音樂聽覺審美在鋼琴教學中的培養路徑思考

鮑捷

【摘? ?要】音樂聽覺審美的培養是教學過程中必不可少的環節。音樂最終是以聲音呈現出來的藝術，通過聽覺才能直接感知到音響色彩，并進一步引發內心情感。因此，在鋼琴教學中，培養良好的音樂聽覺審美是掌握一切演奏技巧的前提，亦是關乎演奏技巧如何服務于音樂的問題。本文以此為切入點，對于音樂聽覺審美在鋼琴教學中的培養模式進行思考和探討。

【關鍵詞】內心聽覺? 審美? 鋼琴演奏? 演奏技巧

中圖分類號：J624.1文獻標識碼：A 文章編號：1008-3359（2023）13-0099－06

鋼琴演奏教學是以實踐為主的教學過程，有很多細節都要從演奏中去解決，并通過研習大量不同時期、不同風格和體裁的曲目，全面掌握演奏技巧。在教學的不同階段，教師會非常重視對演奏技術的訓練，這也是通往正確詮釋藝術作品的道路。長期以來，音樂專業教學面臨的最大挑戰是對學生音樂感知力，即樂感的培養，這是掌握一切演奏技巧的前提，也是直接關系到演奏技巧如何服務于音樂的問題。在教學過程中，對于如何培養樂感，激發學生的審美欲望，建構他們的審美思維是教育工作者需要持續深入探討的問題。而音樂作為一種聲音藝術，演奏者首先應該是一個聽覺學習者，通過聽覺感知到音響的色彩，引發內心情感變化，并在此過程中產生一系列思維活動，它也是與人類的心理活動密切相關的。

一、音樂聽覺審美概述

音樂作為聲音的藝術，首先是直接由聽覺感受到的。音樂的感知過程，可以理解為耳朵把聽到的聲音和信息輸送到大腦，而后開始一系列思維創造的過程。在音樂界，人們通常把聽覺分為外在聽覺和內心聽覺：外在聽覺也就是直接聽到的演奏或演唱，好聽的旋律，或是帶有律動的節奏，都能在第一時間給人帶來感官上的刺激，外在聽覺也可以說是對音樂外在形式的直接領會；內心聽覺則更側重內在心靈和情緒上的感應，是“想象音樂應該的樣子……內在聽力不只是曲子開始時感覺一下，乃是自始至終的，幾乎與演奏同步進行的”。內心聽覺并不是通常意義上所指的“聽”，而是通過積極的且帶有思想性的聆聽，在頭腦里對音樂作品的結構、音響色彩等形成敏銳、細膩的感知，因而“聽”是對音樂作品更深層次的理解。在演奏過程中，“聽”能夠引領演奏者始終專注地把內心想象的音色和情感詮釋出來。

音樂聽覺審美的首要因素是聽覺感知，也就是聽覺在音樂活動中認知能力的建構和思維過程。正如藝術領域心理學家把視聽知覺活動看為一種思維活動，音樂聽覺感知也往往被看作是聽覺對音樂的思維活動過程。美國音樂心理學家戈登認為，音樂聽覺不僅包括音樂意象等活動，而且包括對音樂更深層次的理解。“聽覺思維是指一個人在音樂聲響實際并不存在的情況下無聲地聽和理解音樂。當然，在音樂聲響存在的情況下并不妨礙聽覺思維。”這樣的表述方式實際上和音樂界通常所說的內心聽覺相似；另一方面，西方傳統觀念認為，感知和知覺只是收集信息的初始階段，而思維有邏輯，而且具有概括的能力，往往被認為更高級。西方現代美學流派之一“格式塔心理學美學”認為，感知和知覺具有與邏輯思維相類似的概括能力，其代表人物之一的阿恩海姆指出，“被稱為思維的認識活動并不是那些比知覺更高級的其他心理能力的特權，而是知覺本身的基本構成成分……這些認識活動是指積極的探索、選擇、對本質的把握、簡化、抽象、分析……還有結合、分離、在某種背景或上下文關系之中作出識別等。”同樣，在審美意識參與下，聽覺感知在長期的音樂實踐中得以逐步發展和整合、日益完善，進而得到最終的審美體驗。

