聲樂表演過程中形體的運用探究

張 凱

（山西藝術職業學院 山西 太原 030002）

聲樂表演從本質上區別于其他類型的樂器表演，它是依靠人的嗓音（歌聲）來傳遞音樂美感的一種表演，雖然有時也會加入一些口哨和口技等，但這些技巧也以人的嗓音為基礎。就當前的音樂分類而言，聲樂表演主要包括了美聲唱法、通俗唱法、民族唱法和戲曲等表演類型，比較流行的說唱和節奏布魯斯等都被歸納為通俗唱法的分支[1]。總體來看，聲樂表演主要依賴的是表演者對于作品的掌握，表演效果的傳遞取決于表演者對作品本身的美學理解、創作者對整體審美的把握和聆聽者自身的審美接受程度等等。除了本身具備得天獨厚的嗓音條件以及長期針對性訓練外，在聲樂表演當中表演者還應當充分意識到形體表演的價值，從而有效地提升對作品的統一審美展示。

一、聲樂表演中的形體藝術內涵

聲樂表演中的形體藝術不同于舞蹈、武術或雜技等主要依靠身體進行表演的藝術形式，聲樂表演中的形體藝術不強調下腰、壓腿和筋骨活動等這些身法鍛煉，更注重的是通過訓練來提升表演者本身的身體感知，最終達到通過形體動作、眼神、表情等來傳遞作品的情感表達，更專注于“傳神”，往往不會有過大的動作框架，更強調的是靈活的控制、情感的傳遞和感知創作意圖的韻味和延伸。總體來看，形體藝術表演是對作品的有效感知，是聲樂表演中必不可少的一部分，演出者要盡力在演出時緩解自身焦慮，使形體自然舒展，使作品表現更加出彩[2]。一個聲樂演員，除了要堅持對聲樂表演本身的嗓音訓練外，更應當重視形體訓練，提高個人的藝術修養，將基本功與藝術提升相結合，使個人表現與藝術表現有機結合起來，還要在表演中適應多種不同題材的創作背景和表達需要，這些都對表演者本身提出了極高的要求。

二、聲樂表演中的演唱與形體藝術的關系

上文中提到過，聲樂表演不僅僅是嗓音的表演，形體藝術在聲樂表演過程中同樣擔當著重要的角色，聲樂表演本身就是一個“唱演結合，以演助唱”的過程。

“唱演結合”強調了二者之間緊密的聯系，“唱”與“演”在聲樂表演中雖然有主次之分，但是卻是缺一不可的。尤其是在現代化的舞臺效果和燈光配合作用下，演員的表演通過攝像技術被近距離展現在鏡頭前，觀眾能夠更加無障礙地觀察和欣賞聲樂表演。除了更加真實的音樂體驗以外，這也給演員帶來了更大的壓力，尤其是在一些唱跳結合的聲樂表演中，演唱者除了要準確地演唱歌曲之外，還要配合舞蹈演員的舞步，保證和諧統一，根據整個作品的感情變化和速度變化等調節演唱。演唱者是聲樂表演的核心，他們需要付出比舞蹈演員更多的精力去熟悉舞臺，根據作品需要調節演唱時的音調、語速和情感，琢磨動作與歌曲演唱之間的契合度，并在完成設計后反復進行演練，以求達到動作配合演唱、形體表現感情的效果。

“以演助唱”強調了在聲樂表演中二者的主次地位，同時也體現了“演”對于“唱”的輔助作用。好的形體藝術能夠充分展現演唱者的個人魅力，同時有效表達出歌曲創作的意圖，體現出更高的藝術追求，使得聲樂表演錦上添花，展現給觀眾的是更富有想象力的音樂世界。雖然聲樂表演的動作比起舞蹈和雜技而言簡單了許多，但是在情感投入和技巧處理上卻毫不遜色。試想，如果忽略了形體表演，演唱者只是隨意展示幾個動作了事，那么演出效果必然大打折扣，不僅談不上優化舞臺演出效果，反而會使演出效果更差[3]。

