理論在審視藝術時的意義

卜順晨

〔摘 要〕本文從莫里斯·魏茲的理論出發分析藝術定義的意圖，進一步探討其開放性與封閉性概念的意義。此外，淺析到關于藝術定義運用中判斷與審美的作用，與當下其中運用法則的缺失，在開放性概念中出現的審視與創作作品的問題。以及在審美差異無法克服的前提下如何提升大眾審美。

〔關鍵詞〕定義；開放性；封閉性；判斷；審美

一、藝術定義的意圖

定義的巨大作用在于疏導和規避，我們試圖給事物一標準定義，便于對其加以分類和區別。事物在定義的疏導下運作得井井有條而非雜亂無章。這便規避了大量因為無序而產生的錯誤。然而在藝術之中，定義的位置自始至終都不是絕對穩固的。藝術是一個巨大又龐雜的體系，它有悠久的過去，也極其活躍于當下的舞臺，并擁有無限和難以揣測的未來。藝術的定義為何？其本質是什么？是否存在一條既充分又必要的條令讓我們能為藝術清晰的定義？哲學家、美學家等就著力為其尋求一個可靠并有效的定義。我們非常習慣充滿定義和條文的世界，同樣我們根據定義來指導一系列活動，根據定義我們可以建立最行之有效的方法并納入經驗為以后的實踐活動提供行動指南。另一種情況也不算少見，那就是定義的打破。對定義的打破是多重因素共同作用的后果，但看一下打破定義之后發生了什么，我們恐怕會為之發笑——建立起新的定義。定義自誕生到打破再到新的定義被設定及未來可能的再次打破，變動可能會一直發生，而不變的是我們對于定義的需要與追求。

回顧藝術史中無數的定義，比如柏拉圖的模仿說就在藝術定義上占據了相當長的一段時間，藝術家在此定義中是模仿者的身份，是對現實與上帝理念的模仿之后的第二次模仿，模仿的結果是對真實之物的再現與逼真的還原。我們先觀察一下這種定義的形成要素，先存在的是以模仿/再現為歸類與定義的繪畫藝術，然后出現的才是對它定義的概念。我們暫且不討論當時的藝術以及后世相當長的一段時間里，藝術創作為何以真實的再現為目的以及它們的動機、時代原因或政治原因。我們能夠確定的是這一定義根據當時現行藝術呈現的樣貌來敲定的。換句話說，如果在當時出現了印象派繪畫，也許柏拉圖的定義會因此發生改變。我們可以得出這樣一條結論：藝術的定義是根據其時代中藝術作品所展現出的狀態而形成的。而這樣的結論對于日后其他藝術定義形成的分析是具有同樣效用的。譬如后世出現藝術品的情感說，這一定義的盛行可見是由于一定時期內藝術創作傾向的轉變，從模仿與再現到作者情感的表現，原先的定義已不足以包容下藝術品所呈現的態勢，新的概念就此出現。但從另一視角來看，新的定義并不是對舊的定義的取代，確切地說應該是一種完善或與先前的定義并行，情感說的流行之下意味著這一時期內以情感表現為定義的作品占據上風，但這完全不等同于一幅作品歸屬于情感說的定義就完全脫離模仿說的定義。只是新定義的包容彌補了舊定義中的不足。

定義是對藝術當下發展大潮流的總結。它為我們提供了一個很大的定義項，盡管時不時還會有新的概念融入這個定義之中，但它還是為我們提供了一個可參考的支柱。藝術定義的指導性是極為顯著的，藝術本身作為一個變體，對它的研究、界定、審視、鑒賞各個方面都是相當有難度的，而定義的指向性則為我們開出一條通道。至今仍有相當多的群體將對真實地再現作為作品評判的標準；情感說也使得部分人將情感表現作為一項重要的判斷依據。對于藝術作品體現的定義要素去考量和審視藝術作品，許多藝術活動也由此順利展開。

藝術的定義往往從藝術品中來，而藝術品中又蘊含了時代、社會等諸多因素，如果說藝術創作是完全主觀或無意識的活動那無疑是無稽之談，目的性背后體現的是多種因素凝聚后的動機，定義的歸納則使他們變得清晰。但我們不難發藝術的定義都是停留在一段時間，而隨著藝術的發展，藝術的定義也在不斷推陳出新，先前的定義雖然依舊存在，但其效用已減弱了很多。

二、開放性與封閉性的概念

藝術的定義隨著作品的發展有時超前于它，也有時會落后于它，但總體保持了一個同行的態勢。定義的發展我們在前面就已經說明它的演繹并不是徹底推翻前一個定義，在他的變化形態上我們可以將其分為兩類。

