淺談肖邦練習曲作品10之1的演奏技巧與美學意義

□游蕊 黃敏/文

弗雷德里克·弗朗索瓦·肖邦是一位浪漫主義時期代表性的人物之一，他一生創作的大部分作品都是為鋼琴而作，因此也具有“浪漫主義鋼琴詩人”的稱號。他創作的鋼琴練習曲集將鋼琴練習曲推向了時代的高峰，他的練習曲中不僅有高超的彈奏技法，更有著獨特而豐富的情感，這是與其他練習曲中最大的不同。他的《C大調練習曲》為作品編號10中的開篇之作，有其獨特的地位。早期，肖邦在游歷時，吸取了百家之長，并用一種新的聲音呈現出對巴洛克藝術的態度和理念的傳承，作為波蘭浪漫主義音樂家，他以自己獨特的音樂智慧和語言，繼承了巴洛克音樂的風格，創作了這首《C大調練習曲》。肖邦練習曲作為鋼琴音樂史上的一座里程碑，對鋼琴練習曲的發展起著重要的作用。本文試圖以肖邦練習曲開篇作品Op.10第1號為例，對肖邦練習曲的演奏技巧和美學意義進行研究。

1 演奏技巧

在作品的最開始部分，作者標記了legato（連奏），我們都知道，鋼琴聲一旦發出，就只能逐漸消失，無法維持，也無法增強。因此鋼琴上的legato更多的是演奏者內心的legato。這要求我們在彈奏過程中要具有發自內心的情感。只有貼近作曲家的內心，體現作品的獨特魅力，恰如其分地展現肖邦獨特的詩意氣質，才能演奏出更加完美的音樂[1]。該作品是一首帶有再現性的單三部曲。快板，整部作品節奏非常均勻，結構整齊，左手低音旋律簡潔稀疏，在整部作品中，作者并不是想表達山間緩緩流淌的潺潺流水或巨獸般的颶風發出的尖銳刺耳的聲音，而是像瀑布、激流一樣傾瀉而下。通過右手部分音樂的跌宕起伏，節奏與速度的結合營造出一種緊張的音樂氛圍，具有浪漫主義時期音樂風格的特點。同時音域寬廣，拓寬了整部作品的旋律走向，藝術性強。左手八度低音聲部，右手為和弦的分解琶音。演奏時要特別注意右手四個十六個節奏型中首個十六個音的重音處理，突出每個小節的首個重音。在突出重音時，還要求我們在演奏時要達到音色的統一。因為右手分解的琶音跨度較大，在琶音的上下起伏中，音符不應丟失或模糊。在琶音的下行中，小指起著巨大的作用。四個音符中的第一個相當于鍵盤上的一個支撐點或者整個和弦的定位點，所以小指在琶音下行中的重要性不言而喻[2]。肖邦曾經建議他的弟子，這首曲子應該在清晨以非常緩慢的節奏進行練習。右手的琶音要像小提琴的琴弓演奏出來的聲音一樣流暢飽滿。在剛開始練習這類作品時，不應以炫技為重，把技巧放第一位，而是要靜下心來，在緩慢練習的過程中尋找手指拉伸和觸鍵感。應采取“慢速度、慢觸鍵、快移動”，反復多做練習，直至大腦與手指達到協調。練習前還要仔細分析琶音中音與音的遠近關系并選用適當指法[3]。因為每個手指的長度不一樣且每個小節都有多多少少的黑鍵需要彈奏，這使得在演奏時非常容易將音符彈得不均勻。這個時候就可以采用跟節拍器慢練和變換節奏類型來進行練習，這個方法能十分有效地解決問題，并且在練習過程中增加趣味，不至于太過枯燥。

