聲樂表演審美特征及其藝術實踐

祁偉耿

〔摘 要〕聲樂表演屬于音樂表演的分支，而音樂表演是藝術這個大系統里的一個分支，所以聲樂表演中會體現出藝術本身最根本的特征：審美性。這主要體現在聲樂表演是主觀認識與客觀存在的有機結合，是一種氣韻生動、形神兼備的美。除此以外，聲樂表演中的審美特征對于實踐具有特殊的指導意義，對于演唱者的要求提升，作品本身得到二次創作，對教育方式也有一定的影響。

〔關鍵詞〕聲樂；審美特征；藝術實踐

聲樂在演唱方法上總體分為民族、美聲和通俗唱法，民族唱法是各民族自己的唱法，這源自各國不同的文化習俗傳統。對于我國一個民族眾多的國家來說，民族唱法多姿多彩、源遠流長，而美聲唱法則不同。美聲唱法由西方傳入，它萌芽于意大利。大約在16世紀末，美聲唱法伴隨歌劇的產生應運而生。美聲唱法誕生時間雖早，但真正傳入我國是五四運動時期，由一批有識之士帶入中國，在近一個世紀的演變中，美聲唱法融入了一些本土因素后也多了一些中國韻味，所以筆者下文將提到的聲樂演唱中的審美特點及對于實踐的指導意義，不僅適用于民族唱法本身，更是所有聲樂演唱共同的審美特征。

一、聲樂表演的審美本質

藝術的本質就是人對世界的認識，而區別于科學、哲學、法律、文學等其他學科，藝術的不同就在于藝術是用審美的眼光去看待世界，這也是藝術最本質最深刻的特征。審美就是用美的眼光和美的心態去看待世界和改變世界。審美本身是一種無功利的行為，是一種人感受到客觀事物后的刺激與情感的產生，是具有個體差異性的，是一種客觀事物作用于主觀心理后產生的主客觀融合物。

聲樂包含于普遍的藝術之中，一切聲樂表演的最根本價值，跟藝術一樣，就是審美價值。所以，不論是各民族獨有的民族聲樂藝術，還是外來傳入的聲樂表演藝術，其核心和本質都是為了體現音樂的審美價值，核心就在于美的體現，讓觀眾在表演的全程中得到美的體驗，領悟美的內涵，是聲樂表演最根本的意義。

二、聲樂表演中的審美特征體現

1.客觀存在與主觀能動性的結合 聲樂表演是由演唱者在充分了解一首曲目之后，根據自身的生活經歷、知識背景以及個人對于音樂的理解來展示這首作品的過程，而觀眾對于表演的反饋就在很大程度上決定了表演的成功與否。要完美演繹一首歌曲，歌者首先要做到對客觀存在的事物的熟知，即對歌曲本身的音符、音調、音高、節奏等音樂元素的準確把握，這是對于作曲者的尊重，更是演繹歌曲的基礎。在此基礎之上，歌者應了解歌曲的背景、情感、作曲者的心態、聽者的心理，然后融入自身主觀價值判斷，在各種元素融合之后的舞臺表演，才能稱之為真正的表演。

音樂是一種二維的時間藝術，而表演是一種三維的空間藝術。音樂的時間性表現在音樂是流動的藝術，隨著時間的流逝會產生不同的情感與內涵，前一秒的激昂也許會變成下一秒的靜寂，上一拍的跳躍感也許變成下一拍的柔和感，但舞臺表演不全然是這樣，它不僅需要時間的流淌，音樂本身的變化，更需要一個或一群人的舞臺表現力作為支撐，這是一個空間藝術，舞臺的表現好壞與否，就直接來源于表演者前期對于歌曲本身的理解是否到位。所謂聲樂表演，不僅僅是一種對于音樂的演繹，更是一種對于歌曲內涵的詮釋，所以聲樂表演是一種客觀存在與主觀認知的完美結合。

2.“形神兼備”“氣韻生動”的審美特點 東晉畫家顧愷之提出的繪畫原則中的“形神兼備”一詞發展至今，這一美學原則可以適用于各種藝術領域，包括音樂。所謂“形”就是物質本身所展現出來的外在特征，在美術上表現為作品給人的視覺體驗，在音樂上則展示為歌曲本身的旋律節奏連貫性等音樂元素帶給人的感受，而“神”則是作品的精神面貌，這不僅要求演唱者準確演繹歌曲本身，而且還要求演唱者準確把握作品深刻的內涵，做到以外在的表演表現出內在的神氣。“氣韻生動”與“形神兼備”一脈相承，是南朝畫家謝赫在《古畫品錄》中提到的繪畫六法中的第一法，是其他五法的根基，是繪畫中最重要的品質，這同樣適用于筆者所說的聲樂表演。所謂“氣韻生動”就是“聲”、“形”、“情”、“神”的一種藝術感受，演唱者遵循“氣隨情生”“情隨氣轉”的演唱原則，按照 “義、情、氣、字、腔”的規律來演唱，以此來做到氣沉丹田、以氣托氣，用“氣”去表現“韻”，才可以達到一種“氣韻生動”的感覺。由此可見，聲樂表演中只有做到表演與歌曲融為一體，對于欣賞者來說才可謂是一場音樂上的饕餮盛宴。

