淺析肢體訓練在聲樂教學中的引入

［摘 要］ 聲樂的肢體表現影響歌者自身歌唱技術和表演形象的構建，是展現音樂藝術魅力的直接載體。隨著相關醫學理論的發展和儀器設備的更新，發聲已揭開了它的神秘面紗，由看不見轉變為看得見。同時，相關的人體動力學與歌唱的交叉研究也說明肢體表現映射發聲結果，發聲結果可通過肢體表現，同時佐證了肢體訓練在聲樂教學中的必要性。肢體訓練在聲樂教學中的使用符合當今研究趨勢，可以豐富聲樂教學方式，增添聲樂教學手段，完善聲樂教育體系，充實教學的模式、形式和內容。

［關鍵詞］ 肢體訓練；聲樂教學；聲樂表演；歌唱

［中圖分類號］ J604.6" " ［文獻標識碼］ A ［文章編號］ 1007-2233（２０２4）07-0104-03

作為一種表演藝術，聲樂和同為表情藝術①的舞蹈、戲劇、戲曲、影視等綜合表演藝術②相同，都或多或少地包括以恰當的肢體調整和舞蹈動作對儀態、肢體表現能力進行訓練。對于聲樂藝術來講，這種訓練不單純是為了觀賞，而是聲樂的歌唱性質本身所決定的。

聲樂是人類文明史中的一門“資歷”深厚的古老藝術，也是一門年輕的藝術。隨著現代醫學的發展，聲樂藝術中發聲原理顯得越來越清晰，人體解剖學與人體動力學的相關研究發現了人作為發聲體，肢體協調運作對聲音質量的影響。

之所以稱音樂為表現感情的藝術，是因為它可以非常直接地喚起人們的情感，中國有句古語稱作：“絲不如竹，竹不如肉?！笨梢姼璩硌菔潜砬樗囆g中的直接之直接，是最能夠表達人類自身感情的藝術門類之一，而肢體表現則是聲樂藝術表達內容的直接介質。因此，針對聲音技術及表演的肢體訓練在聲樂教學中顯得尤為重要。

一、肢體訓練在聲樂教學中的必要性

（一）肢體訓練合乎聲樂發聲本質

肢體訓練在聲樂教學中不容忽視的作用是由歌唱活動性質所決定的。聲樂藝術本身是發聲技術，也是人類社會表情藝術的體現，發聲和藝術表演皆離不開肢體的運動，肢體訓練對于聲樂技術的輔助作用不言而喻。

發聲是肢體配合的結果，是一種身體的、肢體的運動。物體震動碰撞，產生聲音，人體由于空氣進出，身體骨骼、肌肉協作，最終由兩片聲帶發出聲響。聲帶左右對稱，如若不發聲，兩聲帶之間呈V形的聲門裂張開，使口鼻吸入的空氣能夠順利進出；發聲時，兩側聲帶拉緊，聲門裂變窄，從肺部和氣管沖出的氣流相互碰撞，不斷沖擊聲帶的層層肌肉，從而引起振動發聲。男性聲帶相對女性較長而寬，因此音色較為低沉，如果不考慮共鳴腔體，只論本身聲帶發聲則稱為基音?；艚浫梭w各個共鳴器官發展成為我們熟知的聲音。

發聲在肢體的運動中完成——以上這一系列發聲動作由呼吸器官、相關肌肉和骨骼運作，而動作的任何微小變化都會牽涉到它們的運作，可見，肢體的合理使用在聲樂表演中可以使發聲更高效，正確的肢體訓練則是發聲結果的良好保障。

（二）肢體訓練合乎聲樂表演性質

聲樂表演是一種身體的、肢體的運動。對音樂藝術來講，演唱技術關乎肢體表現，而肢體表現體現作品表演，貫穿于整個二度創作的過程中。無論何種流派、何種作品和何種演繹方式，聲樂藝術表演最終落實于舞臺上表演者的舞臺肢體語言，即他們的表現、表演，一顰一笑、一言一語、一唱一和、一坐一臥、一跑一跳等一系列來源于生活或高度提純后的舞臺肢體動作。因此，聲樂藝術表演和其他表演藝術相同，在教學中也必須包括系統的形體訓練。肢體動作輔助聲樂表演，表演者的動作是觀眾了解其內心情感的窗口，也是人物豐滿、情節充盈的細枝末節。肢體表現與歌曲旋律和歌詞呈現的內容、情節相吻合，是作品語言的表現共生。

