手風琴演奏中的平衡

摘要: 平衡產生美感、產生諧和、產生穩定。良好的手風琴演奏狀態應包括體態運動的平衡;音響平衡;心理平衡和氣息平衡。

關鍵詞：平衡；運動；心理；音響平衡；呼吸；音樂氣息

中圖分類號:J 624.3 文獻標識碼:A 文章編號:1004-2072(2007)01-0073-04

眾所周知，平衡原理是物理學中的基本規律之一，在日常生活中也無處不在，在自然界里，萬物都相對保持著一種對稱關系，這種對稱我們稱之為“平衡”，“平衡”是相對的，也是絕對的。世界上沒有兩片完全相同的樹葉，但也沒有不對稱的樹葉。“平衡”產生美感，產生諧和，同時也保持著相對的穩定。手風琴演奏藝術同其他樂器一樣具有信息量龐大、結構層次復雜、影響因素諸多、以及強烈的隨機性和動態性的特點，可以說，沒有一個演奏者能根據數學、物理的公式來演奏好一件樂器。但就其演奏的規律性來講，提出一個正確思維的理論的框架，使演奏者在演奏時主動而有意識的建立起平衡原則的科學理念是很有必要的。在手風琴乃至其他樂器的演奏中，注重并利用好這一規律，對演奏技巧、演奏美感，演奏形象，表演藝術等方面都會起到積極的重要作用。因此，從學琴的那一刻起，就應當重視“平衡”的培養和訓練，并在以后的演奏生涯中不懈追求，貫穿一生。

一、體態運動的平衡

體態運動的平衡，包括局部運動和整體運到的平衡。手風琴演奏者的手的運動是他的生命，他的靈魂，他的一切表現手段的終端，手指代表了“他自己”。一切的情感和音響表現都離不開手指的熟練操作，因此，手指在演奏當中的地位和重要性是至高無上的，其演奏狀態的好壞直接影響到演奏主體表演的成敗。具體說來，也就是保持一種“平衡”狀態，緊張與松弛的平衡，抬指與落指力度的平衡，速度與高度的平衡，指尖支撐與力量轉換的平衡，手型與施力關系的平衡等。在演奏當中，手指的最佳狀態在理論上應處于既不緊張又不松弛的恰到好處的放松狀態，但要在每一處都達到這一狀態卻是極度的艱難，演奏家畢生都在追求這一演奏技術的最高狀態。為了具體地說明其原理，試舉例說明。如：演奏快速的段落時，整個右手臂一定是處于一定的緊張狀態，這樣才能保證必要的力量支撐，才能將演奏進行下去，并隨著演奏強度的不同力量也在不斷變化，在這里，手臂的緊張度與松弛度正好相等，互相抵消，使手臂處于相對穩定的運動狀態，既沒有多余的緊張力量，也沒有多余的松弛力量。也就是說，演奏狀態仍處于放松狀態，肢體為演奏的順利進行提供了必要的支撐力。這是放松狀態下的用力平衡。而右手指在彈奏時同樣存在著力的運用與支撐。為使手指富有彈性而準確地彈奏，腕和臂就必須有相應的力量支撐手臂環節，使手指能在相對穩定的支點上完成彈奏動作。與此同時，兩臂既是相對固定的支撐環節，又是演奏中相對活動的運動環節，根據內容的不同需要，有時腕作為支撐環節；有時肘作為支撐環節；有時肩作為支撐環節；有時腰作為支撐環節。無論何處作為運動與支撐，都要將力恰到好處地加以運用。

演奏是全方位的，除了技術的嫻熟，演奏狀態與表演藝術同樣對演奏的成敗起相當重要的輔助作用。一個優秀的演奏家決不止局限于華麗的炫技，嫻熟的演奏動作而不顧形象、狀態、舞臺效果、體態運動的美感等，這是區別藝術家與匠人的關鍵。

