亨德爾《彌賽亞》中詠嘆調的音樂分析與演唱研究

陳展宙

〔摘 要〕巴洛克時期，有一位極其有價值的著名音樂家名叫亨德爾。他一生創作了很多優秀的作品，其中最著名的是《彌賽亞》詠嘆調，堪稱巴洛克時期的經典。詠嘆調是《彌賽亞》作品的重要部分，而這些重要部分由女高音詠嘆調與男中音詠嘆調組成，它對演唱者的水平要求很高，演唱者在演唱時需注意細節的處理，因為如果細節處理得不好，將會功虧一簣。

〔關鍵詞〕亨德爾 《彌賽亞》 詠嘆調 男中音 音樂分析 演唱

亨德爾是巴洛克時期最偉大的音樂家之一，《彌賽亞》是他享譽盛名的作品，自從它問世以來，不斷流傳，已有兩百多年的歷史。亨德爾的音樂創作天賦全部地體現在了《彌賽亞》里。詠嘆調是《彌賽亞》作品的重要部分，而這些重要部分由女高音詠嘆調與男中音詠嘆調組成，這些詠嘆調對現在的美聲演唱有著較大的參考價值，同時對一些學者研究詠嘆調和意大利歌劇演唱的區別，也有極大的幫助。

一、亨德爾及其《彌賽亞》

十八世紀初，在巴洛克時代的哈勒城的一個小市民家庭里誕生了一位著名的英藉德國作曲家，他的出生為人們帶來了許多不可思議。剛開始的時候他只是跟著當地的風琴師學習音樂，從剛開始的音律學習慢慢發展到學習作曲，在這中間經歷了十分艱苦的過程，出師后，他就成為了漢堡歌劇院的提琴師。1905年，他創作的《阿爾米拉》和《尼羅》展示到人們面前，人們開始對他關注。他的目標不僅僅是被人們所重視，他還有更高的目標，并且他一直在為自己的目標奮斗，在1706年到1710年之間，他到處游歷，目的就是有更多更好的創作思路，為自己的創作加入新的元素，他不僅僅接觸了不同國家的文化，而且在藝術研究上也達到了一個新的高度。1709年，他創作的具有意大利特色的歌劇《阿格里皮娜》問世了，受到了大多數意大利人的喜愛。1712年，他定居在英國，為英國的音樂事業做出了巨大貢獻，同時他經常給貧困地區捐款、獻愛心，或者在當地舉行不收費的演出，這樣既可以讓更多的人欣賞到自己的作品，還可以提高知名度。1741年，亨德爾又到了愛爾蘭首都柏林，這是一個十分浪漫的地方，他在此創作了大量作品，并且舉行了很多場大型音樂會。在同一年，他開始創作《彌賽亞》。根據書籍記載，他創作《彌賽亞》共耗時23天，從1974年8月22日到9月14日，《彌賽亞》的出現，改變了人們對清唱劇的認識，它不僅僅是清唱劇，還融入了個人特色。《彌賽亞》的感情基調是雄偉、壯烈，可以稱之為清唱劇的史詩級別的作品。亨德爾的一生都在創造新的作品，他的主要作品有：三十二部清唱劇，分別為《以色列人在埃及》、《參孫》、《猶大馬卡白》以及最出名的《彌賽亞》，歌劇分別為《水上音樂》、《森林音樂》、《煙火音樂》等，還有四十六部歌劇，十一首管弦協奏曲、四十二首大協奏曲，以及大量的室內樂、組曲、序曲等等，其中《彌賽亞》中的《哈利路亞合唱曲》影響最大，幾乎大街小巷人人傳唱。

《彌賽亞》大致分為三個部分，一共有五十三個章節，它的每一個部分都講了不同的內容，主要內容是贊美耶穌。這部作品用詠嘆調的形式表現了耶穌來世的預言、降生，以及為了人們而選擇死去，最后又復活的過程，著重體現耶穌的偉大，運用了多種樂器體現耶穌艱辛坎坷的一生。這部作品不僅僅是體現了音樂的本身，它更是體現了他對音樂研究方面的努力。

二、《彌賽亞》中男中音詠嘆調的音樂分析

1、作品介紹。《彌賽亞》詠嘆調的主要部分是男中音，它由五首歌曲組成。《彌賽亞》創作于巴洛克時代，所謂巴洛克，意為不合常規。巴洛克（Baroque）一詞本義是指一種形狀不規則的珍珠，在當時具有貶義，人們認為它華麗、炫耀的風格是對文藝復興風格的貶低，但現在人們已經公認，巴洛克是歐洲一種偉大的藝術風格。《彌賽亞》全劇分為三個部分，這三個部分又分別講了不同的內容，分為序曲、詠嘆調、重唱、合唱、間奏等57首分曲，第一部分敘述圣嬰耶穌的誕生；第二部分是關于耶穌為拯救人類，四處傳播福音以及受難而被釘死于十字架上的經歷；第三部分則是講耶穌復活的故事以及贊美詩。這部作品不僅僅體現了人們對宗教的虔誠感情，更體現了亨德爾的水平之高，這是目前亨德爾所創作的少數表現宗教內容的作品中最出色的一部。

《彌賽亞》的五首詠嘆調在整部作品中起了錦上添花的作用，并且為整部作品奠定了感情基調，起到了遞進作用。這部作品的主旋律的整個感情基調是優美的，整個作品和聲洗練，音樂風格緩慢，大膽地使用西西里民間樂器風笛是非常有創意的，使人眼前一亮，感受到這部作品的不同之處。這部作品的每個部分都需要很高的技術才能演繹，且都具有藝術性，至今還在和聲學教學中被廣泛采用。整部作品十分經典，其中的情節仿佛一個個故事般使我們留下了回憶，其中最有影響力的是“哈利路亞”這段，它以其震撼的氣勢，洗練而悠長的旋律，以及教堂圣歌的莊重典雅，而成為傳世佳作。

