法國作品在豎琴上的演奏特點

中央音樂學院管弦系 / 王冠

【內容提要】豎琴作為最古老的樂器之一，17世紀在法國受到了貴族的追捧，成為當時宮廷和貴族非常流行的樂器。因此可以說，豎琴是在法國真正發展起來的。巴黎音樂學院培養了一代又一代的豎琴大師，豎琴的主要作品基本都是法國作品。但很多人中，對法國作品的演奏特點有誤區。

豎琴是世界上最古老的樂器之一，最早可以追溯到公元前3000多年的古埃及地區。豎琴的演變和發展經過了非常漫長的過程。其中很長一段時間都是圍繞怎樣解決半音變音的問題。 隨著踏板豎琴和三排弦的豎琴的發明和出現，豎琴真正解決了演奏半音的問題。17世紀，豎琴在法國受到了貴族的追捧。當時有一位瑪麗（Marie Antoinette）公主是非常棒的豎琴演奏家，由于受到瑪麗公主的影響，豎琴成為當時宮廷和貴族非常流行的樂器，很多的王宮貴族紛紛開始學習豎琴。在當時的巴黎，一共有58位豎琴教師。這個數字是很驚人的，因為在今天的北京，也遠沒有這么多的豎琴老師。

可以說現代豎琴是在法國真正發展起來的。巴黎音樂學院成為著名的法國學派的發源地，相繼涌現培養出了一代又一代的豎琴大師,包括：Hasselmans，Granjany，Lilylaskine，M.Tournier，Pierre Jamet，Renié，isabelle Moretti等等。每一個人都代表了一個時代，他們一代又一代的培養出了很多著名的演奏家。由于巴黎音樂學院非常重視樂理，和聲等基礎知識的學習，他們中的一些豎琴演奏家在作曲方面也很有造詣，他們為豎琴寫出了大量的流傳至今的作品。比如Hasselmann，Tournier，Renié，Granjany，Salzedo等，由于他們本身是豎琴家，非常了解這個樂器的特質，就導致他們的作品都能呈現出一個非常好的效果，演奏起來也非常順手。這些成功的作品很自然的被一代又一代的豎琴家和豎琴學生演奏，成為豎琴專業的重要也是主要曲目。

與其他樂器有所不同，豎琴主要的作品基本都是法國作品。所以演奏好法國作品對于學習豎琴來說就尤為重要了。那么怎么才能演奏好法國作品呢？

在很多人的印象中，法國作品永遠跟自由、虛幻劃等號。特別是當看到譜子上出現Rubato字樣的時候，更是演奏的很隨意的自由。Rubato本來的意思是自由的演奏，但自由到什么程度呢？其實法國作品中的Rubato并不是演奏隨心所欲的自由,它還是有一定的節奏限制的。比如當樂曲里出現一個持續兩個小節的Rubato，那么演奏時這兩個小節的總時長并不能變，而是在這個固定的時間里有一些自由,有一個慢起漸快再漸慢的過程。只有總的節奏時長保持不變才能保證音樂的連續性，既有節奏自由的部分，又保證了整體音樂的連續性和連貫性沒有受到打擾。練習這種Rubato，需要演奏者一開始在練習的時候先不要自由的演奏，要先完全按照節奏去演奏。等到對于節奏很了解了以后，在不改變節奏的前提下加上一點自由，遵循慢起，漸快，再漸慢的方式加入一些音樂上的自由。

無論在任何作品中，保證節奏的準確性都是很重要的，法國作品也不例外。

很多人一提到法國作品就想到要演奏的很浪漫，但這個浪漫并不代表沒有節奏。 法國作品對于節奏的要求是非常嚴格的。比如Tournier的第一小奏鳴曲的第一樂章一開始，需要演奏非常準確的16分音符，而不能隨意的加入漸慢漸快或是停頓。中間出現的一些琶音也不能占用太多的時間,琶音之后的十六分音符要馬上回到很準確的節奏. 第一樂章的倒數26小節開始，有很多的速度變化，其中有好幾次漸慢和延長，也有好幾次回原速。這些回原速都要馬上回到之前的速度，不能受到之前慢速和漸慢的影響。再比如福列的即興曲，這首作品可以說是豎琴最經典的作品之一。里面有很多延長號，一小段一小段的，很容易演奏的比較松散不緊湊。這時候準確的節奏就尤其重要了。那些連續的十六分音符的琶音，都要嚴格的按照之前的速度按節奏演奏，即便是中間很抒情很有音樂表現力的段落也是要按照節奏演奏，可以有一些小小的自由，但不能改變整體的節奏和速度，這樣才能保證音樂得以連貫繼續進行下去。

演奏法國作品很重要的一點是要仔細讀譜。在法國作品中，作曲家通常已經寫了很多很多的標注在上面，包括速度標記，表情記號，音樂術語，甚至法語短句。我們需要首先搞清楚所有標記的意思，我們明白了這些，就了解了作曲家想要呈現的效果了，下一步我們只需要按照所有的標記來做，把作曲家的意思表現出來。下面我列舉了幾個比較常見的術語:

P.D.L.T.：這個縮寫詞在很多曲子里都會見到。它是法語Près de la table 的縮寫，意思是靠近共鳴箱演奏，使聲音聽上去比較尖銳。

Anime 是快一點，流動一點的意思。

Au movement:比之前的速度快一些

Plus lent: 比之前的速度慢

En retenant:漸慢

Cédez:一點點漸慢

Plus calme:更加安靜

Laisser vibrer:讓音持續，不捂弦

Peu a peu:一點點的

法國音樂的旋律音調往往比較平緩，正像他們的語言一樣。通常不會過多的強調一個樂句的末尾音，也不會在末尾音做過多的停留。比如在Pierne 的即興曲中，主題開始第一句旋律要直接到Do結束，而不是在Do之前停頓，然后強調那個Do。類似的情況還有城堡夫人中段，雙重線后第一小節最后一個泛音之前不能停頓。

法國作品要求音色變化非常豐富，對于演奏每一個音都有要求。同一個手演奏不同的聲部,每一個音隨著漸強漸弱都要有變化。而且特別要求突出聲音的層次，旋律的部分需要演奏得非常清晰，而一些快速運行的琶音雖然往往比較難，但并不是重要的部分，一定要演奏的很輕，不能打斷干擾旋律部分。音樂的層次變化需要大量細致的練習，演奏者需要先找到所有旋律的部分，進行單獨練習。旋律的部分不一定永遠在一只手上，有很多時候都是左右手交替的出現旋律，這就更需要把旋律單獨挑出來練習了。除了單獨練習旋律部分，伴奏部分也是需要單獨練習的，要演奏的平均，音量上不打擾旋律，但又要跟旋律的走向保持一致。

琶音是豎琴演奏中非常有特點的演奏方式，隨著手指依次快速彈奏，撥動出悅耳動聽的如流水般的聲音，是豎琴最擅長的一種演奏法。在法國作品中，很多譜子上寫的和弦法國人都會習慣性的彈成琶音。但這里的琶音要演奏的比較緊湊，不能彈的太松散。要跟譜面上寫琶音的和弦區分開來。比如納德爾曼的奏鳴曲，譜子上并沒有寫琶音，但那個時期人們在演奏和弦的時候會全部彈成琶音，所以譜子上就沒有特意標明了。那么我們遇到這種情況的時候就要演奏成快速緊湊的琶音。演奏琶音看似簡單，但要彈的平均并不容易。經常會聽到學生演奏琶音的時候特別重視右手大指，特別在彈一個強的琶音的時候，往往右手大指會用力的扯一下，但這樣的琶音音色并不好聽。其實左手是演奏好琶音很關鍵的一點，法國作品里的琶音都需要清晰的聽見左手演奏的那些音，特別是最低音，也就是根音尤其重要。如果把低音以及左手的音彈出力度，右手高音不用特別的用勁，就可以得到一個強有力，又聲音溫暖的琶音。琶音也不是一成不變的，不同的作品，不同的段落需要不同感覺不同效果的琶音。例如德彪西舞曲的開頭部分的琶音，要演奏得縹緲空靈一些，以營造一種神圣的祭祀舞的氣氛，而福列即興曲開頭的琶音就要求非常有力度，琶音里所有的音都要被聽的很清楚。

除了傳統的演奏方式，法國現代作曲家也在積極探索豎琴上一些特別的聲音。法國作曲家SALZEDO的作品，經常會有一些單音或和弦需要用指甲來演奏，以達到一種比較尖銳的特殊的聲音效果，通常記譜上會在需要用指甲演奏的音上畫一個指甲的圖案。一些當代的作曲家們更是積極尋找豎琴的各種音響效果的可能性。比如法國作曲家B.ANDRES，他為豎琴創作了大量的獨奏重奏作品，他的作品還是沿用了比較傳統的記譜法，只是加入了一些諸如敲琴板、通過踏板滑動制造的滑音，用調音扳子敲擊弦，敲擊琴身等等聲音效果。據作曲家Andres本人介紹，演奏他的作品，很重要的一點是要嚴格按照譜子上標明的速度演奏，以達到作曲家想要的效果。

法國作品由于和聲變化豐富，通常有很多踏板的變化。最著名的要數RENI的那首《精靈之舞》（Danses des Lutins）了。在這首短短三分鐘的作品里一共要換200次踏板。可以說在演奏的時候，不僅手指飛快的演奏，兩只腳也非常忙碌的不停變換踏板。這就要求演奏者在每一次踩踏板的時候時機都要很準確，不能太早，早了就不是需要的那個音了，也不能太晚，晚了就會出現噪音，甚至耽誤換后面的音的踏板。練習這種踏板多的曲子，需要演奏者慢慢練習，把節奏放慢，找到換踏板最合適的時機。在開始練習的階段嘗試用慢的速度沒有噪音的演奏，如果可以順利準確的完成再一點點加快速度，最后達到沒有踏板噪音的原速演奏水平。

綜上所述，法國作品看似自由浪漫，其實是有一定的規律可尋的。演奏者只要遵循著這些規律，仔細的練習，就可以把握好法國作品的演奏風格了。