第一種是延伸型。新定義在舊的一個基礎上進行調整，與其說是一新一舊兩個定義，不如說它們仍然是一個定義。新定義包含了舊定義并在其基礎上延伸以容納下藝術作品中舊定義所不能兼容的部分。盡管還是一個定義的存在以適用藝術的概念歸類，但它較之前一種定義已經發生改變，或者說這是一個動態的定義與概念。

第二種是并存型。有時新的流派下的藝術作品所展現的理念與外顯形式是與過往的藝術作品截然不同的，新的作品幾乎沒有延續舊作中過多的要素，舊的定義明顯不能通過延伸的方式來得以繼續沿用。因此，為了更好地有一個定義來歸類新藝術作品的概念，新的定義應運而生。這是我們有必要關注的一個問題是：舊的那個定義去哪了？舊的定義并沒有因此為消逝，它僅是隨著新定義的盛行而消沉一段時間而已。就像在現今，當代藝術風靡的時代，作品的創作形式多種多樣。當代藝術明顯不可用之前的模仿說或情感說單一的來審視作品，而新的定義，譬如戀物、美感制作、假扮、文脈等概念在當代藝術的審視中并駕齊驅。所以新定義與舊定義也只是時間上出現的先后順序而已。

在嚴謹的科學邏輯中，定義所具有的重要特性是唯一性，自我們開始學習自然科學起便接觸了無數的定義，將其中的各種各樣的事物詳細的分類。而這些定義基本上可以說是一成不變的，當然，除非發現它們是錯誤的或不夠準確，在重新定義之后它又將變的一成不變，甚至我們可以說他追求的就是一成不變，這是一種永久的實用性。

將藝術的定義與自然科學的定義做一個比較我們會發現它們定義中的特性恰好是彼此所沒有的。藝術定義的使用是可延伸以調整其適用性的，對一項藝術品的定義歸類也可以從多角度出發，多種概念共同適用，藝術的定義則是開放性的概念。但對于自然科學等學科，它們的定義具有的巨大特性便是唯一性，它不可輕易地根據情況或對象而調整，只能是對象根據自身的特性來進入到概念的分類中，這樣的概念便是封閉的。封閉的概念更易于我們理解與接受，因為它的唯一性賦予了其概念一個區間，而且這個區間通常是穩定的，對于其指導的活動而言有一套清晰的規則恪守。而開放性定義下的概念恰恰相反，在開放性定義中審視事物是較為復雜的，沒有一份讓我們憑借來指導活動的唯一標準，如果一定要加以界定或評級，那將是一個綜合的標準，依靠的是界定的目的和方向。如藝術類的比賽競選活動會定有主題；征集活動會設有形式與風格的要求；基金會更傾向于支持在當下時局具有廣闊發展前景的藝術項目。

一個嚴重的錯誤傾向是試圖在不加任何前提條件的情況下企圖將開放性概念置于封閉的概念中進行分析。開放性的概念所不具有的就是唯一性，試圖以封閉性的定義來解析一個開放性的集合是極不合理的。如果僅以傳情來定義藝術作品，那些不具有此特性但極為寫實還原或觀念性強烈的作品便都不可謂之藝術品。如此一來，藝術的豐富性和多元性乃至包容性都會受到極大的沖擊。

三、判斷與審美

定義的重要性是在運用中得以體現的，沒有運用的必要也就沒有制定這一定義的必要。

首先，我們將某物描述為藝術品時，等于我們對這件物品進行了一次判斷，經過判斷界定其為藝術品。正如我們前面所分析的藝術定義作為一個開放性的概念，它的判斷條件并不是唯一的。當我們判斷某件物品為藝術品時就意味著我們在這件物品身上發現了其中屬于藝術概念的要素，所以我們會做出這件物品是藝術品的判斷。這里的判斷之中暗含的意味就是對一件物品屬性、種類的判斷，這就是一種歸類。但這種判斷存在的問題在于：它僅僅是一次判斷，而不包含任何質量及程度上的判斷。我們認定了這件物品是藝術品，但對于它的優劣在判斷中是沒有涉及的。有一個經典的判斷句是這么說：萬物皆藝術。從開放性的角度來看這并不是一個錯誤的判斷。開放性概念中是眾多概念的集合，在任何一個物件上我們總弄從中發現他能夠歸屬與定義的要素，無論是形式上還是理念上。但如此一來我們非常有可能會進入另外一個極端：萬物皆不是藝術。沒有充分又必要的條件判斷某物一定不是藝術品，但也沒有充分又必要的條件判斷某物一定是藝術品。我們會意識到在沒有前提情況下（如展覽、競賽的選拔）憑借判斷的依據是比較分散的。如此引發了一系列的問題，似是而非的藝術品流行起來，藝術品的頭銜被任意的冠名給它們；藝術品的創作機制變得松散等。這些問題出現的最基本原因就是藝術定義運用另一層面的缺失而引起的。