從創作、演奏、欣賞三個環節來看，音樂無不以追求“審美”為最終目的。音樂的特別之處在于，它不同于其他藝術門類，諸如繪畫、雕塑可以創造出可視可觸可感的空間造型事物，而是通過樂音的運動形式構成的兼具抽象與具象的審美感知。也就是說，雖然音樂看不見、摸不著，且具有高度的抽象性和模糊性，但同時音樂又是有“造型”的，這種造型通過流動的音響形態而體現出來，具有即時性特點，因此，音樂審美活動本質上是通過聽覺感知音響對象的一個過程。

面對音樂音響的轉瞬即逝，演奏者需要擁有良好的聽覺反饋機制，并立即對演奏質量進行判斷，在這一過程當中，始終帶有思考性的聆聽無疑成了最重要的方式。演奏者通過反復聆聽，應該對特定的音樂形式、音響色彩、風格特點等建立良好的聽覺記憶和經驗，并通過這些關系在內心塑造音樂形象，進行音樂構思，并更加深入地理解音樂作品內涵。比如鋼琴這門樂器的特征是在觸鍵后聲音立即開始衰減，若要彈出圓滑且富有歌唱性的樂句，就必須使樂音連貫地奏出，并在內心預先感知到旋律音色和力度層次，以此引發相應的觸鍵方式，在這個過程中，還需要有意識地關注自己的感受，從整體結構角度出發，有意識地確認自己的演奏力度，明確自己的音響色彩。因此，演奏者對于聲音審美的追求是通過內心想象力和內心聽覺的思維構想來實現的。

筆者在長期教學中觀察發現，雖然很多學生經過專業訓練后已經擁有相應的聽覺感知能力，但部分學生對于什么是真正的聆聽、以何種方式聆聽，他們仍然時常感到迷茫。換言之，學生尚未完全在聽覺審美上形成正確認知，自然也就無從判斷自己的演奏質量。針對這一問題，筆者提出了一些聽覺審美感知在鋼琴教學中的培養途徑及方式。

二、鋼琴教學中培養音樂聽覺審美的途徑

（一）重視音樂形象的塑造

“一個鋼琴家聲音的質量主要依靠他的思維構想，依靠他彈奏聲音的內心想象力。”在鋼琴教學中，培養學生的音樂聽覺審美能力是非常重要的。教師需要通過演奏示范和解釋向學生傳達好的音色概念。但是，對于缺乏音樂聽覺敏銳能力的學生來說，這個過程可能會變得困難和低效，其原因在于部分學生缺乏相關的聽覺經驗和想象力，不能在內心和耳朵之間構建起音樂元素關聯。而在音樂作品中，每一部分的音樂元素都是緊密相連的，通過音響逐步呈現，聽者才能從流動的樂音中感受到其中傳達出的情感信息，并最終獲得作品完整的音樂形象，這也是音樂區別于其他藝術形式的特征。練習鋼琴需要花費大量的時間去做重復性技巧訓練，在這個過程中，學生會覺得反復通過技術練習可以獲得彈奏上的“安全感”，而忽視了聽覺意識的敏銳性，聽覺感知在長期無意識“關閉”狀態下，很容易變得懶惰。因此，教師需要思考如何幫助學生在練琴過程中強化對傾聽的重視，并逐漸培養他們富有創造力和想象力的內心聽覺。為了培養學生的音樂聽覺審美能力，以下是一些教學措施和學習方法。

1.通過樂譜建立音樂聽覺形象

在學琴過程中，如何正確讀譜是最基本的要求，同時也是最容易被學生忽視的環節。樂譜是作曲家以文本的方式記錄下來，必須要有演奏者將樂譜符號轉化為音響形式，音樂作品才能得到最終呈現。學生在看譜時往往會忽視大量樂譜上的信息，以為演奏的就是在樂譜上看到的，但實際上并沒有重視傾聽這一環節。因此，在讀樂譜的同時（這里是指已經能夠熟練掌握樂譜的情況下），就要充分訓練學生內心聽覺上的能力，也就是把譜面上的符號在內心轉變為旋律音調和節奏律動，并通過譜面上的信息產生音色上的聯想，構建出特定的音樂形象和情感聯系。長此以往，也能集中學生在聽覺上高度的專注力，并且能更好地捕捉譜面上的細節，感受到音樂作品本身的表現力。

