技法和專業材料置于完全自己的境地，研究的個人獨立的思維和創造方式。3.藝術檔案館和圖書資料館：歷史上和現當在藝術家的書籍專著、史料、影像資料、藝術雜志和論文文本等。

4.器材和材料指導：英國的每個藝術院校均設有生產車間，木工坊金、屬工作室、印刷工作……專門技術人員負責幫助作品制作。5.參觀討論和名藝術家工作室訪問：導師和學生展覽和現場討論，每月工作室訪問并討論。6.實驗空間和學生工作室：用于個人和小組思維和材料試驗場地，學生工作室完全開放式。7.健康和安全：開學專業的必學課，材料使用的安全性，專業人員檢驗貼簽驗收。年終、畢業成績評級，按A、B、C、D分類，并給出一定的專業評語。1.平時實踐累計考核評分40%。2.畢業實踐與理論考核：60%。

施萊德美術學院的教學內容除了專業課程外，理論有部分有哲學導讀、藝術史論等方面課程。由于每個學生有自己獨立的專題研究（project）和創作形式。所以，論文和文本表述要靠自己獨立完成。學期和畢業論文的內容，不能是對自己作品的解釋，而是與之關聯的、寬泛框架下的社會現象和美學等方面研究，對專業的創作構成一個思維邏輯的延申關系。

三、東、西方藝術教育理念與方法的比較和論述

施萊德美術學院教學從課程設置、教授方式、配套設施，社會實踐到成績評級，設計了一整套校外和校內交互運作的機制。無論是教學理念到成績考核，其內容設計都與當下社會的發展形成了一種共振的關系。還有細微的圖書分類檢索，通過分離、細化、量化等方式，發散著多元性、多維度的當代思維而深入到社會精神情感的末梢。

根據對其教學系統的分析，對施萊德美術學院在辦學宗旨和指導理念大致歸結為3個方面：

1.學院的辦學宗旨是要培養在未來能夠改變世界的人才。由此要求學生必須擁有獨立的創造性思維，鼓勵學生跨界、跨學科的研究，提倡“只有博學，才會形成獨立的思想”。

2.強調技能的培養（綜合性），學習過程中與整個社會體系發生非常緊密的實踐體驗（博物館，畫廊，工廠等實踐），畢業時要求達到與社會直接對接的專業才能。

3.學生們必須學會與團隊合作。把不同專業的學生分配到一個團隊，或者鼓勵自發的形成團隊，創造出跨界多元的獨特作品。

其中最重要的一條是：要培養在未來能夠改變世界的人才。這個高度的設定，要以創新作為核心前提，突破現有的藝術思維、語言邊界，探索并發現個體的新視角、觀念和表現形式等才能得以實現。時至今日，施萊德美術學院的辦學理念一直遵循著這一宗旨，從而人才輩出。產生過許多具有世界性影響力的大家，如安東尼·葛姆雷（Antony Gormley）、珍妮·沙維爾（Jenny Saville）、馬基·翰貝林（Maggi Hambling）等。

（一）創作思維與形式

當代美術的教學理念，首先提倡學生學習的自主性，充分發揮學生潛能的最大化拓展。在理論方面，鼓勵學生涉獵跨學科的寬廣領域，如：哲學、社會學、生物學等。正如英國皇家藝術學院學術院長副校長兼教務長納倫·巴菲爾德教授（Naren Barfield）在總結英國的藝術教育時曾說過：至少近70年來，我們的教學都是建立在學生自主鉆研的理念上。學院主張在教學上的比例分配為：70%為學生的獨立研究，其余的30%是通過導師、小組研討和社會實踐來完成。導師在學院里的角色猶如一個經驗豐富引導者，文本和思維導向上的觀察者和組織者。

在教學輔導中，導師也常用思維導圖（Mind Map）的邏輯推導，啟迪學生發揮更加跳躍性的思維推進。簡言之，學院希望每個學生要做一個學者型的藝術家，而不是單純的技能者。當代藝術的創作過程，雖然潛藏著許多未知、偶發的因素，它仍然可以通過理性的分析去闡釋它的可能性。不確定元素——就是一種不可預設發展的過程。學生在作品的創作上，呈現的是一個思維反復探求、修正關系，一個潛在能量不斷挖掘的過程。

以美術學院的實驗空間（experimental space）為例，來進一步闡釋學院在實驗空間的配置與學生創作的關系：實驗空間——有的學院叫空間觀察（space observation），學生在這個場地的展示，每月可以申請一次，將自己的作品（任何視覺形式）、半成品甚至是某種材料元素，放置在空間進行觀察和距離審視（distance scanning），對學生在反觀（reverse into consideration）和轉換（transformation）過渡起著重要作用。同時與導師、同學、小組做一些現場討論，使之學生從中獲得有效的信息反饋，給予了他們在思維上的發展，提供了一個持續發酵、轉換的重要場域。

關于當代藝術教學的技能實踐方面，也有別于傳統藝術中的寫實塑造技能的概念，學院要求學生盡可能的掌握一整套綜合能力——不是僅僅是架上繪畫、雕塑裝置建模、設計軟件操作能力，文本書寫和口頭陳述能力，也包括攝影、錄像器材的使用等綜合運用技能培養。另外，除了校內本身學習的學科外，學生需參與校外的實踐對接的項目：藝術家工作室、博物館、畫廊和工廠等，包括國際性展覽活動，以及駐地藝術家項目。同社會形成一個無縫隙的平臺關系，實戰經驗的培養，一經畢業，學生可以投入并立馬發揮他們的作用。