三、對實踐的指導作用

1.作品本身的“再創造” 聲樂表演的“再創造”指的是表演者在表演的過程中對于作品本身進行的藝術再創造，這其中包含了改變和聲配置、節奏、曲風及演唱方式等等。這是在尊重原創的基礎上，滲透演唱者自己的想法，使音樂既保留最原始的形象，但又多了一重原曲所不曾有的風格，給觀眾帶來新鮮的刺激感，此時的演唱者變成了第二個創作者。但音樂想要完成二次創作并不簡單，做到既沒有使原曲面目全非，還讓曲目完美傳達了自身的特色，這需要演唱者擁有深厚的音樂功底，首先是對于曲目有充分了解，就像筆者上文提到的表演是客觀存在與主觀創作的結合，這前提就是必須把握客觀存在。其次就是有著新的想法，這樣才能融入作品。以戲劇表演為例，演唱者不僅要把握劇情發展方向，了解作品內涵，體會故事情感，更要把握作品的藝術特征，在腦海中對作品的演出效果進行想象，然后將自認為合適的改編融入作品中去，由此一來，演唱者才會通過“二度創作”把無聲的藝術作品轉化為有聲的藝術形象，才能體味聲樂作品二次創作所帶來的美感與快感。

2.演唱者形象的提升 就像上文中提到的那樣，歌曲的完美演繹離不開一個好的演唱者，好聽的歌曲總是需要好的嗓音來匹配，所以從審美的角度來看，聲樂表演過程中除了具備情感的創造性之外，也要在形象上作出創造性的變化。這首先表現在，演唱者在作品中是否加入了獨特的風格，這樣的話，表演自然也要顯示自身的特點，這是作品新風格的外在體現。其次是對新元素的存在進行精準到位的闡釋，使觀眾對于改編后的作品可以在心理和生理上更容易接受，并得到觀眾和原曲作者的認可。聲樂表演從古至今一直有著生生不息的魅力，這來源于很多優秀的原創作者，但更離不開演奏家們優秀的完美的演繹過程，因為悅耳，所以流傳。聲樂所具有的優勢，一方面來自傳統的藝術形式和表演技巧，另一方面來自后人的傳承與演變，這既是一種復古，更是一種創新，對古老的文化做出現代時尚元素的優化，這樣才能讓優秀作品永流傳，而所有流傳的核心都在于審美的展現。

3.教學品質的提升 在教學過程中，老師所能教給學生的大部分是技巧性內容，比如發聲方式、音高音準、發音咬字、身體形態等，而對于歌曲的內涵老師只能提供淺層指導，對于真正的音樂深處所蘊含的內在含義，更需要學生自己細細品味。但是很多學生在表演中都會出現用聲音和技巧歌唱，而不是用心和感情去歌唱的問題，這就要求老師要盡可能地向學生講述作品的產生背景，作者生平、作曲家的創作風格等背后的故事，提升學生聲樂表演的綜合水平能力，防止在舞臺上用幾個僵硬的動作來替代歌曲感情的情況發生。在聲樂教學中，教師要培養學生學會用肢體和表情去刻畫人物性格，在舞臺上做到一顰一笑都生動自然，舉手投足間將一切表現得在情理之中，卻又在意料之外，向觀眾展示出聲樂表演本身最美的一面。另外，在校聲樂生甚至可以搭配一些其他課程來學習，比如舞蹈的基本功訓練，以此提升肢體協調能力，提高舞臺表現力，使形體和聲音的最佳配合來演繹最美的旋律。

總之，聲樂作品的生命力來源于每個人對同一首歌曲不同的演繹，大眾的審美心理不同，也就意味著每一種不同美的傳達都會收到美的回應。所以聲樂表演本身的審美特征對于藝術實踐的指導意義是非常強的，只有在對作品有了充分理解和把握、加入演唱者的再創造、融合肢體所詮釋的作品美之后，才可以在不斷積累舞臺經驗的同時，獲得對于聲樂表演的更深層次的認識和自身能力水平的不斷提升。

（責任編輯：曉芳）

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