淺談芭蕾舞表演藝術的審美

摘要：芭蕾舞是一項高雅的表演藝術，它將舞蹈、音樂、美術融于同一舞臺，使觀眾的視覺和聽覺達到統一，展現出獨具魅力的芭蕾舞表演。為更好地欣賞芭蕾舞，需要欣賞者了解芭蕾舞的起源和發展，并具備一定的藝術素養和審美能力，才能從芭蕾舞表演藝術中發現獨具風格的美。

關鍵詞：芭蕾舞 表演藝術 審美

對芭蕾舞表演藝術的審美，不僅是單純地滿足視覺、聽覺享受的活動，更是思維的再創造過程。觀眾在觀看芭蕾舞表演的過程中，會情不自禁地隨表演者融入表演中，深受芭蕾舞表演藝術的觸動與感染，引起情感的共鳴。

一、芭蕾舞概述

芭蕾舞表演有這樣幾種藝術形式：其一，芭蕾舞是表演者在舞臺進行表演的一種舞蹈形式，它是由歐洲民間舞蹈經過不斷的融合、創新發展起來的具有嚴格標準的舞蹈藝術。直至發展到19世紀，才對表演者所穿的鞋子有明確的要求，即腳尖舞鞋。其二，古典芭蕾即芭蕾舞劇，在歐洲古典舞蹈的基礎上，融入音樂、美術、文學，通過一個故事或情境展現一段藝術表演。20世紀，古典芭蕾舞與現代舞蹈技術相結合，共同表現故事情節，此時現代芭蕾誕生了。后來，芭蕾舞成為以舞蹈為主要表現形式的舞劇作品的統稱，即使它們的風格、結構、形式等都與古典芭蕾和現代芭蕾存在較大差異。其三，泛指芭蕾，現代有一部分舞蹈作品沒有依托故事和情境，但同樣運用古典芭蕾舞和現代舞蹈技術進行表演和詮釋，用以傳達某種情感和意境，這種形式的舞蹈表演也稱之為芭蕾。芭蕾隸屬于舞臺藝術，早在文藝復興時期各大宴會和娛樂場所組織舞臺表演，芭蕾的種子便在意大利的舞臺開始萌芽。進入17世紀，芭蕾在法國的宮廷開始生長，這種宮廷芭蕾獨具特點，主題突出且統一，但結構松散，融入舞蹈、音樂、戲劇等內容。內容由專業的舞蹈設計師專門設計，表演者都是達官顯貴。他們在宮廷的正中央表演，觀眾在宮廷的周圍觀看。此時的表演者頭戴皮制面具，因而又稱作假面芭蕾。到17世紀中葉，當時法國在巴黎創建舞蹈學校，即皇家舞蹈學院。17世紀70年代，芭蕾舞演出開始進入黎塞留主教宮廷的大劇場，因演出場所的改變，觀眾的觀看角度發生了變化。這些變化促使表演者改善舞蹈技術和審美理念，改變站姿，以最美的形態展示在觀眾面前，并在這一時期確定了表演者腳的5個表現狀態，這一舉動促進了日后芭蕾舞技術的發展，同時，貴族的表演者慢慢被專業的芭蕾舞演員所取代。

專業芭蕾舞演員的加入和演出，大大推動了芭蕾舞技術的提升與發展。芭蕾演出逐漸從達官顯貴自娛自樂的社交活動發展為專業舞蹈演員舞臺表演的藝術。18世紀，芭蕾大師提出“情節芭蕾”的新理念，倡導芭蕾不只是表演者形體的技巧表演，更是情感交融傳遞思想的媒介，正是這一理念掀起了芭蕾的改革浪潮。在芭蕾大師和專業芭蕾演員以及編導的不懈努力下，芭蕾在表演內容、素材、音樂選擇、舞蹈技術、服裝等方面都進行了創新，將芭蕾與其他藝術形式分離出來，促使芭蕾成為一種獨特的劇場藝術。

二、芭蕾舞表演藝術

芭蕾舞表演藝術是一門融舞蹈、音樂、文學作品以及美術等于一體的綜合性舞臺表演藝術。絕大多數的芭蕾舞劇以文學作品或神話故事為原型進行創作，例如施耐庵的《水滸傳》、吳承恩的《西游記》、莎士比亞的《羅密歐與朱麗葉》等，觀眾因了解原著，所以能夠輕松地明白芭蕾舞表演的內涵。芭蕾舞臺的布置和燈光為觀眾提供了舞劇發生的背景環境和時間。例如芭蕾舞劇發生在早晨或者晚上，發生在和平年代或是戰爭時期，發生在現代或者古代。從舞臺的布置、表演者的穿著上一看便知，甚至還可以得到更多的信息，如舞劇人物是青少年還是壯年，是達官貴族還是普通老百姓，等等。伴隨著芭蕾舞劇音樂的起伏變化，各種人物形象以及情緒變化依序展現在觀眾面前，通過聽覺以及視覺的沖擊，引起觀眾的共鳴，推動芭蕾舞劇劇情的發展。芭蕾舞表演藝術是一門綜合性、技術性的舞臺表演藝術，它比單純的音樂、舞蹈、美術更獨特，內容更豐富，同時，因多種形式融合在一起，突出同一主題，使得芭蕾舞表演藝術容易被觀眾理解和接受。芭蕾舞表演的藝術分為兩種：一種是傳統的芭蕾舞表演藝術，一種是現代芭蕾舞表演藝術。傳統的芭蕾舞表演藝術一般針對早期古典的藝術作品，對觀眾的要求比較多，必須在半小時前穿戴整齊入場，入場后了解關于芭蕾舞表演的相關事宜，演出開始后全身心投入舞臺中，忘記生活中的不愉快，放下工作中的壓力。現代芭蕾舞表演藝術對觀眾沒有要求，觀眾可以隨時入場觀看，場內沒有節目單等關于芭蕾舞表演的信息，觀眾以芭蕾舞臺上表演的舞劇為標準進行觀看。芭蕾舞表演藝術沒有定性的評價標準，它是高度程式化審美理念與規范化肢體技術有效結合在一起的表演藝術。