三、聲樂表演中形體藝術的主要構成部分

（一）臺風

臺風是演員經過多年表演經驗積累的個人舞臺風格。從客觀角度來講，一個演員的臺風與形象不應該是固定不變的，應當隨著作品風格而變化，換言之，演員在作品面前不應當帶有個人標簽，而應當融入作品中，為作品而服務。然而在現實表演中，歌曲創作者往往會依據不同的曲風，選擇更符合作品演繹的演唱者，久而久之，便在演唱者的發展道路上形成了某一種或某幾種的印象曲風，這也是市場選擇的結果。整體來看，臺風可以理解為聲樂表演的主要基調，是最直觀的影響因素，也是形體表達最直接的效果體現。

（二）表情

表情是聲樂表演中形體表達最關鍵的組成部分，顧名思義強調的是演唱者臉部的整體表達，直接傳遞歌曲情緒，也最容易引發觀眾的情感共鳴。在一般的聲樂表演中，演唱者的面部表情要保持放松，保持五官的舒展與自然，眉眼帶著笑意，嘴角上揚，頭部跟隨著節奏有規律地輕輕運動，給人以幸福快樂的感受。不同的面部表情往往傳遞給觀眾不同的情感信號，當演員的表演到位時，觀眾的情緒往往會隨著表演者一同起伏，可見表情在形體表演中的重要性。此外，我們還強調表情的穩定性，演唱者的目的在于完整演繹歌曲并打動觀眾，自己本身既要對歌曲感同身受，還要拿捏好情感的分寸，不能因為個人的感情而影響或中斷作品表達。

（三）手勢

手勢在聲樂表演的形體表達中也占據著極其重要的地位，原因在于它的動作幅度相對較大，容易引起觀眾的注視。手勢的運用在聲樂表演中主要分為情緒性手勢、指示性手勢、象征性手勢等。每一種手勢都影響著作品整體的情感傳遞。情緒性手勢的起落往往直接帶動表演者本身的情緒起伏，也與歌曲的起承轉合有著密切聯系，有時，一些樂器的加入和退出也會隨著情緒手勢而發生變化。指示性手勢則與樂隊的演奏和作品歌詞銜接緊密，能夠引起觀眾的注意力，也增強了歌曲的渲染力。象征性手勢則更多地帶有音樂意境和想象空間，將一些虛擬的情感和內容具象化，引領觀眾進入與演唱者的情感維度。演唱者在聲樂表演中一定要拿捏好手勢的使用頻率和尺度，否則可能會引起胸腔共鳴的失衡，導致氣息不穩定，從而影響演唱效果。

（四）站姿與走位

站姿與走位在聲樂演唱的形體表達中起到基礎支撐的作用。優雅的站姿首先為演唱者建立了良好的個人形象，對接下來塑造歌曲奠定了基礎。演唱者在整個歌曲演唱過程中要身形挺拔，不能含胸、駝背，在配合舞蹈動作時要準確走位，不能打亂事先安排好的演出走位，同時要兼顧演唱和情感傳遞。良好的站姿與靈活的走位不僅能夠保證演出的順利完成，并且能夠最大限度地擴展演出的層次感，使得聲樂表演更具有節奏感與韻律美。尤其是在通俗歌曲的唱跳表演中，演唱者運用站姿和走位配合舞者完成整場表演的同時還能夠最大限度地散發個人魅力，帶動現場氣氛，有些演唱者的舞蹈甚至比周圍的舞者還要出彩，從而成為全場的焦點，這樣也使得歌曲表達更加到位，最終取得演出成功。