亨德爾的《彌賽亞》之所以被稱為經典，其中一個原因便是它的廣泛傳唱（包括以英文及其他許多語言，當然英文唱的最多），同時它也是基督徒耳熟能詳的圣樂。其中以「Alleluia」大合唱最為著名，無論是合唱團還是圣歌隊都傳唱過這首曲子，它影響了一代又一代人，就像膾炙人口的詩篇一樣，深入人心。1942年4月13日在愛爾蘭首都柏林的首演是非常成功的，當時演出人數是這樣分配的，首演時有18人詩班（6位男童女高音，共有8位男性演唱者，其中有4位男高音和4位男低音，還有4位女低音），這部作品共使用了33種樂器，其中包括弓弦類樂器4種，分別是2支低音大提琴、3支大提琴、4支中提琴和12支小提琴；管樂器3種，分別是2支小喇叭、4支巴松管、4支單簧管，還有1架管風琴和1組定音鼓，樂器之繁多，可見陣容之強大。

在《彌賽亞》第一次公演時，演唱到高潮《哈利路亞大合唱》時，英國國王站了起來并且跟著旋律一起演唱，在場的全體公民肅然起立，跟著國王唱起來，之后就形成這樣一個慣例：只要《彌賽亞》這部作品演唱到《哈利路亞大合唱》，在場的所有人就會全部站起，并且跟著一起唱，這并不是一種硬性要求，而是一種信仰，以表示人們對此部作品的尊敬。

在1789年，歐洲最偉大的古典主義音樂家之一莫扎特重編了樂譜，樂譜的改變使演出的人數大大增加，也提高了樂曲的知名度。同一年在倫敦就有275 位人聲及248件樂器的記錄，由此可見，《彌賽亞》的影響之大。事實上，《彌賽亞》不僅僅是一部作品，它更是精神食糧，它就像我們現在說的“雞湯”一樣，可以使人們受到心靈上的鼓舞，許多醫院被重建或是改善得更好，許多基督教徒聽了它之后更愛主、愛人，讓這個世界都充滿愛。

2、作品的藝術特色。首先要說的是這首作品的演唱音區，它并沒有將音區設置得過高，這樣就避免了男中音出現破音的情況，可以使男中音更好地發揮。其次這首作品的風格符合清唱劇的特色，但又不是只有清唱劇，還穿插了一些自身特色在里面，使人意猶未盡。一個好的演唱對于伴奏的要求是極高的，伴奏和演唱需要互相融合，用伴奏來提升作品的色彩。

三、《彌賽亞》中男中音詠嘆調的演唱分析

1、男中音聲樂技能的呼吸控制。演唱方法即根據你所唱部分的感情基調來決定你的情緒，如果感情基調為悲傷緩慢的，演唱者就應該多聯想自己所親身經歷的不愉快的事情，在歌聲中體現出來這種情緒，如果感情基調是熱情歡快的，就要聯想自己比較開心的事情，表達自己的開心。目前發現，聯想法是最快且最有效的方法。呼吸方法是口鼻同吸，但是不能用力過猛，用力過猛就會吸僵，整個上半身如果過于僵硬的話，是不可能唱好的，并且不能提胸、提肩。演唱時，不應該讓氣先出去，如果是氣先出，就會讓人感覺你的聲音有些“虛”，也就是有氣無力的意思，并且聲音會很小，傳播范圍也會減小，演唱時不能緊張，要注意高低音位置的改變，循序漸進。其實演唱時，就如同一塊冰塊在緩慢地融化一樣，慢慢地滴水，不停地滲透地面，或者是毛毛蟲破繭成蝶的最后一步，只差那一步，毛毛蟲就會變成蝴蝶，這個過程是很艱難的，然后要注意有頭腔共鳴，要有“三腔共鳴”，即頭腔、胸腔、口腔，演唱并不只是嘴巴的事情，你的全身都在思考，思考怎樣演唱才能唱好，這就要求每一位演唱者必須集中注意力，將自己所學到的演唱方法與舞臺經驗相融合，才能在舞臺上更好地進行演唱。

2、個別地方的特殊處理。在演唱時要對作品有一個充分的了解，例如它是哪個年代的作品、它的創作背景是什么、它的創作目的是什么、它是被誰創作的等等，只有充分了解了這些問題，才能更好，更有體會地去演唱它。演唱者必須注意每一個細節，在細節處理方面要細心，在《角聲響起》這一片段中，它的基調是莊嚴、神圣的。唱詞“and we shall be changed”（我們應該改變）重復了十次。在重復的過程中，應當發生一定的改變。還有在節奏、感情方面一定要注意，每一個節奏都要精準，尤其是帶附點的節奏必須要注意，少唱一拍或者多唱一拍都不可以，就會使整個樂曲聽起來很不協調，但是有些地方并不一定要完全按照譜子唱，比如說，在某個地方加上上滑音或者加上下滑音，就會使這個曲子的感情色彩更好地體現出來，讓整個曲子聽起來更身臨其境，使人沉醉其中，從而更好地欣賞音樂，更加直觀的看待音樂所要體現的主要內容以及中心思想，還要多增加自己的肢體語言與面部表情變化，使自己的表演看起來不那么麻木，變得生動有趣，著重體現自己所表演的人物特點，要有其自身特色，不可只是干巴巴的演唱，這不只是對觀眾的一種尊重，更是對自己的一種嚴格要求，若是不能嚴格要求自己，效果就會大打折扣。

參考文獻：

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