（二）當代性教學的精神立場

通過對我國美術學院教學與英國施萊德美術學院的教學在專業課程內容、項目配置、學習設施方面的比較和論述，以及東西方在美術院校的的教學脈絡上的梳理，對美術教學的“當代性”有了一定的對照關系。對施萊德美術學院教學理念的分析，藝術教育的當代性歸結為如下幾個方面：

1.藝術的觀念和語言具有研究性學術特征，而非技術性。一方面是獨立研究社會問題，另一方面是研究如何更好地把觀念轉化為藝術語言，并形成個體視覺和表現形式。

2.具備主題創作的能力，要求運用將各種信息的收集后進行分析、轉換和表達的能力。

3.主張創新，不論作品探索是哪類問題，作品觀念和形式力求具有開拓性展示。

4.強調創作時對待作品在精神上的純粹性，同時鼓勵學生關注社會的作品的反饋。

5.主張教學的開放性，打破學院與社會的界限，強調學院實驗和社會實踐的雙向教學。

歷經了半個世紀的演變，西方藝術教育的理念不斷修正和演變，逐步成為現在的藝術教育形態。藝術教學的內容同時囊括建筑、設計和時尚等專業，使藝術的滋養滲透在人們日常生活中的方方面面。在《感染式教育》一文中鮑里斯·格羅伊斯也說過：“現代主義的歷史就是一部感染史——政治運動的感染；大眾文化和消費主義的感染；互聯網，信息技術和交互性的感染。”8這正是西方當代藝術教學所一直強調與時代的連接關系——學院的學術探索和藝術創作在感染著世界。同時，紛繁的世界也在感染并影響著藝術教學未來的發展。

（三）現狀與未來 沖突與交融

無論是教學還是學生的作品創作意識，展開東西方美術院校在辦學理念和教學形式的比較，才能形成相互類比、差異的參照價值。正是由于存在的差異性，才能構成自我系統檢視有效性，并互為補充和轉換。

對于藝術教育是否具有“當代性”，很難從學院的單一課程來進行評論。如：英國皇家藝術學院開設的絲網版畫課程中涉及了很多的傳統技巧學習，不能因此就判斷為屬于傳統學院教學，因為在當代藝術的多元表現形式中，也常常挪用、轉換傳統題材和技巧。同樣，我國藝術院校增設了綜合材料課程，也不能界定為當代美術教學體系。

歸納西方藝術的發展所產生的各種藝術思潮、流派和大師的原因，是跟隨其歷史發展的脈絡在藝術語境上對世界認知上的表述，是一種精神領域不斷拓展的態勢。是基于對人類思想邊界的不斷擴延、突破的觀念，去實現對社會的關懷和精神承載。在對待歷史的文化遺產態度上，更多的是本著對傳統和過去文化反思乃至批判的意識之上。人文社會的發展勢頭，開疆拓土才是當代藝術教育的基本意涵。經驗告訴我們，任何文化藝術的形態，不可能用傳統的語意和形式作為自身的載體去詮釋當下的情感。不然，我們的存在、感受和表訴，對未來的載入就將是一個空白，這也將是對所處時代的藝術創作和表達就會構成一種缺席。

在古老的東方，我國的藝術生態和藝術教育狀況的形成，是一個較為復雜地回旋式（spiral）演化過程。并置與沖突，固守與兼容，如此循環往復。地緣版塊和本土文化的相對獨立，形成了對外來文化的的審視和矜持。這往往是延緩了與全球價值體系的融合和延申?？v觀全球文化藝術版塊的原發、漂移、相互滲透的歷史階段來進行劃分，中國仍然處于沖突和漸融的交織時期，以及本土文化貫性的滑動狀態。從拉長的歷史先驗來看，交融和派生正在發生。新的時代必然造就時代的先鋒，也總是為勇敢的拓荒者提供了未來的可能性。要承載當代藝術教學的真正內涵，只有著眼長足進步，才能實現文化的先鋒性，并呈現自身文化和藝術在國際形象上的能量訴求。

通過東、西方美術學院在教育理念上的比較，對他們過往的歷史成因、教學形態等方面的分析與論述，著重對藝術教育的當代性的因素在教學上的具體體現以及藝術創作與現實社會之間的關系進行了闡釋。展開兩種體系之間的共通性和差異性的討論，從中探索藝術教育的當代性在當代社會所發揮的價值和意義。從現有我國美術院校十來年的實驗教學的現狀來看，未來美術教學的多元性發展趨勢會日漸加快。隨著與國際社會的不斷融入，教學理念會更加開放，學生的潛能也會得以最大限度的拓展。

國內美術教育的現階段，東西方教學理念的沖突和相互轉化可能會持續并存，但轉換和融匯也是未來的必然時態。如果我們不去選擇藝術存在的過去，而是它的現在、未來。當代藝術教育設計者的認知著眼于更高、更廣、更深遠的洞悉。那么，美術的教育機制將提供的不僅僅是一個更加開放的創作場域，而是造就了一個具有國際視野和交互的寬闊平臺。并借助這個平臺，在國際多元和母體的人文精神、人文社會交互的滋養下，建構起一個賦予當代性藝術教育的中國式體系。

注釋：

1.引至蔡元培對北大師生的一次講演。

2.牟群：《視覺智慧》，第6頁。

3.馬永建：《當代藝術20講》，第2頁。

4.戴維·科廷頓（David Cottington）：《走進現代藝術》，第199頁。

5.鮑里斯·格羅伊斯（Boris Groys）：《感染式教育》（Education by Infection），詹蕤譯，第1頁。

6.同上。

7.金·羅伯特（Jean Robert）、奎格·馬克丹尼（Craig McDanie）：《當代藝術的主題：1980年以后的視覺藝術》，第29頁。

8.鮑里斯·格羅伊斯：《感染式教育》，詹蕤譯，第1頁。