因此，作為音樂藝術家培養的重要一環，聲樂教學應充分認識肢體訓練在聲樂藝術表演中的重要作用，尤其重視肢體訓練手段在聲樂教學中的引入。

二、肢體訓練在聲樂教學中的角色

在聲樂表演的學習過程中，教師常常針對演唱對身體姿態進行指導。聲樂學習者被要求要有一個好的歌唱狀態，而好的狀態離不開合適的形體。

（一）肢體狀態影響聲音質量

拋卻戲劇需要，國內外的聲樂教育家在長期的聲樂教學理論中通過對歌唱姿態與發聲的探討，發現在歌唱技術方面，僵直、呆滯的肢體動作是不受此藝術門類的歡迎的。歌唱發聲中的肢體表現被強調的有姿態挺立、雙眼相對平視、雙腳打開與肩寬持平、雙肩自然落下，重心保持在兩腿之間等，這些要求都是出于對聲音質量，也就是歌唱呼吸、發聲、共鳴等因素的考量而決定的。

人的身體本身就是發聲樂器。世界上沒有完全相同的兩個人，也不可能有完全同樣的軀體，和指紋一樣，完全同質化的聲音是不存在的。因此，作為歌唱者來講，一個人的成功經驗并不一定能在他者身上應驗，這也是聲樂教學中的一個常見困惑。

除了上面提到的呼吸器官和發聲器官，實際整體地參與到人類歌唱活動中的人體器官和（或）組織，包括并不限于上皮組織、結締組織、肌肉組織和神經組織、骨骼等，還包括頭部、頸部、軀干、四肢等部位。以各個組織為框架形成人體各個腔體，比如顱腔、胸腔、腹腔等。歌唱時全身做工，肢體各個部分（包括關節、骨骼和肌肉）與腔體在歌唱活動中協調運動，它們的做工效率決定了聲音效果。

由此可見，肢體狀態可以直接觀望聲音質量。事實上，有經驗的教師在教學中可以通過對學生肢體動作的觀察感受學生的身體緊張程度。

（二）肢體狀態反映表演效果

肢體表現在聲樂藝術表演中除了保證發聲質量，體現聲音質量和身體、肢體的天然原始聯結，也是表演者自身體驗和表演效果的基石。

肢體表現在聲樂藝術表演中承擔著表演是否和諧，表演者身心是否協調的關鍵作用。也就是說，聲樂訓練應在人體組織的動態活動中進行，歌者聲音高低、聲音色彩隨著音樂要求的高低、速度、節奏等在一呼一吸中變幻，是一個統一的有機體，如若配合有度，彼此相得益彰，表演者才會從表演藝術中得到寶貴體驗，呈現和諧的演出效果。

肢體表現在聲樂藝術表演中承擔著審美主體感受表演魅力的職責。二次創作藝術意味著歌者直接與觀眾接觸，觀眾不是從樂譜中看表演而是直接從表演者的表演中觀看，作為審美主體的觀眾依靠的是表演者的形象和全方位的肢體表現，也因此，演員肢體表現就成為最直觀的審美材料。

肢體表現在聲樂藝術表演中也承擔著藝術作品精神成功傳遞的職責。如果說創作者，如作曲家、劇作家等構建了作品的藍圖，建造作品骨架并賦予作品精神，那么表演者就擁有著雙重身份：他們不但是至關重要的作品傳遞者，更為作品增加顏色，豐富了血肉，還是作品的加工者，擁有一定的創作空間。聲樂表演藝術與其他表演藝術相同，每位歌者的不同形象和肢體的不同韻味都給觀眾不一樣的審美感受，同樣的作品，在不同人的演繹下呈現出不一樣的質感，即使是同一個人，也會在不同時期、不同場次的表演中映射出作品的不同光澤。