前面說到，對稱與平衡產生美感，那么在實際演奏中，怎樣做才能美呢，除了音樂與技術本身的要求，，運動狀態的平衡（對稱）便是最便捷的途徑。假如有人右手、右臂在鍵盤上飛快地運動，姿勢優美而華麗，大氣而細膩，而左臂只會機械地動幾下或根本不動，或者反過來，左動右不動，你覺得美嗎？你覺得舞臺姿勢漂亮嗎？或者說，你認為他成功嗎？

不難看出，人們的共識在潛意識中已經認同了物體美的對稱性和運動狀態的平衡性。因此，優美的演奏除了掌握諸多演奏技巧，了解音樂的特性外，還應當精心注意自身的演奏姿勢、運動狀態與動作的平衡等不可或缺的因素。準確、嚴格地把握各種動作要領，將自己內在和外在的美完整無缺地表現出來，溶入自己的藝術表現中，完美地展示給觀眾。

二、音響平衡

實驗證明，人耳所能聽到的極限頻率是：最高16000HZ；最低20HZ。超出這個頻率范圍，無論震動多么強烈，人耳也聽不到了。并且，任何事物在極限范圍附近都會感到巨大的壓力和不平衡感，渴望回落，人的聽覺也不例外，當聽到高頻率的音時，產生張力，渴望回落到低頻；相反，聽到低頻率的音時，渴望回升起來，如此又升又落，便產生了音樂的不斷地往復流動，聽覺上的一個不平衡被改變，另一個不平衡又產生，隨后又被改變，又繼續產生，不斷地循環進行，才使音樂產生了進行下去的動力，一旦長久停在了某一頻率點和強度上，音響便失去了動力和平衡感，會使人產生很不舒暢的感覺，即使是音響長久停留在人耳感覺最舒適的頻率點上，由于處于靜止狀態，也會使人產生疲勞。所以，追求音響上的平衡，應當是排除靜止狀態，使音響動態之間相對平衡。具體說來，一旦演奏出來的音量長久處于一種強度（不管是何種強度）時，音樂的動力將大為減少（此時仍有音程之間的平衡在起作用）。

強弱音響的平衡在樂曲中的時間和數目上有自身獨特的特殊規律或安排，筆者認為，即：1：3比例，或更多。也就是說，一個強音過后，便有至少3個或更多的相對弱于它的音來平衡這個強音，如果反規律而行之，張力會更強而無處緩解，便使人產生強烈的壓力感，久而久之，還會使人產生諸如血壓升高，心律加快，情緒煩躁等不穩定狀態，那么音樂也就失去了它的美感和存在的價值。再者，強音是爆發式的，具有很強的震撼力和緊張度，聽覺特性使它必須回落以得到音響平衡，人的聽覺才能接受，才能有動聽的美感。因此，一首樂曲中的強弱音是有規律的，是要符合聽覺的平衡原則（感受）和習慣的。

從整體布局上講，一首樂曲的最強段落多數都會出現在樂曲的后半部，即大體上符合黃金分割率（0.618）的規律。隨著音樂的不斷進行，情緒的不斷高漲，力度的不斷加強，一步步將音樂推向了高潮，張力在極度的膨脹后得到了爆發，隨后，一切壓力得到了緩解，人的內心趨于張力平衡，一個故事便宣告結束。如：多聲部之間的音響平衡：所有的鍵盤樂器不同于單音發聲樂器，其最大特點是多聲部同時發聲，因此又稱為和聲樂器。手風琴的音響豐滿，色彩豐富，變化和發展空間大，既有旋律，又有和聲支撐，可以得到豐富的音響感受。但值得注意的是各聲部之間的音響在強度上的合理搭配。一首樂曲最核心的部分是旋律，其余聲部則是圍繞這個核心而運用和安排。在絕對多數的情況下都要突出這個核心聲部的音響，其他聲部則應該烘托、豐富和強化旋律聲部的展示。無論旋律聲部是在高聲部、中聲部和低聲部。就發音的個數而言，旋律外的聲部絕對占優勢，少則2音，多則不限。如果同時發音且不限制音量，勢必會造成無法忍受的混亂音響，使人只聽到音而感受不到樂，美感又從何而來？而且非旋律聲部的個數由于比旋律聲部多，因而伴奏和襯托的聲部的音量一定是遠遠大于旋律聲部的。這種喧賓奪主的音響效果將會使旋律聲部幾乎完全被淹沒。因此，無論是配器上的安排，還是演奏上的處理，都要精心安排這種音響上的平衡，削弱和聲聲部的渲染，突出旋律聲部的張揚，使整體音響達到和諧而統一。

