淺析當代話劇導演對經典作品的重新闡釋

趙穎

【摘 要】隨著時代的發展，現代人的欣賞思維和認識水平有所提高，這就要求戲劇導演在對同一劇目的藝術解釋上有其獨特的發現，或者在演出傳統劇目、保留劇目時有新的發掘。針對這些問題，本文以曹禺的經典作品《日出》為例，淺析當代導演對經典作品在二度創作上的重新闡釋。

【關鍵詞】導演；經典作品；二度創作；新闡釋

中圖分類號：J804 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125（2017）08-0004-03

中國傳統戲劇歷來就是“明星制”，“導演制”是隨著19世紀末小劇場運動推出的，進而用“導演制”取代了“明星制”，事實上，中國戲劇是在張彭春和洪深統籌排戲之后才出現了“導演”。之后，中國戲劇的發展狀態也令人悲喜交加。可喜的一面是，戲劇藝術的統籌和計劃更理性，有更明晰的努力目標，能夠更好地完成戲劇演出的最高任務。可悲的一面是，部分導演意志太強，容易左右戲劇舞臺的趣味，左右戲劇文化創造的流向，這些都很可能對戲劇發展造成不良影響。尤其是對一些經典話劇的重新排演，導演更應該趨利避害，排演出具有時代意義的作品。經典作品不僅可以傳承我們的民族文化，體現我們的民族精神，而且更貼近人民群眾生活。

首先，現代快餐文化對人們的影響越來越大，大家在這樣的文化氛圍中越來越注重娛樂性，追求一些無意義的東西，并且不斷丟失自我，忽視了內心真正的聲音。經典話劇作品觸碰到現代觀眾的精神困惑，讓大家與自己的靈魂進行對話和反思，這也是讓我們靜下心來傾聽內心聲音的機會，這樣社會才會穩步向前發展。

其次，經典的話劇作品不會讓民族文化丟失，讓經典的文學作品得以傳承。對我們來說，最重要的是可以通過經典話劇培養一代代觀眾，促使話劇不斷地發展。

經典話劇作品的發展在很大程度上受到“經典”的局限，因為其“經典”，所以具有傳統性和時代性，它和我們現代生活距離很遠，我們不可能讓一部傳統話劇穿上現代的服裝說著現代的語言，把它改得面目全非，這樣這部作品非但不具有經典的特質，而且會讓人啼笑皆非。

經典話劇作品發展的局限性還在于戲劇組成中最重要的一部分——觀眾。現代人生活節奏快、壓力大，人們更愿意消費快餐文化和解壓文化。從主觀上說，經典話劇作品受到很多新興媒體的沖擊，例如，大家打開電視就可以欣賞節目，不用花錢到劇場看戲，而且經典話劇作品在幫助現代人解壓方面沒有很大作用。從客觀上講，由于現代觀眾的文學素養不夠深厚，知識閱歷也不夠豐富，因此經典話劇的觀眾上座率不高。

經典話劇作品發展的局限性還在于劇本語言。其劇本語言往往體現了那個時代的說話方式和審美影響，例如，楊立新排演的話劇《雷雨》上演時遭到觀眾的頻頻笑場，就是因為演員的臺詞、表演過于夸張，與觀眾形成了代溝。

如何讓這些經典話劇作品在保留原汁原味的同時又受到觀眾的喜愛，這就是導演在二度創作中面對的最大挑戰，本文結合經典話劇作品《日出》，淺析導演如何對經典作品做出重新闡釋。

一、尊重原劇、精研原劇本——以任鳴導演的第四版《日出》為例

（一）最大限度呈現劇本主題

一部戲劇作品之所以能夠成為經典，在于劇作家通過劇本傳遞出來的主題。導演在排演之前，最重要的就是用心讀劇本，要回到“劇作家”的身份，回到經典本體，這樣才會對劇本有正確且深刻的認識，才能最大限度向觀眾呈現經典作品的“經典”之處。

以任鳴第四版《日出》為例。曹禺先生的《日出》是大家很熟悉的作品，任鳴對其進行過其他三個版本的排演，如現代的都市生活、現代的衣著裝扮，雖然離觀眾的審美很近，但是離原著獨有的韻味卻越來越遠，在觀眾看來似乎也缺少某種東西，細細想來，這樣的改編其實是對劇作家注入劇本的精神主題沒有進行很好地詮釋。

