淺談設計專業中的審美教育

吳小非

摘要：審美能力就是對于美的發現能力，這種能力不是天生的，和知識、技能一樣是需要通過后天的不斷訓練來提高的，筆者結合自身在環境藝術設計專業的任教經歷，淺談對于審美教育的一些思考。本文由三個部分組成，第一個部分對審美的定義做一個分析，分析審美的三種境界;第二部分列舉審美訓練的方法，以及在教學中應該從哪三個方面提高學生的審美能力;第三個部分闡述審美教育在當下的意義，分析審美教育在設計專業中的重要性。綜合而言，審美教育對于大專院校的學生培養是十分重要的，作為設計專業的教師應該尤其注重學生的審美教育，使學生全面健康的發展。

關鍵詞：審美;教育;設計

一、審美的定義

不論對于藝術從業者還是設計專業學生來說，審美都是一個繞不開的重要議題。正如字面意思，審美就是發現美，從生活雜亂的物象中、從互聯網紛繁的圖像中、從魚龍混雜的藝術品工藝品設計品中，沙里淘金，挑揀出具有美學價值的部分，進而對我們自己的藝術設計有所啟發。這聽上去似乎很容易，但只有很少一部分人能訓練出那“發現美的眼睛”，或者說大部分人發現的美都不具有足夠的美學價值，無法反哺藝術設計，大部分人所發現的只是“自然美”。

（一）自然美

自然美即是日常生活中最普遍的審美體驗，這種體驗源自人類本能中的，最樸素的審美追求，鮮花、閃光的寶石、美麗的異性等，這些天然能夠引發人類關注和愉悅感的事物。鮮艷的顏色、明媚的光線、柔軟舒適的材質等，這些能使人產生穩定平和感受，具有安全感和庇護感的場景。這種對于自然美的描繪，在印象派繪畫中有集中體現，印象派畫家們扛著顏料和畫板到自然中，直觀地描繪他們眼睛所見的自然風景和光影變化，樂此不疲。但很快人們就不滿足與印象派甜美的風景畫了。塞尚評價印象派的繪畫“雜亂無章”，隨著現代主義運動的興起，藝術家開始追求更高一級的審美體驗。

（二）形式美

從現代主義開始，出現了現代設計學的萌芽，現代主義藝術家認為透過自然界事物的表象，存在著一套內在的美學規律，古希臘藝術家或是文藝復興藝術家所追求的“和諧”也即是這種規律，當物象以一定的比例、疏密、排列方式構成在一起，就能達到這種美學規律，使人感到和諧，這就是形式美。現代主義認為這種審美的內生規律是不依賴于物象而存在的，當脫離了具體的物象，從具象到抽象，這種美學的內在規律反而更加純粹。形式美被廣泛地運用在平面設計、工業設計、產品設計等領域，也是設計專業美術教育中很重要的一塊內容。

（三）藝術美

進入當代語境之后，藝術和設計形式都趨于多元化，審美的標準也不像原先那樣單一扁平。在當代藝術、當代設計中，審美的評判往往會同時存在幾種方式，從不同的角度去判斷作品的美學價值，除去直觀感受和形式構成，人們更會從文化、歷史、哲學、科技等方面去探究作品背后的觀念和思想。一些優秀的當代藝術作品，比如說博伊斯的作品，將蜂蜜涂面頭部引來蜜蜂，或是用油脂堆滿椅子，第一眼給人的感受甚至反而是不適的，但當觀眾了解了作品背后的用意，結合藝術家的人生經歷，揣度藝術家的觀念，就會覺得非常有趣。藝術美是最高級別的審美形式。

設計專業的人才培養目標是使學生能夠熟練地運用形式美法則進行設計創作，能夠嘗試從藝術美角度去欣賞優秀的當代設計，但在實際教學過程中，發現學生對于專業知識和技能的學習比較重視，而對于審美能力的提升卻往往疏于訓練，導致畢業之時有些學生雖然能熟練地運用各種計算機軟件，但審美能力還停留在自然美的程度，所設計出的作品不具有美學價值。這就更要求我們老師強化對于審美的教育工作。

二、審美的方法

馬克思曾經說過：“如果你想得到藝術的享受，那你就必須是一個有藝術修養的人”，這表明對于藝術的欣賞能力，是需要經過訓練的。在我們平時的教學過程中，對于學生的審美能力往往會通過以下幾個方面來培養。

（一）色感

色感是指對色彩的感受力，是一種相對獨立的審美能力，與需要長期訓練的造型能力不同，色感的提升，更像是一種觀念，一種感悟，在正確的引導下，學生對于顏色的感受能力是可以很快提升的。首先要全面完整地講解現代色彩理論體系，使學生對于色彩構成知識有一定的了解。同時結合大師的作品進行名作賞析，尤其是擅長運用顏色的大師如馬蒂斯、維亞爾、博納爾等人，從大師的繪畫中吸取養分。另外還要因材施教，有的學生天生就有較好的色感，而有的學生則很難改變固有的用色習慣，用色臟、灰、土，針對這樣的學生，就需要增加小色稿訓練，來拓寬學生的色域，適當的限制其對于赭石、熟褐等“泥土色”的使用。而有的學生則相反，用色太純、太火、太亂，對于顏色之間的聯系缺乏理解，對于這種學生則應該針對性地進行調色訓練，強調高級灰以及鄰近色的搭配訓練。