在演奏該作品時，除了各個手指的觸鍵發揮著作用，手腕腕部的帶動更為重要。由于該作品音區跑動范圍較大，右手處于五個八度音域之內，以兩個小節為分隔，仿佛巨浪涌動一般作急速琶音上、下行動作，因此腕部的靈活使用和放松顯得至關重要。腕部為活動關節，彈奏時要盡量放松，并根據琶音方向，恰當地調整腕部運動的角度與姿勢，以手指推動腕部，腕部要力求平穩。腕部可稍微向內傾斜，以5指為帶動的手指向外盡量伸展，彈奏黑鍵時手指觸鍵點應該更接近內側，為手指演奏黑鍵提供最大的便利條件，同時要保持手掌支撐住，手指貼鍵彈奏。靈活地運用腕部，主動地與手指、手臂相配合，可以使琶音演奏得更順暢、更勻整，還能為長時間跑動節省力氣，不至于彈奏開頭部分就精疲力盡。這首《C大調練習曲》手指跨度非常大，也許對于手比較大的朋友來說自然很容易演奏，但對于手比較小的朋友來說演奏大琶音或許稍顯費力。筆者本人手也較小，因此在練習過程中，我們需要克服生理上的缺陷，并抓住琶音技巧的把握和手腕精準平行運動，能使我們在練習過程中能事半功倍。練習時還可采取拆分音樂元素的做法來練，比如可把1指～5指的大跨度琶音分開來練，以增強手指對大跨度框架的熟悉程度，這種做法可先用斷奏奏法練習，熟練之后再用連奏法，注意腕部放松，大跨度琶音不能伸得太長，不能顯得太死板僵硬，同時做到以臀部為支撐點，上身肢體活動時還應帶動臀部用力，避免肌肉不夠放松而影響音樂效果。此上為該作品在演奏中需注意的問題以及練習技巧。

2 美學意義

從美學的角度看，肖邦的作品是“藏在花朵中的大炮”。它們既抒情又不屈，充滿了深刻的意蘊，因而浪漫主義時期的肖邦又被譽為“鋼琴詩人”。他的作品代表著19世紀的風格，具有十分顯著獨特的特點，又具有極強的辨析度，他的練習曲集包括Op.10與Op.25兩集與同時期的作曲家李斯特的兩部練習曲集相比，他在創作手法和和聲的運用上都更大膽的進行了嘗試，就如開頭所說，肖邦深受巴赫的影響，因此他的這首《C大調練習曲》與巴赫十二平均律中的第一首前奏曲的結構相似統一。兩位作曲家都是運用了圣詠中常見的音樂表達模式，由不同的和弦琶音分解來進行發展。因此，分解和弦式圣詠是最好的表達方式，巴赫在音樂上追求最單純、最樸質以及最和諧的聲音，分解和弦式將其自下而上依次彈出或自上而下依次彈出，每一個獨立的分解和弦都是一個相對單純的、純正的，沒有其他和弦雜音干擾的獨立體，恰好能實現圣詠圣潔單純的音樂風格，同時這也為肖邦在該作品中從頭至尾使用分解和弦式旋律動機做下了一個鋪墊，同時肖邦又以浪漫主義自由的方式重新進行組合和演繹，用創新的方式來向巴洛克音樂致敬，更能顯現出肖邦的“詩人氣質”。在觀察該作品時，我們通常容易把這首作品的左右手分成兩個單獨的部分來看，認為右手是源源不斷的分解琶音，左手則是不同和聲的八度低音，然而并不是如此，左右手的音程為互相依靠的關系，只有依靠著低音的部分，右手的旋律才能得以流動，左右手共同創造出來的和聲效果才是最具有歌唱性與特殊性的。肖邦在此作品中使用在寬音域上下波動的極短時長音符的組合，在每分鐘175個極快的速度要求下的這種技巧，能更好地表現出作品的張力。同時，肖邦巧妙地選擇了密集的節奏模式來描述寬廣的旋律特征，通過節奏和速度的結合營造出緊張的音樂情緒，同時拓寬了整個旋律的音樂方向，將音樂如流水般地發泄出來，更好的表達出了他的詩意。因此，在練習技巧的同時，還必須把其中所包含的感情表現出來，生搬硬套的音樂和充滿豐富多采感情的音樂為兩種截然不同的感受。在現代鋼琴學習的過程中，有些老師在教學過程中只注重技巧，而不注重情感的表達，這樣演奏出來的作品必然是索然無味的，肖邦的這首作品極具歌唱性與旋律性，需要我們深刻體會當時的時代背景以及作曲家的創作心理。