其實很好理解，《日出》這部劇的經典之處就在于它揭露了半殖民地大都市紙醉金迷的生活，是在向觀眾控訴“損不足以奉有余”的社會風貌。導演把它的背景改成現代大都市，實際上是丟失了《日出》的主題思想。

任鳴汲取了前三個版本的經驗，在進行第四版創作時，他沒有改變作品的時代背景，原汁原味地保留了其原本風貌，只是對大篇幅的臺詞進行了刪減，但是怎么刪、刪什么又是個問題。很多人對第四版《日出》的第三幕內容的刪減爭議頗多，因為它不符合戲劇結構的“三一律”。這一幕任鳴刪掉了過場人物啞巴、黃省三的戲，著重表現小東西、方達生等與陳白露息息相關的人物，使得這部戲看起來流順通暢。因為在他看來，《日出》的第三幕是作者對人性的深刻探討，這樣的探討并沒有使劇本看起來冗長，反而更加突出作者想要表達的主題思想。所以任鳴的二度創作抓住了作者對人性的深刻認識與批判，通過這兩點來表現主題，把“經典”在舞臺上淋漓精致地體現出來。在筆者看來，這就是第四版《日出》改編的成功之處。

總的來說，導演對經典劇本進行二度創作時，應該注重表現劇作家想要表達的核心思想，從劇本中挖掘出能體現主題的內容，將其提煉成一個具體的舞臺形象，并且在舞臺上著重表現此部分。

（二）最大限度地減少對劇本語言的改動

部分經典劇本的創作年代與當下觀眾所生活的年代不同，它的語言具有那個年代的特點，這一點對于一味追求“顛覆式”重新解讀經典的導演來說是相當棘手的，但是在筆者看來，導演要對經典作品進行重新闡釋，恰恰不能改動的就是作品的語言。這么說看似很矛盾，其實不然。經典作品的創作年代確實距離現代觀眾所生活的年代有些遙遠，語言也許晦澀難懂，但是這些語言恰恰是作品不可分割的一部分。

經典作品經久不衰的重要原因，就是它給予了導演很大的創作空間，供后人挖掘和闡釋的地方有很多，語言當然也具有這個特點——空間性大。在任鳴導演的第四版《日出》中，沒有改動原著的臺詞，因為這個劇本的語言本身就具有魅力，可以供人思考。例如，劇中陳白露最經典的臺詞“太陽升起了，黑暗留在后面，但是抬眼不是我們的，我們要睡了。”這句話仁者見仁，智者見智，我們無法評判某種觀點的對錯，這就是經典臺詞的魅力，也是筆者所說的經典作品中語言的重要性，因為經典作品中的語言會隨著時間的推移越發顯得深刻。

再如田沁鑫改編的莎士比亞戲劇《羅密歐與朱麗葉》，去掉了莎士比亞的經典語言，取而代之的是“北京腔”，雖然拉近了觀眾與外國作品的距離感，但是能夠觸動觀眾靈魂的元素已經不復存在了。

所以，在筆者看來，導演在對經典作品的重新闡釋上，應該最大程度減少對劇本語言的改動，或是做到“只刪不改”，盡量保留原汁原味的語言，挖掘出蘊含在其中的深層含義，才能找準定位重新演繹經典作品。

二、對劇本做出新的解讀——以王延松導演的《日出》版本為例

（一）新的敘事方法

曹禺的作品被大家稱作“經典”，但是大家太過于熟悉，就會缺少一些新鮮感，這也是經典作品失去觀眾的一部分原因，導演在二度創作中不能忽視的就是這個問題。經典作品其實更需要導演以現代人的眼光來進行創新，也就是說，導演對經典作品的二度創作應該是“老劇新讀”，只有導演對其做出不一樣的闡釋，增加它的新鮮感，才能吸引更多的觀眾。

王延松在他的《日出》中就很好地做到了這點。以往人們認為，《日出》這部劇是對“損不足以奉有余”的舊社會進行批判，在導演王延松對劇本的解讀中，發現如今這個物欲橫流的社會恰恰和曹禺筆下的社會有著驚人的相似之處，曹禺更加注重的是對社會的批判，而王延松以社會對人精神的壓榨作為重點入手。

