在電影的起源和發展中看古典音樂的運用

電影的發明可以追溯到19世紀末。1878年，英國攝影師愛德華·梅布里奇通過一系列連續攝影展示了馬奔跑的姿態，這被視為早期電影的雛形；1895年，法國的盧米埃爾兄弟在巴黎舉行了首次公開放映，標志著現代電影的誕生。電影作為一種藝術形式，則是在19世紀90年代初期發展起來的。在早期默片時代，電影放映現場由樂隊演奏較為完整的古典音樂片段，其最初目的是掩蓋電影放映機的噪聲；在默片的中后期，出現為電影的現場放映而專門錄制的唱片，大多為古典音樂作品，在填補聲音缺失空白的同時，產生了視聽組合的新意義。

有聲電影出現至今，技術飛速進步，電影音樂在創作和形式上有了更廣闊的空間。電影音樂的發展歷程豐富多彩，經歷了多個重要階段。首先是早期無聲電影階段（19世紀90年代—20世紀20年代），在無聲電影放映時，現場通常會有樂隊或鋼琴伴奏，以增強觀眾的情感體驗，在這一階段通常使用流行的音樂和一些經典作品作為主要電影音樂，如肖邦、貝多芬的樂曲，以適應電影情節。1927年有聲電影誕生，開始運用同步音軌，艾爾·喬森主演的《爵士歌手》是第一部成功的有聲電影，標志著電影音樂新時代的開啟。隨著聲音技術的發展，原創音樂興起，電影開始使用專門為影片創作的音樂。來到黃金時代（20世紀30——50年代），大規模的管弦樂團成為電影音樂的標準配置，配樂作曲家如亞瑟·福爾等開始嶄露頭角。隨后進入音樂劇的流行階段，《雨中曲》（1952）等音樂電影的成功，提升了音樂在電影中的重要性。在實驗與多樣化階段（20世紀60——70年代），電影音樂風格更加多樣，開始吸收搖滾、電子音樂等不同風格，代表作有《教父》（1972）和《星球大戰》（1977）。這一時期，電影音樂作曲家不斷涌現，約翰·威廉姆斯、恩尼奧·莫里康德等作曲家成為電影音樂的代表人物。最后則進入新技術與數字化階段（20世紀80年代——21世紀00年代）。

古典音樂是西方音樂傳統中一種重要且影響深遠的音樂類型，通常指的是17 世紀中期到19 世紀初的音樂。這一時期的音樂具有一定的風格特征和結構規范，如對稱的樂句、清晰的和聲，尤為強調旋律和聲的平衡。古典音樂注重結構的對稱性和形式的完整性，常常在作品中表現出清晰的主題和變化，其核心形式包括交響曲、協奏曲、室內樂、奏鳴曲等，這些形式通常具有嚴格的結構，如奏鳴曲式、回旋曲式和變奏曲式等。

古典音樂在電影音樂中的重要性不容忽視，它不僅為電影的敘事增添了深度，還有助于塑造觀眾的情感體驗。在情感傳達與增強方面，古典音樂能夠有效地傳達復雜情感，強化電影的情感表達。作曲家借助古典音樂的和聲、旋律和節奏，能夠精確地引導觀眾的情感反應。例如，悲傷的弦樂或激昂的管弦樂能夠深刻影響觀眾對角色和劇情的情感投入。在增強敘事結構方面，古典音樂的形式和結構特征，如奏鳴曲式、回旋曲式等，能夠為電影敘事提供清晰的框架。音樂可以通過主題的重復和變奏，幫助觀眾跟隨故事的發展，并在關鍵情節處營造情感的高潮或解脫。在塑造氛圍和背景方面，古典音樂在電影中經常被用來營造特定的氛圍和背景，例如，莊嚴的交響曲可以營造出歷史感和權威感，而輕盈的室內樂則能營造出輕松和愉快的氛圍。這種背景音樂的運用能夠有效提升電影的整體氛圍，使觀眾更容易沉浸于電影的世界中。在增強人物塑造方面，古典音樂中的特定樂器和風格常被用來塑造和定義人物特征，如某個角色可能與特定的樂器（如小號或豎琴）相關聯，這種音樂上的“主題”可以幫助觀眾識別和理解角色的性格與動機。這種技巧被稱為音樂動機，在理查德·瓦格納的歌劇中得到了廣泛應用，并在電影音樂中得到了延續。