（五）上下臺的禮儀

作為演出的必備環節，演唱者上臺和下臺時都要有必備的標準禮儀，以表示對舞臺的熱愛、對觀眾的尊重和對樂隊的感謝，這是聲樂表演中必不可少的環節。因此，演唱者上臺時要腳步穩健，步伐堅定，速度適中，站定后上半身向前彎曲，雙手自然垂下或單手放在胸前，向觀眾及樂隊鞠躬，點頭示意樂隊開始演奏，結束時同樣鞠躬致謝并緩步離開舞臺。

四、聲樂表演中形體表達應當遵循的表演規則

（一）形體表達應當與作品風格保持一致

聲樂表演的內容來自對音樂作品的表達，因此音樂作品的創作風格決定了演唱者在詮釋過程中所有的情感表達和意識傳遞，可以說無論是唱還是演都應當遵循音樂作品本身的創作風格，保持與作品的高度統一。形體表達首先應當符合作品的創作意境和表達意圖，符合人物性格的塑造和情緒變化，從整體上來看，形體表達要充分扣準形象定位，不能脫離作品進行塑造。演員在選擇形體表達時，應當首先考量作品表達的主要基調和意境，充分揣摩人物的性格和經歷，使得形體表達能夠恰如其分，不能為了形體表達而表達，而要貼合作品需要，用形體表達來傳遞作品情感，結合演唱的起承轉合，準確傳遞作品的情感和創作意圖。另外，演唱者還要根據音樂風格在日常訓練中設計出能夠增強音樂感知的動作，有意識地將動作與情感、樂感進行有機結合，增強個人對于不同作品中不同音樂形體表達的選擇能力。

（二）形體表達應當保持穩定、流暢、自然

聲樂表演中，形體表達應當保持穩定，穩定的眼神傳遞、走位和站姿、面部表情的配合等等都能夠給人以美的享受，它們共同構成了聲樂表演的穩定與協調。穩定的形體能夠保證演唱者在聲樂表演中氣和音的穩定輸出，尤其是在舞蹈動作比較多的情況下，肢體的穩定更能夠展現演唱者的訓練成果，也更能夠讓觀眾體會到作品傳遞的能量。除了形體的穩定外，聲樂表演還要求形體表現呈現出流暢自然的風貌，如果過于機械化和生硬，則會給人以生搬硬套的感受，導致觀眾對表演者的個人修養與技術能力產生質疑，更會影響音樂作品的表達效果和舞臺呈現。因此在聲樂表演中，形體藝術追求穩定、流暢、自然，這對表演者的個人素養和日常訓練是一個巨大挑戰。

（三）形體表達應當把握好尺度和比例

聲樂表演中，演唱是占據主導地位的，而形體表達只占據輔助地位，因此從聲樂表演的唱演比例來看，過多的形體表達不僅不能帶來幫助，反而有可能成為累贅，把握形體表達在聲樂表演中的比例分配是十分重要的。演唱者應當做到合理的比例分配，在需要加入形體表現的時候加入，起到錦上添花的效果。同時，作為聲樂表演的一種傳遞手段，形體表達的尺度拿捏也十分重要，形體表達不能過于拘泥，也不能過于夸張，演唱者要選擇適當的尺度，使得表演與演唱成為有機結合體，不跳戲、不搶戲[4]。

五、結語

聲樂表演主要依靠演唱者的演唱，但離不開形體表達的加持，好的形體表達能夠充分傳遞表演者對于作品的感悟和理解，并為演唱者樹立良好的個人形象，通過與歌曲的有機結合，傳遞給觀眾豐富的體驗，是聲樂表演不可或缺的組成部分，二者之間始終保持“唱演結合，以演助唱”的關系。形體表達要恰如其分，符合作品的整體情感表達，不能打亂歌曲的情感傳遞節奏，更不能影響演唱的整體效果，這是形體藝術應當追求的最高目標。作為表演者來說，更應當結合作品的種類和曲風，加強日常演唱與形體藝術的協調，使得形體藝術表達能更好地為演唱服務，從而完整表達作品的意境和情感。