2.借助語言或文字描述和詮釋聆聽的內容

教師需要借助能夠讓學生理解并能引起共鳴的語言，幫助學生較快地領會其需要的音色。在教學中，教師可以用語言“描述”音色的方式，通過審美聯覺功能，讓學生增加想象和分辨音色的能力。比如，要學生彈出輕聲且充盈著泛音的音色，教師可以借助“銀鈴般的”“悠遠的”“閃爍的”“天鵝絨般的”音色等形容詞來表達，同時運用相關聯的觸鍵方式去嘗試，讓學生充分發揮想象力，調動觸覺、視覺、味覺等聯覺功能，在語言能夠表達的范圍之內詮釋聆聽的內容，這樣可以極大地在課堂上調動學生的聽覺感知和聯想意識，在提升語言幻想能力的同時，加強自我傾聽和自我分析的能力。雖然用語言或文字來表現音樂美的知覺性格只是一種補充性嘗試，但是足以發揮學生的主觀能動性，使他們在內心建構與想象相關聯的音色。只有當學生通過自身感知到美的音色時，才可能在琴鍵上尋覓想獲得的聲響并再現它，進而帶入到演奏中。

3.把鋼琴視為音樂形象的塑造團隊

鋼琴因其擁有較寬廣的音域，以及豐富變化的聲響，堪比一個微縮樂團。對于彈奏者來說，必須運用想象力才能制造出各種色彩。演奏者可以把黑白相間的琴鍵想象成一個調色盤，如果能發揮鋼琴在色彩上的潛力，演奏者就能呈現出更豐富的聲音效果。從莫扎特到貝多芬、李斯特、拉赫馬尼諾夫……從他們的鋼琴作品中，可以尋覓到大量管弦樂甚至定音鼓的音色。在教學中，教師應充分鼓勵學生了解鋼琴以外的聲音世界，這包括所有的管弦樂和人聲，以及管風琴和其他樂器種類。通過內心聽覺，想象鋼琴上喚起相似的音響色彩，以此豐富自己的音色想象力。與此同時，可以把這種探索不同樂器音色的方式融入基礎性的練習和對作品的研究當中。教師應啟發學生，把自己想象成樂隊指揮，探索鋼琴中所固有的一些管弦樂特質。

在這首作品中，可以看到這樣典型的范例：這首始于柔版的第一樂章，以三音動機（g-f-降e）奏響全曲，給人以號角般的回憶和遠方遐想，很自然地讓人聯想到圓號的音色，此后按照動機結構以及聲部關系，可以用管弦樂或弦樂四重奏的配置來分配色彩，能在極大程度上豐富和擴展作品內部音域色彩范圍及厚度。

（二）強化聽覺對音響色彩的感知

音樂的物質材料是非語義性的，音樂的音響就具有了決定的意義。“在音樂體驗中所感到的美，主要是音相互關聯的美，是形成音的形式的構成美。”音樂音響色彩通常包含旋律起伏、和聲調性、節奏等諸多方面元素，演奏者通過心理聯覺機制，在傾聽音樂的過程中對音響強度、協和與不協和音程、節拍的律動等都會產生不同的心理感受和情感張力。因此，充分調動并激發學生對于音響色彩的興趣，對于建立聽覺上的審美意識是至關重要的。在音響色彩的聽覺審美方面，可以著重通過以下幾種途徑來提高。