芭蕾舞表演藝術的魅力在于引起觀眾共鳴，引人入勝，使觀眾全神貫注地欣賞表演。芭蕾舞表演藝術能夠向觀眾傳遞積極的能量和愉快的因子，使觀眾身心愉悅。芭蕾舞表演者全身心地投入到舞劇表演中，暫時忘記自己，與舞劇角色融為一體，這樣表演的人物更形象生動，能夠感染觀眾、帶動觀眾，引導觀眾的感情隨舞劇劇情而變化。優秀的芭蕾舞演員能夠使觀眾的情緒隨自己表演的起伏而變化，表演者在舞臺上的一舉一動、一顰一笑都關系到舞劇演出的質量，優秀的芭蕾舞表演者除注重動作和表演技術外，更需要重視細節，只有細節把握得好，才能彰顯出芭蕾舞表演藝術的精致與魅力。

三、芭蕾舞表演藝術的審美

（一）芭蕾舞表演者的心靈美

芭蕾舞表演藝術是美的展現，芭蕾舞表演者通過自身肢體的表演創設出不同的意境，用“虛幻的實體”震撼心靈。表演者利用自身的肢體變化、表情以及組合動作，營造特殊的人物角色活動環境和情感，將人物角色的心靈以“情感符號”的形式展現出來，向觀眾直接傳遞人物的思想變化。芭蕾舞表演藝術非常美，通過表演者美麗的心靈不斷向外傳遞出美的因子，悠揚的旋律、順暢的節奏、規范化的程序、理性與感性相結合，展示出生命的活力與激情。芭蕾舞的表演者在表演過程中，釋放自己的心靈，促使心靈在體驗表演中進一步升華，而充滿活力的節奏，使得表演者的心靈變得可視化、形體化。芭蕾舞表演藝術的最高水平在于表演美，但美無法通過模仿來展現，也不是對人物行為的復寫，而是將芭蕾舞劇中人物美好的心靈展現出來。芭蕾舞表演藝術是心靈與肉體、動作與情緒的再次創作。芭蕾舞表演者利用自身的肢體動作表現自己的心靈，利用自己的激情與活力去升華肢體動作的格局，促使身體與意識相統一，在身體與意識一起飛揚的芭蕾舞臺上，詮釋為人處世、人生、人性的道理。據芭蕾舞表演界的專家研究，表演者合理的造型、熟練的表演技藝，一定源自于美麗的心靈。芭蕾舞表演者用美麗的心靈感悟生活、活在當下，用自身的肢體動作去展現不同人物的情緒變化，以及通過不同的音樂旋律和美輪美奐的場景展示不同的美，使舞劇的內涵由表演者的形體展示出來，而表演者的肢體動作同時又源自舞劇的內涵。所以，只有芭蕾表演者堅持心靈與肢體動作相互協調、統一的芭蕾表演審美觀，才能從根本上提高芭蕾表演的藝術水平。

芭蕾舞表演者只有將自己的靈魂與舞蹈的靈魂相互碰撞，融為一體，才能創造出更震撼人心的美麗。音樂是舞蹈的靈魂，舞蹈隨著音樂翩然起舞，表演者的肢體動作與造型是富有音樂節奏的，也是用來表現音樂的。表演者的肢體動作與造型和舞劇的音樂是“同形同構”的關系，表演者的肢體動作與舞劇音樂的詮釋必須保持和諧統一，由表演者的心靈不斷向外、向肢體傳遞動作和心靈的藝術美。眾多藝術大家利用芭蕾闡釋他們對音樂的認識與理解，形樂一體。還有的藝術家用不同樂器演奏悠揚的旋律與動聽的節奏，促使演奏家萌發愛情的嫩芽，展現了愛情的神奇與偉大，更體現了芭蕾“魂樂一體”的審美觀念。每一位優秀的芭蕾舞表演者都必須具備“魂樂一體”的表演素質，這種表演素質伴隨舞蹈演員表演的全過程。“魂樂一體”開始于起舞，貫穿于表演的全過程，終于表演的結束。表演者的每個肢體動作、造型以及表情變化都必須隨音樂的旋律呈現不同的變化，動作的幅度、快慢都須與音樂緊密相連，表演者的肢體語言表現了舞蹈的情感，而舞蹈的情感變化源自音樂的旋律高低起伏。