三、聲樂課堂引入肢體訓練的作用

（一）教學方式豐富

聲樂課堂引入肢體訓練可以豐富聲樂教學方式。為滿足人們的審美需求，推進民族聲樂藝術發展，聲樂教學需要合理科學地引入更加符合當今研究趨勢的、科學的手段，構建多元化聲樂教學方式，完善和健全聲樂教育體系，實現對教學模式、教學形式和教學內容的充實。

聲樂課堂引入肢體訓練可以實際動作反饋聲音狀態，為聲樂教學增添教學語匯。聲樂曾是不得見而得聽的藝術。由于過去科學技術發展水平所限，對于發聲原理的現實應用更多傾向于哲學理念性的、激發想象的講解。而當今，通過專業儀器探測，發聲過程明了清晰，聲樂已成為聽得著也看得見的藝術，基于現代人體動力研究的肢體訓練在聲樂教學中可以更加直接地幫助教學。

（二）教學理念優化

從自身感受出發的肢體訓練實際上較少地受特定的發聲方式和預判音響效果的限制。我國是一個統一的多民族國家，不同民族具有不同的民族意識、風俗習慣、生活特色，造就了各民族藝術各有千秋。比如陜北民歌、蒙古長調等音樂，更是這些地區的特色音樂文化，因此，在我國聲樂教育歷史中一直伴隨著對于發聲技術是否科學、聲音審美偏好以及民族文化體現等話題的討論。為了在吸收西方古典唱法的同時發展中國特色，由20世紀40年代的國立音專開始，高等教育機構音樂專業的聲樂系根據學生意愿和自身條件等因素將唱法分為民族唱法和美聲唱法，這種方式已經走過了快一個世紀的時光，但這些討論仍在持續。用適當的肢體訓練輔導發聲不但使聲音能較少地受到流派、審美等刻板印象的影響，也能降低因追求某種流派特色而在發聲中消耗的多余肌肉力量。

在聲樂課程中加入適當的肢體訓練實際上能夠在一定程度上補足傳統聲樂課基本由教師主導的狀況。典型的一對一聲樂課基本由練聲、曲目講解和曲目演唱三者構成，而這三個環節無一例外是以教師為中心，即以教師的動作為主導的。除對曲目詞曲的講解之外，練聲和演唱也多以教師聆聽從而提出要求，學生執行的方式進行。而輔導聲音的肢體性訓練卻是建立在學生個人感知的基礎之上，教師在對學生進行肢體調整或訓練的過程中，觀察和詢問為第一環節，后續調整也基本建立在學生自身反饋之上。

四、肢體訓練在聲樂教學中的實際引入

（一）歌唱的肢體理念

肢體行動參與人的發聲關乎聲樂演唱技術，也參與表演呈現。在聲樂教學中，要兼顧表演肢體和歌唱肢體。人類的歌唱活動需要全肢體參與，歌唱在身體內外活動中進行，歌唱時的呼吸也是有講究的。有意識的發聲活動要求歌者的一呼一吸都要合理分配，頭部、頸部、軀干、四肢也同樣需要處于合理的狀態。

好的歌唱肢體有助于科學發聲，歌唱姿勢的訓練要從學習伊始就著手。因為身體的使用狀態和氣息的協調穩定息息相關，身體使用高效，氣息就穩定、持續，反之則導致氣息不穩，聲音連貫性受到影響。歌唱的肢體并沒有具體的限制，總體上說，可以包括以不妨礙發聲為前提的一切人體常用姿勢，盡管角色表演所需的肢體行動是千變萬化的，但通常站姿、走姿、謝幕、上下臺都涵蓋在一般表演內。

（二）“靜”中的歌唱肢體

歌唱時的站立姿勢是歌唱肢體中的相對靜止狀態，是歌者的常用姿勢，好的站立姿勢是表演者達到聲情并茂、形神相兼藝術追求的先決條件。站得直在世俗禮儀中是被肯定的，中國古人講究“站如松”，說的也是站得直。一般來說，好的站立姿勢離不開“挺胸”“抬頭”“收腹”“雙腿并攏”這些關鍵詞，對于歌唱來說，卻不能簡單復制禮儀要求中的標準站姿。