三、心理因素

心理平衡是一種自我支配和自我調節的心理品質，它是需要通過自我控制，自我教育才能逐步完善。這里所說保持心理平衡的因素有二，一是在演奏中首先在心理上要保持一種“不失衡”的狀態。即盡可能保持冷靜、平和及自信的心態，坦然面對所面臨的境況，不受周圍環境因素的影響，發揮自己最佳的演奏狀態。要知道，世界上只有一個你，你和別人是不同的，你用你獨有的方式解釋作品，讓世界享受你的特質，這是世界上任何人都無法代替的，你自豪地在舞臺上表演，可以調動千軍萬馬，可以征服萬千聽眾，你的力量是巨大的，完全可以平衡你的環境，你的世界。第二，平衡你的緊張狀態。嚴格說來，任何人在舞臺上表演時，都不同程度地帶有一定的緊張度，所不同的是控制這種緊張度的能力。及時調整自己的臨場狀態對表演的成功是至關重要的，許多演奏家擁有高超的演奏技巧，平時能夠自如地演奏，但到了舞臺上，除了缺少信心，也沒有必要的調控手段，致使自己一身本領無法正常施展，無法完美地完成演奏，或者演奏水平大打折扣而痛苦。那么如何調控和平衡自己的緊張狀態呢？筆者通過多年的演奏實踐認為，演奏之前，首先要平心靜氣地想想自己演奏中的特點，所表現的內容、形象，以及為達到此內容使用的技術手法，想想盡可能多的演奏細節，包括“場景”的安排，音樂情節的閃現，力度大小的準確控制，力點位置，音響效果及體態運動及呼吸的控制等，多做深呼吸、為緩解你的“心跳加速”，多想想“靜讕的世界”。總之，經常性的藝術實踐、加強藝術修養、遵循藝術與技術的辯證關系，客觀的地認識自己，評價自己，進而主動地調節自己、改善自己，增強心理上的應便能力，對你的演奏狀態一定會有好處的。

四、氣息平衡

這里所說的氣息平衡是指演奏狀態下的呼吸調節及音樂樂句連接本身所具有的韻律規律。無論你愿意或不愿意，演奏狀態下的呼吸肯定有別于自然狀態下的呼吸。在這里，因為演奏狀態是一種運動狀態，身心會隨著音樂內容跌宕起伏的變化而發生改變。筆者認為，這種改變，多數情況下是自然和自主調節的，不必刻意控制；但在很多情況下，需要人為調節，以達到氣吸的整體平衡。例如：由慢變快或反之時，強樂句之間的連接時，弱收音時，強收音時，樂曲開始、結尾時，樂段連接處等等非常多的情況下，人的呼吸都是非常明顯的，這是表現音樂必不可少的內容。在應該深呼吸時而沒有深呼吸，對音樂內容特別是節奏、強弱以及氣勢等方面都會產生不良影響，首先會使人感到“憋氣”、“氣悶”、“不暢快”甚至喘氣，直接影響了藝術表現力。我們經常喜歡聽或看某人的表演，覺得其演奏恰倒好處，除了文章前面提到的諸多因素外，呼吸的通暢、安排得當也是非常關鍵的一環。