（二）抽象

抽象是指從事物中抽取出共同的、本質的特征，抽象就是對于形體的組織概括，這在設計專業中尤其重要。作為高校設計專業的老師，很重要的一點就是更正學生考前美術培訓遺留下來的一些陋習，比如生搬硬套靜物結構，過于熟練地默寫而不看對象，以及孤立地表現對象，要改變這種“看山是山”的簡單觀察方式，訓練學生整體聯系地去觀察對象，形體、輪廓、正形負形、空間關系等因素，這是第一步。接下來一步就是要訓練學生對于形狀的敏感性，通過明度構成訓練、點線面訓練、基本形訓練等方法，使學生突破固有的具象思維，以概括歸納的方式去觀察對象。最后一步是引導學生發現圖形中的內在聯系，以幾何化的，抽象的手法進行設計創作。

（三）引導

審美的訓練本質上是對于眼睛的訓練，因此除了課堂里的教學，更重要的是課下對于學生的引導，在當代語境中，不論生活中還是互聯網上，都充斥著大量的圖像信息，這些圖像良莠不齊，有著大量的低俗的、媚丑的、沒有營養的圖像信息，因此要提高學生審美，更需要教會學生如何從中篩選出具有審美價值的圖像，運用到自己的設計中去，這是一個日積月累的過程，通過給學生展示優秀的設計師案例、好的藝術作品，開拓學生的眼界，激發學生的想象力和創造力，除此之外，更需要把課堂搬到美術館、展覽館中，帶領學生參觀好的藝術展覽，使學生真真切切地感受藝術的魅力。國內許多地方博物館都有著一流的中國文物展品，通過參觀這些我們自己文化的精華，可以培養學生的愛國情懷，加深學生對于中國傳統美學的認識。

三、審美的意義

中國近現代以來，許多有識之士對于審美教育都很重視，辛亥革命勝利之后，蔡元培先生首先提出了“美育”的思想，認為教育者應該結合美學理論“以陶冶感情為目的”，培養學生感知能力和想象能力。大學者王國維也認為，好的教育應該包含了“知育、德育、美育”三個部分，即德智美共同發展，在他看來美育甚至比其他二育更為重要，是培養人的感情的重要手段。魯迅先生則認為美術更是一種很好的教化手段，能夠比文字更容易地使民眾理解新文化運動，他還大力倡導“新興木刻運動”，對中國近代的版畫發展有著很重要的推進作用。

宏觀上說，審美性是一個民族個性的體現，歷史上但凡文化盛世，如李唐趙宋，其民族的整體審美修養都是很高的，這可以從當時的建筑裝飾、桌椅器具等等細節看出來，更不用說唐彩宋畫的藝術高度，是后人無法企及的。反之到了外族入侵或是刀兵動亂之時，其民族的審美就會下降，正如后來的元明清，藝術品和工藝品普遍受到游牧民族影響，繁雜瑣碎，紛亂且拘謹。當然這種民族的審美性是一種集體意識，非是靠一人兩人能夠改變的。而到了近代，中華民族歷經苦難，優秀的審美傳統有許多都失傳了，如今經濟水平和綜合國力都大幅增長，對于審美這一塊的培養就更應該為我等教育工作者所重視。

往小的方面說，審美教育對于個體的人格塑造有著重要的意義，在滿足個人認知需求的同時，也要注重他們的情感需求，隨著物質水平的飛速發展，學生的情感精神需求就顯得尤為重要，審美能力的高低與個人的教育修養水平有著緊密聯系，只注重知識灌輸、技能訓練等理性思維培養，而不注重感性思維能力，這樣的人是不完整的，缺失了對于美的感受力以及對于情感的理解力。這一點我們在平時教學時就會發現，有的學生對于老師布置的有明確步驟的作業都能完成，對于老師的指令亦步亦趨，但是當要他們自主創作的時候，卻完全不知所措，這一點在大專生中尤為明顯，尤其是一些農村出來的孩子，長期的應試教育幾乎磨平了他們所有的想象力和創造力，這一點對于設計師來說幾乎是致命的。這種情況尤其需要老師耐心地開導，啟發他們對于審美的興趣，鼓勵他們自主完成設計。

經過了幾輪畢業生的指導，我發現經過了審美教育的畢業生，他們的畢業設計比之其他學生有著明顯的區別，作品的創造性與和諧度都有提升。但是大專院校的美育事業還有很長的路要走，這是一項見效慢、周期長、很需要耐心的水磨工夫，需要我們所有人的共同努力。

參考文獻：

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