好的站立姿態應當是活動自如的預備，是保證氣息流動的基礎。站立在一些人們的印象中是靜止狀態，但這種靜止只是相對靜止，在歌唱活動中更是要在“靜”中保持“動”態。發聲是氣息流動的結果，頭頂虛空，氣沉丹田離不開彈性的身體，尤其是腰腹胸腔。歌唱的站立不應僵硬，而應能讓歌唱的氣息流動自如，給歌手的動作預備條件。

好的站立應當肩頸松弛，腿腳有彈性。呼吸的主體是人的軀干，好的呼吸帶來的是飽滿的軀干視覺。環繞在肩頸的肌肉是多層次而有力道的，它們上通頭部、下至鎖骨，肌肉緊張程度可以直接引起聲音使用上的過度或欠缺。站立時人的腿腳基本保持直立，不應過于前后傾倒，腿部和踝部也不可過度繃緊，以免影響其他肢體部位的活動和氣息下沉。

要檢驗歌唱的站立肢體是否達到以上要求，可以簡單對各個關節進行小幅度活動，通過檢視其是否可逆轉進行調整。

（三）“動”中的歌唱肢體

一旦參與到演唱發聲，歌唱肢體就更體現它“動”的一面?！皠印敝械母璩w主要有歌唱表演進行中的肢體動態。歌唱行走要在保持良好的站姿平衡的前提下自然進行，同時應與歌曲情感相應和，契合歌曲的基調。重唱、合唱還應考慮互動性。

演唱時不隨意搖晃身體，保持穩定，能為歌唱供應源源不斷的氣息，利于共鳴，令觀眾信服演唱內容。常見的歌唱肢體問題，除了身體搖晃以外，也會出現身體過于倚靠鋼琴、手腳打拍子、身體不協調或出現不符合演繹作品調性的動作，這些動作影響整體的演出效果。肢體中的四肢律動應該出于情感推動，給人真實體驗感受，眼神與面部表情也該相應統一。

在表演中，舞臺形體還受到演出形式的影響。對于古典歌唱來說，無論是中國還是外國藝術歌曲作品，一般都采用在音樂廳或沙龍上演出，并有鋼琴、室內樂或一定體量的管弦伴奏，歌者在這種環境中無需左右走動，活動范圍有限，也無需過多的動作。古典聲樂表演不要求復雜的唱跳動作，肢體自然、不影響發聲仍然為行動的要素。如果演出唱段選自歌劇，則需要跟隨舞臺設置，調度走位。

結" "語

古希臘時期，在柏拉圖和亞里士多德對音樂的討論中就提到了音樂和人類精神的聯系、音樂的教育作用。中國對音樂藝術“高臺教化”的說法也古已有之① ，聲樂藝術要求演唱者必須有自身的想法，能夠真誠地面對藝術，只有以音樂的形式傳達給受眾，才能有極致的藝術感受。在此基礎上，歌唱者需要有扎實的發聲技術、舞臺基本功和良好的心理素質，并以自身的文化素養、真實的生活體驗掌握塑造藝術作品的能力。一個好的歌唱者要對藝術美的法則熟稔，有能力分辨，有能力思考，能用表演揭示作品深度。

肢體表現正是成功傳達聲樂作品的重要載體。歌唱姿態、歌唱體態、歌唱肢體的使用是聲樂表演藝術的關鍵組成部分。理想中，一個合格、成熟的藝術家應對人體組成、人體動力學及美學有最基本的認識，肯定正確的歌唱肢體所產生的積極的審美價值，有能力樹立正確的形體表演藝術觀點。對各個時期的音樂和歷史有著基本的了解，有能力把握作品風味。

聲樂的肢體訓練應當是包容的，允許個體的理解和表達。各個表演者有取有決，在不脫離作品本質，不損傷作品風格的前提下，在藝術審美的指引下可允許個性化的發展。聲樂的形體表演應該深入藝術本質，回歸作品表達。這才是表演本身能夠雋永的秘訣。肢體表現的動靜之間，不浮躁而直指藝術真實，不趨流行，忠于本心，與歌唱者的歌聲和整體視覺形象相結合，使受眾能夠得到視聽感受雙重美，方是聲樂肢體訓練的切實價值。

（責任編輯：劉露心）