1.培養傾聽技巧

學生需要注重對音響色彩的聽覺培養，通過不同的音調視角探索各種可能性。他們可以通過仔細聆聽控制觸鍵深度和離鍵速度，提高對音樂整體色彩的敏感度。在不同時期，音樂作品的風格以及情感表達也會有不同的表述方式，在音響上的呈現也具有不同特性，需要運用獨特的音色去處理。色彩性形態在音樂中的呈現需要用不同的強度去配合，才能體現音樂家作品風格在音響上的獨特美感。就如同把貝多芬的作品用莫扎特或者舒伯特的音色來演奏，就會失去貝多芬音樂的獨特力量。所以，在拿到一首作品時，應該盡早熟悉樂曲風格和結構的大致方向，它會引導演奏者制定出一定的練習方案，用最佳方式達到理想的音響效果。在鋼琴上，音響從奏出的一瞬間就在面臨著消逝，因此，要學會傾聽音響密度帶來的細微差別。教學中應訓練學生通過仔細聆聽控制觸鍵深度和離鍵速度，特別是在慢速旋律線條中，必須專注于衡量音的力度層次變化，并依據樂句的節奏韻律和音色細微層次進行相應的配合。此外，如何塑造旋律以及內聲部的線條和平衡，也需要學生具有極其敏銳的聽覺審美感知力。尤其是在鋼琴作品中，復調作品占據著極為重要的地位。例如在巴赫的眾多鍵盤作品中，不同的聲部旋律既有自身發展，又會時常交織在一起，這時演奏者就需要處理好各個聲部的關系，更要把每個聲部獨特的生命力和音色充分表現出來。如果把這些交給不同的樂器來演奏，聽眾能輕而易舉地分辨出不同的旋律線條，因為各個樂器的音質是不同的。而在鋼琴上，演奏者只能通過改變它們的“音量”來演奏出細膩的音色變化，并且要發展持續聆聽的能力。

2.強化對旋律和內在聲部結構的聽覺培養

學生需要發展對旋律的把控能力和聽覺審美，通過仔細聆聽來掌握音樂中的細節和情感強度。同時，還需要培養對旋律和內聲部線條平衡的聽覺感知力。在音樂作品中，旋律都是最重要的部分，也是音樂的靈魂所在。旋律包含著眾多的音樂基礎要素，如節奏、節拍、調性、音色等，在旋律線條中，可以使演奏者感知到存在于音樂中最直接的情感表達，并通過對聲音控制，將需要的音響效果和情感強度注入旋律的表達中。旋律的組織中蘊含著對句法的分析運用能力、對聲部結構的平衡能力、對音色的構建能力、對速度與節拍的掌控能力等，音樂的輪廓也由此建立在這些因素之上。在這個過程中，對節拍、速度的感受力以及對聲音控制的能力尤為重要。在教學過程中，很多學生已經習慣了節拍和小節線帶來的“界限”，當遇到跨越眾多小節的大樂句時，會在小節線中間有意識地作出自然強音，阻礙了整個樂句的流動性。相比其他樂器，在鋼琴上演奏圓滑而連貫的旋律線條需要極強的觸鍵控制，要彈出如歌般連貫的旋律必須仔細地聆聽，不但要聽到音的開始，更要仔細聆聽音的結束。

3.對聽覺期待的訓練——和聲的張力

需要注意的是，這里所指的聽覺期待是建立起帶有分析性的傾聽能力，通過演奏中對和聲張力的關系：緊張——放松（不協和音——協和音的解決），建立起對聆聽的渴望，并借由這種直接關乎于音響色彩的聽覺聯系喚起情感上的回應。在音樂中，音響通過調式及和聲的色彩使聽者在心里產生穩定與不穩定的傾向，而多聲部的結合又使人感受到和諧與不和諧的音樂語韻，這些都可以在極大程度上給聽者帶來情感上的沖擊力。音樂作品中，不同程度的和聲張力都是表達一切情感的基礎：不協和音在聽覺上帶來不斷增強的緊張度，而協和音則是對這種緊張度的釋放，這種張力與不協和性相互呼應，使聽者感受到或興奮、或緊張的情緒變化，特別是在18—19世紀的調性音樂中，這種由不協和到協和的解決都是非常重要的音樂元素。由此可見，演奏者可以充分調動聽覺上對于這種和聲張力上的聆聽期待，有意識地捕捉音樂中所要表達的情感強度。