與此同時，這種較“深”的呼吸與整體的較“淺”的呼吸在演奏中是有一定比例規律的，也就是說強烈的呼吸由于其強度大，在樂曲中所占的比例必須少于較弱的自然的呼吸。一旦比例失調，便產生了氣息上的不平衡，音樂要么平淡無奇，按部就班，要么氣喘吁吁，勞累心慌。因此，演奏者在表現一首音樂作品時，首先要做的一定是分析作品，將作品“看透”，然后計劃表現該作品內容所需要的手段，技法，包括氣息運用以及所占比例，力求達到各方面的平衡，這樣錯落有致的安排就像電影導演一樣，對每一個表演環節甚至每一個表情、每個眼神、每一個動作的急緩程度等都進行了最精心的斟酌，并在整體布局上予以平衡，使演奏者和聽眾隨著音樂的起伏，既激動高漲，又暢快淋漓，心理和情感上得到極大的釋放和安慰。

如前所述，由于呼吸的“深”“淺”在量上的差別，它們在作品中所占的比例視深淺的程度會有很大的不同，但無論演奏者怎樣安排，只要掌握住一個原則，即整體感覺上基本平衡既可，這樣給人一種穩定和穩重感。筆者通過幾十年的演奏實踐和大量的實際分析，認為一首樂曲的“淺”呼吸的所占比例與“深”呼吸在一般情況下至少應在3---5倍以上。

音樂有自然的發展規律，就像文字、詩歌一樣，本身的韻律感成就了作品的美感。本文將這種韻律感也稱為音樂氣息。有別于演奏主體的氣息，音樂氣息存在于每一樂句中，大多數情況下可以用符號勾劃出來，例如，連線符號、換氣符號等。但在另一些情況下，符號并不能完全表達作曲家或演奏家的意圖，需要超越這些符號。作曲家將這些意圖加在了作品里，演奏家通過分析作品和不斷的實踐，將這些意圖挖掘出來，同時又在此基礎上發現了新的韻律和連接，使音樂更生動、更美感、更具有說服力。一般情況下，這種韻律感分為跨小節和不跨小節及自由段落，與演奏主體的呼吸既配合又不完全吻合。有時，樂句與呼吸是完全吻合的，這只是少數情況，多數情況下是不同的兩條發展軌跡，即呼吸轉換時，音樂氣息需要繼續進行，以完成一個完整的音樂語氣，而這個語氣很多情況是不受小節限制的，當這一過程完成時，或許主體的呼吸恰好到此，完全吻和了音樂語氣的氣息，或許演奏主體的呼吸到此并未轉換，而是正在過程當中，與音樂氣息擦肩而過，在音樂的流暢感上形成了互補效果，使音樂聽起來更流暢、完整，沒有斷斷續續的感覺。音樂氣息的劃分除了本身的律感外有很多人為因素，不同的文化背景、人生經歷、環境影響、對作品理解的程度甚至面對什么樣的聽眾等都會對音樂氣息的劃分產生影響，也就是說由于演奏主體的不同（有時同一演奏主體）或在不同的演奏環境下，同一首作品會有千千萬萬個闡釋。但無論何種解釋，正如詩歌的長短句一樣，音樂氣息長短句的數量比例由于音響上的布局，在總體上仍保持了基本平衡，使音樂的總體音響既保持了對稱，又體現了各局部的不同。正因為如此，才賦予了作品新的生命力，使其變化萬千，經久不衰。

綜上所述，平衡存在于整個演奏過程當中，平衡產生美感、平衡產生穩定，但平衡不是平均，是手段而不是目的。研究平衡，將會對演奏狀態、藝術表演、解釋作品等諸方面產生深刻的影響，并對演奏實踐起到積極的指導作用，使藝術達到更高層次的美感。本文對平衡原則的初步論述，旨在對演奏理論進行多方位的思考和探索，以期達到拋磚引玉的作用。

Balance in Accordion performance

Zhang Xiaobo

Abstract:

Sense of beauty， harmony and stability all derive from balance. Balance plays an important role in many aspects， and accordion performance is of no exception .The author put forwards a standpoint that the good state of accordion performance requires balances of motivation， acoustics ， psychology and breathing .

Key words:

Balance; Movement ;Psychology ;Acoustics Balance ;Breathing