電影史中使用的古典音樂作品種類繁多，包括藝術歌曲、歌劇、清唱劇、鋼琴曲、小（大）提琴協奏曲、交響曲等等。電影在經典古典音樂作品的襯托下，更具情節表現力，音樂和電影情節互生靈魂，讓觀眾身臨其境。以歌劇在電影中的精彩重生為例，電影《肖申克的救贖》講述了被誤判無期徒刑入獄的銀行家安迪，在監獄中堅守“希望”的信念，忍辱負重，在長達20 年間用一把小錘鑿出地道成功越獄，重獲自由，以此揭露了監獄系統黑暗腐敗內幕的故事。“希望”是這部電影的核心主題，電影中最動人的段落對這一主題進行了深刻闡釋。安迪憑借自己的過人之處逐漸獲得監獄長的信任，在一個平常的午后，安迪以工作的名義進入廣播室，反鎖屋門，打開唱片機和高音喇叭，把唱片機的聲音放到最大。任憑獄警在外喊叫砸門，在整個監獄的犯人和獄警詫異的目光中，安迪在躺椅上閉眼享受此刻，不惜為此被關黑屋一周。此時唱片機里響起的是莫扎特創作的著名歌劇《費加羅的婚禮》片段，這一片段是歌劇中第三幕伯爵夫人和蘇珊娜一起給伯爵寫信的二重唱。在電影場景中，這首旋律優美的女聲二重唱，伴著眾多犯人從驚呆到陶醉的目光，響徹整座監獄，它所呈現出的空靈、純凈的聲響與充滿戾氣、仇恨、絕望的環境形成鮮明的對比，此時的歌劇音樂無疑是“希望”“自由”“光明”的代言詞。在電影中，這段音樂也是重要的轉折點，安迪用自己的行動告訴了他的摯友瑞德，“希望”不可怕，有“希望”才能繼續有意義地活下去，為電影結尾他們在碧海藍天的沙灘重逢做了鋪墊。

鋼琴曲在電影中的運用非常廣泛，它能在超脫琴鍵的精彩音樂情景中重生，通過猶如精神引領般的呼喊聲，在電影中表達精神、展現人性，羅曼·波蘭斯基導演的電影《鋼琴家》就是這樣的一部極具代表性和深度的戰爭電影。電影講述了波蘭鋼琴家席皮爾曼在第二次世界大戰期間被迫離開淪陷的祖國，開始生死未卜的逃亡，直到遇見一位被他的鋼琴曲打動、酷愛音樂的德國軍官，席皮爾曼在德國軍官的保護下堅持到勝利到來的故事。這部電影不是傳統意義上的音樂傳記電影，但電影中出現的鋼琴曲，尤其是肖邦的幾首作品，串聯起了整部影片，是敘事鏈條上不可或缺的重要元素。在電影開場，鋼琴家席皮爾曼在電臺中平和地彈奏肖邦的《升c 小調夜曲》，直到德軍的炮彈突然從天而降砸穿屋頂，受傷的席皮爾曼被迫終止演奏，和平瞬間被打破，殘酷的戰爭來臨。這首直到肖邦去世后才公布于世的夜曲，充滿了憂傷、低沉的情緒，契合了電影開篇主人公命運因戰爭而瞬間改變的悲傷基調，也為電影后續的敘事埋下伏筆。影片中，顛沛流離的席皮爾曼被朋友安置在德軍醫院對面的公寓避難，屋里赫然擺著一架鋼琴，這對席皮爾曼來說是巨大的誘惑。他習慣性打開鋼琴，但冷酷的現實告訴他此時絕不是彈奏鋼琴的時候，于是就有了影片中席皮爾曼在想象中彈奏鋼琴的超現實畫面，此時響起的是肖邦的《波蘭舞曲》。此外，電影中還有肖邦的《第一敘事曲》，這首曲子委婉內斂又有爆發點，使主人公雖然無法真實觸碰到琴鍵，但依然忘情投入想象中的演奏，盡管只是短暫的安寧，但這首作品流暢的音樂感受所帶給他的慰藉和對未來的憧憬卻彌足珍貴。最后，主人公獲救后舉辦音樂會演奏時的狀態與落難時的狀態形成鮮明對比，經歷過戰爭才知和平的珍貴，鋼琴音樂是治愈心靈的良藥，也是精神的升華點。

很多人認為古典音樂并非大眾易于理解和可以普及的藝術，但當古典音樂和電影情節融為一體后，卻為影片的敘事、情感表達以及整體氛圍做出了重要貢獻，也使觀影者得以輕松讀懂音樂所表達的內涵。鋼琴和歌劇這類古典作品在電影音樂中的作用各具特色，歌劇憑借其強烈的戲劇性和豐富的音樂表現力，增強了影片的戲劇性，營造出特定氛圍，展現文化背景，并將情感推向巔峰；鋼琴則以其細膩的表現力和豐富的音色，被用于細膩地表達情感、氛圍的營造和主題的表現。二者的運用可以使電影音樂更加多樣化、富有層次，又因為古典作品本身的價值，而為電影帶來耳熟能詳的音樂體驗。同時，電影情節也賦予經典音樂作品新的情景意義，古典音樂得以在劇情中獲得重生，擁有全新的深刻表達。既給觀眾帶來更加豐富且深刻的視聽體驗，也向大眾的精神世界傳遞和升華了人生百態的內涵境界。