《C大調練習曲》除了歌唱性與旋律性之外，還有一個地方常常被演奏者們忽視，就是該作品右手分解和弦中出現的延留音解決與經過音，它往往出現在跑動音型最后一組的小指位置，與之前所說的，小指的運用十分重要，這個音會與之前同音型同位置的音不一樣，這是作曲家故意為之創作的，這小小的變化使單純的和弦跑動多了一些經過旋律的意味。肖邦在創作過程中很喜歡用的一種手法即是將七和弦降低五音，此創作手法能增強和聲的色彩功能，肖邦在此作品的第一部分（1-16小節）中多次運用了留音與解決音，不僅豐富了樂曲的音響效果，還使得右手的線條感得以增強。第二部分（17-48小節）肖邦除了開始運用轉變調式的手法發展，同時還增加了左手八度低音的級進進行。在這個部分開始，肖邦多次轉變了調式，大小調式進行相互轉變，大調給人一種陽光和積極的感覺，小調給人一種悲傷和哀傷的感覺，不同的情緒通過調式的轉變顯現出來。也是從這一部分開始，肖邦在譜面上開始標注了一些漸強，漸弱等音樂起伏的力度術語，為后面的和聲與高潮部分的到來提供了更廣闊的空間。在練習此部分時還可以采用將每一個樂句的琶音變換成和弦進行練習，這樣的練習目的在于加強對右手和聲色彩的熟悉度。第三部分（49-79小節）開始的第一個樂句為全曲開頭部分的再現，情緒逐漸恢復平靜，結束樂句是整首作品的結尾部分，仍有許多離調與變音和弦等，主功能和聲鞏固于后三小節。從整體上來看，本曲是一首具有較高音樂表現力的鋼琴練習曲。它的成功之處主要體現在以下幾個方面：音色明亮圓潤豐滿；音域寬廣廣闊，豐富多樣，風格獨特，個性鮮明，形式多樣。全曲的旋律和和聲，其中心是左手低音部分，當左手奏出八度低音后，音色應豐滿厚重而專注，這就需要手掌的支撐和松弛，把手臂自然力量轉移到指尖上，并且八度連貫起來，還應強調低音旋律的方向和搭配恰當的指法、根據樂句之間的關系處理好換氣，和右手琶音互相呼應、連接成一個整體。

肖邦的練習曲大都具有愛國性，旋律性，最顯著的特點之一是旋律性。他的旋律來自于聲樂而非器樂，可以說更多地繼承了舒伯特。與貝多芬不同的是，肖邦用交響旋律來展開和發展，組織音樂結構。肖邦的旋律完全依靠自己的和聲變化、音調變化、節奏變化和優美的裝飾音來移動和發展。肖邦的練習曲除了用于鋼琴演奏技巧之外，還體現了旋律、和聲、節奏和情感。因此，肖邦練習曲無論是在演奏手法的發展上，還是在音樂表現手段的創新上，都堪稱鋼琴藝術史上具有里程碑意義的“革命”。這也是他在美學中具有特殊含義的原因之一。

3 結語

肖邦作為一位作曲家和鋼琴家對古典音樂的發展作出過重大貢獻，其練習曲承襲巴洛克時期優點并在其基礎上表現出獨特創新，事隔數年后其練習曲仍富有藝術價值和探索價值，甚至成為每一位琴童學琴生涯中必備的練習曲之一。文章從演奏技術、音樂處理，美學意義等角度較詳細地分析了肖邦練習曲Op.10No.1的演奏技巧，對學習其他練習曲方法及音樂演奏處理具有啟發意義。肖邦練習曲中不僅包含著具體的技術訓練意義、教學目的明確、同時還包含了深厚的音樂內涵，藝術價值較高，每一首都值得我們去進一步地分析和學習。

肖邦的練習曲不能用車尓尼和克萊門蒂傳統的純技術性練習曲訓練方法來練習，只有在教學中不斷提高各方面的藝術修養，以各種音樂元素為出發點，探索作品中的音樂內容，合理積累、合理解讀和分析各種高難度技巧，找到符合作品音樂內容的技術練習方法和演奏方法，創造性地、內涵式地詮釋作品，才能達到理想的練習曲效果。

通過對此作品的分析，我們在練習這樣一首技巧性與藝術性融為一體的作品時，不僅要對作曲家的時代背景與作品創作背景了解外，還應多思考該作品有哪些技術難點，需要著重挑出來進行練習，并分析作品的創作手法，和聲調式的發展變化。在背誦樂譜時，演奏者彈奏過程中在另一個時空與作曲家進行交流和對話，同時包括觀看和學習不同大師的同一作品的表演視頻，也會使我們受益匪淺。通過參考他們的細節，可以形成自己的表演風格，提高對作品的理解。從而進一步的將作品進行深度的剖析與理解，來提高自己的演奏水平與細節處理能力。■

引用

[1] 劉嬋.淺析肖邦練習曲Op.10.No.1《圣詠》[J].音樂時空,2014(20):117.

[2] 金茗.談肖邦《練習曲》(Op.10 No.1)的部分演奏技巧[J].樂府新聲(沈陽音樂學院學報),2005(2):54-56.

[3] 李月.淺談肖邦練習曲Op.10,No.1音程關系的奧妙[J].西部皮革,2016(16):281.