除了藝術概念的描述性——判斷用法之外，另一層重要的用法則是評價性/審美。對于有些說辭傳遞藝術作品無優劣的觀念絕對是不負責也是愚蠢的，這樣的說法其中就有開放性概念下異化的“萬物皆藝術”的痕跡。試想如果藝術品無優劣等級之分，那么藝術教育、審美教育的目的何在。這完全就是給那些勉勉強強稱之為藝術品，但質量低下的作品打掩護。評價性/審美的用法體現的是我們對藝術品美感的審視，這種美感是接受的是多元角度合助的美感。評價性/審美與描述性/判斷綜合的運用才能最好的冠以一件物品藝術品的頭銜，這表明的不僅僅是判斷（某物是一件藝術品）也是評價（這是一件不錯的藝術品），通常情況下不見得每件藝術品都可以達到審美中的頂峰，所以每個個體都會在心中有一個關于評價的基本數值，達到這個數值的藝術品才可真正成為一件藝術品，并且是一件不賴的作品。但如果沒有達到的話，它依然符合了判斷的標準而僅是不夠評價的標準，那就只能說明這件物品也許能夠成為藝術品，但它的程度是很低的，也許僅是一個藝術品形成的初級階段，尚未完成的階段。不然就是已經完成，但由于作者能力或意外等原因而顯得拙劣。

四、在差異中提升審美判斷

此時，我們會意識到評價性用途存在巨大的個體差異問題，在審美的基礎上進行評價由于這種差異會導致藝術品優劣界定難以統一。這樣的差異是無法解決的，并且開放性的概念更是加劇了這種差異，但允許差異的存在就是承認并允許了藝術的開放性與多元性。如果不是要進行選擇，而是較為單純的審視就會有兩個階段。第一階段，這是一種個人偏向的階段，審視的主體更青睞于何種定義，更認同與何種定義，那他就會憑借這一定義去品味一件藝術品。如果作品不能較好地反映和表現該定義之中的要素，那么審視的主體可能會得出的結論就是這件作品一般或不怎么樣。第二階段：審視的主體達到的是一個比較成熟的階段，感覺敏銳、態度細膩同一、擁有實踐經驗、善于分析對比、不抱有偏見的人才能更好地鑒別出作品中的好的成分①。具備了如此良好的條件才能決定藝術品的優劣。這時的審視不再以個人傾向來審視，而是運用知識、能力來全方位的感知藝術品。從每個不同的角度審視作品。如此才是在開放概念下最理想的辦法。

我們需要尊重個體差異性的不同，它是與個體的個人經驗、生活環境、知識閱歷息息相關的。觀者作為一個龐大的群體，對作品投去的判斷與審美是源自所有的觀者，跨越時代、種族、階級、生平，即使其中充滿偏見、不解、不公等消極因素，但對于作品的最終界定一定是合情合理的也是公正公平的。

在藝術品的質量上，從作者這一方面加以校正顯得尤為必要。并沒每個大眾群體中的個體都能熟練運用藝術的概念去進行描述/判斷或評價/審美。這是必須要承認的一點，創作者需要從自身做出一些改變，作為從事藝術領域的人群有必要將最好的作品呈現出來，在非藝術品/藝術品質弱的作品與藝術品/藝術品種強的作品這條橫在兩個端點的線路上努力靠近后者，而不是利用大眾運用藝術概念能力不強的弱點，在這條線路上隨意的游走。當作者創作出高質量的作品，并在大眾的視野中呈現出來時，大眾群體的審美意趣也會逐漸提高，即使是在開放性的概念中也可以力圖破除固有的陋見，以較高的審美視角來審視藝術品，而不是審丑的視角來區分藝術品。

（責任編輯：牧鑫）

注 釋：

①摘自《什么是藝術》（The Nature of Art）托馬斯·E·沃特博格著，李奉棲等譯

參考文獻：

[1]《什么是藝術》（The Nature of Art）托馬斯·E·沃特博格著，李奉棲等譯

[2]《美學中理論的作用》（The Role of Theory in Aesthetics），莫里斯·魏茲著，選自《美學與藝術批評期刊》（Journal of Aesthetics and Art Criticism）