在現代社會中，人們的社會責任感越來越淡，個人意識越來越強烈，王延松以“個人救贖”對《日出》做出新的解讀，更加適應了現代人的情感需要。在王延松的解讀里，靈魂人物陳白露的個人救贖便是故事的支柱，正是因他對原著有了新的解讀，從而帶來了新的敘事方式，即整部劇以陳白露為第一人稱來講述故事。該劇最大的特點便是導演運用“兩個陳白露”來表現主題，一個是現實生活中的陳白露；一個則是內心深處的陳白露。這樣的表現手法更加體現出陳白露這個風塵女子深陷物欲橫流的社會又不能放棄“日出”的復雜心情，在最后一刻進行“心靈的自我救贖”，讓觀眾在感同身受的同時，又有所反思。由陳白露作為第一人稱的敘述方式，不僅讓觀眾感到新鮮，也讓觀眾清楚地理解了陳白露為什么會最終選擇“死亡”這條道路。

（二）新的演出形態

除了新的解讀帶來了新的敘述方式之外，還帶來了新的演出形態。曹禺的《日出》第三幕是否保留，一直受到各方爭議，因為這幕戲沒有陳白露出場，顯得很“跳戲”。但是，在王延松看來并不是這樣的。他認為，第三幕是整部戲的核心。在王延松的解讀里，“陳白露的自我救贖”是整部戲的主題，而對她產生這種影響的關鍵人物就是在第三幕出場的“小東西”，在王延松看來，“小東西”直接影響了陳白露最后的選擇，所以他在第三幕中讓陳白露作為敘述者，在舞臺表現上，分為上下兩個區域，上部分的表演區域是陳白露的；下部分的表演區域是“小東西”和翠喜的。陳白露敘述著“小東西”和翠喜的故事，同時她也和觀眾站在了同一層面上，成為這件事情的觀察者和思考者。舞臺上的陳白露看著“小東西”死去，便說：“我救不了她，如同也救不了我自己……”“小東西”的故事讓陳白露看到了自己，而翠喜的遭遇則讓她明白，如果不進行自我救贖，就會像其一樣“活在死中”。

第三幕是陳白露對“自我救贖”的一種思考，所以說這一幕是王延松版本《日出》的核心，因為有了“自我救贖”這個新的解讀，因此第三幕帶給觀眾不一樣的意義，也帶來新的表演形態，讓陳白露同觀眾一樣，成為整部戲的觀看者和思考者。

因為對經典作品的重新解讀，使得頗受爭議的《日出》第三幕變得尤為重要，它以一種特別的敘述方式和演出形態呈現在觀眾面前。“老劇新看”不僅讓觀眾感受到經典作品的藝術魅力，同時也在經典中反思自我。

三、研究觀眾心理

吸引觀眾的注意力是戲劇演出最基本的標準，維持觀眾的注意力則是體現導演創作的能力。如果以傳統的《日出》劇本進行表演，肯定無法吸引觀眾，因為觀眾對該劇作太熟悉了。要是開篇都不能吸引觀眾的注意力，那么接下來的劇情也很難讓觀眾保持觀看熱情，所以說，經典作品如何能在開篇就巧妙地吸引觀眾的注意力，是非常重要的。

王延松的《日出》以“陳白露之死”作為故事的開頭。眾所周知，原著是以陳白露的死亡作為結局的，因此，這樣的開篇對觀眾來說無疑是個刺激點，更能吸引他們的注意力。在這里我們需要提到的一個概念就是“隨時注意”，所謂“隨時注意”，就是觀眾知道得越多，其注意力會越集中，即觀眾在知道結果后會更加注意導致這個結果的過程。王延松的《日出》就是巧妙地運用了這一點。

在對經典作品進行創作時，首先要把盡量多的結果展現給觀眾，從而引發觀眾的觀看熱情。其次，吸引觀眾的注意力是觀眾觀劇的前提，觀眾有了情感上的共鳴，才能更好地體會劇情，投入到劇情之中。戲劇情感具有體驗性和外顯性，體驗性是指觀眾通過戲劇能夠體驗角色的悲歡離合、喜怒哀樂；外顯性是指這些情感體現在人們的表情上。