（二）芭蕾舞表演的感覺美

芭蕾舞表演藝術美的體現，不僅需要表演者具備高超的表演技藝，還需要表演者擁有獨特的藝術素養。例如對音樂的敏感、對舞蹈的熱衷、對表演的感覺等。芭蕾舞表演是表演者表演技藝與音樂美、舞蹈美、表演美融于一體的綜合展示，缺少了音樂與情感的互動交融，表演者的肢體動作和舞姿造型將失去意義。

首先，音樂美感。芭蕾隨音樂的旋律高低起伏、節拍變化而呈現不同肢體動作和造型。所以，表演者要具有音樂方面的美感，如音樂感、節奏感、旋律感等。這些音樂美感賦予肢體動作和造型更多的美學特征。音樂美感主要體現在芭蕾旋律的美感，旋律的美感展現了音樂的不同節奏和速度，也展現了舞劇不同的情緒變化。所以，每支芭蕾都有專屬于自己的音樂旋律，音樂旋律都富有獨特的節奏特點和情感，當音樂旋律播放時，表演者會自然地展現出相應的生命狀態和情緒。著名表演藝術家烏蘭諾娃，善于對音樂旋律中的和聲色彩表現出強烈的生命力，她的舞步、動作以及每一個小細節都能傳遞出內心強烈的感情變化，這正是芭蕾音樂給予了表演者充分的想象舞臺。

其次，彰顯芭蕾表演者藝術修養的舞蹈美感。表演者通過心靈外化于肢體動作和舞姿造型，表演者對舞蹈的感覺決定了她的表演水平。舞蹈的美感一是源自于表演者對動作的表現，二是源自于對舞姿造型的感知與體驗。舞蹈美感是表演者對動作的整體感受與體驗，然后通過舞臺完美地展現出來。所以，表演者必須真正理解音樂、感受動作，才能完美地表演出來。

最后，表演者在表演過程中依據自身的想象展現表演的美感。只有表演者投入其中，與劇中人物角色融為一體，才能體悟到劇中人物的情感變化，才能完美地展現出劇中人物的特點。表演者在表演過程中與劇中人物進行對話，在舞姿造型以及肢體動作中詮釋角色的心靈魅力。

（三）芭蕾舞形象情感展現美

芭蕾舞專家曾指出，表演者通過芭蕾展現人物的情感和思想，但它的展現不是抽象的，而是形象生動富有表現力的。芭蕾舞表演藝術以音樂為背景進行舞蹈形象的再造，使舞蹈人物活靈活現地出現在表演舞臺。表演者在表演過程中完成對舞蹈人物的形象塑造以及性格刻畫，在表演過程中將自己融入角色，并深入體會角色的內心變化，通過自身的表演詮釋出具有個性與氣質的舞蹈形象。芭蕾舞表演者還須對感覺、形態等進行轉化，在轉化中不斷提升。例如著名表演藝術家烏蘭諾娃在表演芭蕾舞劇《天鵝湖》時，成功地展現出白天鵝完美無缺的形象，也展示出黑天鵝經久不息的藝術形象。烏蘭諾娃在表演黑天鵝的藝術形象時，雖然舞姿造型與“白天鵝變奏”相似，但黑天鵝與白天鵝在性格、心胸以及愛情的觀念上卻相差甚遠，黑天鵝心胸狹隘并且狡猾，白天鵝心胸寬廣、溫柔善良。烏蘭諾娃在同一部舞劇中，成功演繹了兩個完全不同的形象，說明烏蘭諾娃成功地抓住了兩個人物角色的心理與形體表演，運用連續不間斷的“Fouette”，展示不同人物角色的性格特征，在極賦表現力的同時沖擊著觀眾的視覺。

芭蕾舞表演藝術表現情感美，表演者通過肢體動作和舞姿造型透視心靈，傳達出芭蕾舞的思想。芭蕾舞表演藝術是情感的交融、靈魂的碰撞、美術與音樂藝術的和諧統一。其一，表演者將自身當做劇中人物進行表演，達到“借人喻我”的境界。其二，表演者將自身與扮演的動物或自然物進行同化，即達到“物我同化”的境界。芭蕾舞表演藝術的情感美，通過“借人喻我”和“物我同化”，再經過特殊的藝術處理，才能使其更具有審美價值，更能感染觀眾，帶來強烈的震撼力。

四、結語

芭蕾舞是一項高雅的藝術，通過表演者心靈外化于形的表演，詮釋劇中人物的形象，展示人物的內心世界和性格特征，賦予人物獨特的氣質與風韻。芭蕾舞表演藝術是詩畫藝術，表演者既是詩人又是畫家，在舞臺上傳達詩歌的情感和畫像的美感，借助詩畫與舞臺充滿活力的表現，賦予芭蕾獨特、動態的藝術美感。

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（作者簡介：展鹿，男，碩士研究生，天津音樂學院，講師，研究方向：芭蕾）（責任編輯 葛星星）