經典話劇往往不能引起觀眾的情感共鳴，主要原因就是它所描寫的社會環境和人物離觀眾有些遙遠，觀眾無法感受那個時代那些人的真實情感，自然也就很難把自己的情感同劇中人物的命運糾葛在一起，無法在劇中找到共鳴。因此，導演就需要對現代人的心理進行分析，再結合經典作品所蘊含的同樣心理，將其放大，從而引起現代觀眾的情感共鳴。王延松的《日出》就做到了這一點。

劇中，王延松把陳白露的自我救贖和觀眾的自我救贖有機結合起來。陳白露既享受這個物欲橫流的社會，又渴望走出這個陰暗的社會，迎接自己的“日出”。觀眾看到她仿佛看到了自己，從而產生心理共鳴，自然而然地將情感帶入其中。

在《日出》第三幕中，王延松導演把陳白露和觀眾放在了同一個層面上，讓陳白露和觀眾一樣，做為一個事件的觀察者和思考者。陳白露和觀眾一起看著“小東西”死亡，看著翠喜“活在死中”的樣子。讓陳白露說出了觀眾想說的話，引起了觀眾的情感共鳴。

經典作品觀眾群較少的原因，可能也是因為其陽春白雪式的敘述方式。現代觀眾之所以很難理解經典作品所蘊含的意義，很大程度在于導演沒有很好地闡釋出劇作家的創作意圖。經典作品表達深層含義的方式往往和中國人的語言習慣一樣，并非直接說出，而是非常委婉地表達，而且經典作品所表達的作者精神有些晦澀難懂，因此，導演就是觀眾與經典作品之間的橋梁，也是經典作品流傳下去的保障。

導演如何讓觀眾理解作品的主題呢？在筆者看來，就是要先弄明白觀眾不理解什么，然后導演對其做出解釋，導演不僅要站在劇作家的角度思考問題，也應該站在觀眾的角度思考問題，這樣才有助于導演對經典作品的重新闡釋。對于《日出》，現代觀眾最不理解的問題就是“陳白露為什么選擇死亡”，在現代觀眾看來，包養陳白露的潘月亭沒錢了，她完全可以再找另外一個“潘月亭”。王延松導演為了讓觀眾理解陳白露為什么會選擇死亡，特意用第三幕戲來做解釋。

《日出》第三幕，導演讓陳白露站在舞臺表演區的上方，讓她目睹“小東西”的死是為了讓其看到過去的自己；讓她看到翠喜的生活方式是為了讓其明白，自己再這么活下去就如同翠喜一樣“活在死里”。這樣的處理讓觀眾很容易理解陳白露為何會選擇“死亡”這條道路。

導演通過對觀眾的注意力、情感投入等的研究，從而使經典作品吸引更多的觀眾，并且使其具有創新性。所以，研究觀眾心理是導演對經典作品進行重新闡釋時不容忽視的一個方面。

四、結語

導演在經典作品重新解讀上應該遵循這樣幾個原則，第一，對經典作品應該保持尊重，不能為了迎合觀眾而對其主題和語言進行曲解。第二，導演對劇本進行二度創作時，應該用心熟讀劇本，并結合自身經歷對劇中人物進行思考，以這個作為突破點來進行創作，讓經典作品更具有創新性。第三，導演不能作為一個獨立的個體來進行二度創作，而是要研究現代觀眾的審美心理，要思考如何引起觀眾的注意力、如何讓觀眾理解、如何引起觀眾的情感共鳴。

以上三項原則可以讓觀眾更好地欣賞經典話劇，體會經典話劇。還有最重要的一點，即導演應該重視觀眾的反饋，這樣有助于對作品進行更好改進，也會讓觀眾對經典話劇更加喜愛，讓經典話劇傳承和發展下去。

因此，在筆者看來，導演如果對經典話劇進行二度創作時能遵循以上三項原則，那么，對經典作品的重新闡釋將會有很大的啟發和幫助。

作者簡介：

趙 穎，云南藝術學院，研究方向：導表演理論與實踐。