4.重視手指動作與聽覺的聯系與互動

音樂演奏過程中，手指動作與聽覺之間必須能夠建立積極的聯系與互動。正如馬斯特納克所說，“手無法傾聽聲音，耳朵也無法進行演奏，但是我們可以讓手和耳朵成為兩個強大的互動伙伴。”從某種意義上看，演奏者的耳朵可以充當其向導，并且在如何演奏作品的問題上提供技術手段。教師應鼓勵學生在平時練習中探索一種以最大程度激發傾聽敏感度、興奮度以及專注力的方法，使內心—耳朵—觸覺三者協調起來，并通過運用相應的技巧表達內心的音樂意圖。筆者在此提出的演奏技巧構成包含眾多要素，是演奏技巧呈現的總體質量，如觸鍵、分句、指法等方面的具體內容。其中，在演奏的聲音畫面中塑造出情感強度和聲音空間性和層次，是關乎演奏技巧的重要因素，這些都建立在仔細聆聽并在練習中反復確認的基礎之上。反過來說，若學生無法分辨出音質是否不同，也就無法進一步掌握演奏技巧。因此，演奏技巧的塑造過程就是演奏者的音樂理念決定了演奏方式。每個演奏者都會在練習時尋找自己想要達到的理想音色和音樂意圖，發掘適用于自己的彈奏方式，直到找出獲得那種音色的動作。這是因為鋼琴觸鍵發聲后，無法再改變聲音，必須在內心預先感知到理想音色，再借由所需的技巧和身體協調性去獲得，借由內心聽覺與技巧完美結合，才有可能演奏出極具表現力和創造性的音樂。

在此，要想充分培養學生聽覺審美能力，并發掘全面而系統的演奏技巧，可以運用不同技巧類型塑造不同音樂色彩的方式進行練習：每個演奏家都有自己的音樂邏輯，他們會根據對樂句的分析，對整體結構做細微力度層次上的調整，進而調整情感。音樂中不同的色彩必須放在整體構思中才會有表現力。必須明確的是：世界上沒有所謂的最好音色，但一定要有符合音樂風格特性、整體構思和樂曲音色去表現與作品相符合的情感強度。而且，每個時期都有其獨特的時代審美標準和相應的運音法，就好比貝多芬的作品用舒伯特的音色去表現雖然是極其優美的，但勢必會失去貝多芬作品的獨特力量。因此，在表現正確音樂風格的表達上，要在和聲、速度、節奏、樂句等方面加以權衡，同時配合相應的音色概念。在教學中，教師要讓學生知道音色也可以作為分辨作品風格流派的標準之一。值得注意的是，不同空間對演奏音色的影響也是巨大的。如在音樂廳和琴房彈奏同一首樂曲，由于空間不同，帶來的必然是截然不同的兩種效果，從音響聲學角度來看，音響對室內建筑具有高度依賴性。在琴房，由于空間較小，演奏者聽到的聲音比較集中，能夠很清晰地呈現自己所希望的音響效果；而在空間較大的音樂廳，演奏的音響共鳴會增大，大部分學生反映找不到聲音的“位置”，耳朵會產生不適應的情況。因此，對于每個學生而言，能夠獲得較多的機會在音樂廳演奏是加強聽力感知訓練的一個有效途徑，在這種情況下，就更需要強調用內心感受和耳朵傾聽各音樂元素之間的聯系，并積極調動不同的技巧進行調整。學生在已掌握的基本演奏技巧模式（如手指跑動、手腕、手臂的運用方式等）之后，會依據音樂中具體的形態使不同的動作模式重組。

例如：在教學中，教師可以用一個音樂片段，用不同的音樂色彩和動作進行組合，做出多樣化嘗試。如在貝多芬《熱情奏鳴曲》的第二樂章，可以運用聲部間的相互比例和不同觸鍵動作來改變音樂特性。

這一段音樂可以試用幾種不同的彈奏方式來展示不同的特性。比如，沉穩和飽滿的音響：在各個聲部運用穩定且富有支撐性的手指觸鍵，以及稍加推動性的手臂重量，使整體音響相對趨于平衡，只在力度上有所區別，展現出堅定的貝多芬式旋律輪廓；又如，更具有歌唱性的音響：稍稍降低手掌的重心，調整手背和前臂位置，使手指更具柔韌性和伸展性，整體觸鍵偏淺，在鋼琴上模擬出“懸浮”音效，接近于演唱時的“半聲”效果，使中高音聲部旋律更為細膩圓滑，更具舒伯特性質的歌唱性；再如，厚重的音響：強調中聲部的主音力度，使之加強延續性，大指的觸鍵是深入推進的，發出較為粗重的音響，手位較高，運用具有滲透性的手指彈奏高聲部和低聲部旋律線條，表現出具有勃拉姆斯一般寬廣深沉的音響輪廓。

在音樂段落上對音色進行不同性質的塑造，可以調動聽覺，充分發掘不同的彈奏技巧，這種練習對于建立聽覺想象是極為重要的。一旦了解到樂句中的音樂意圖，學生就可以根據其自身理解拓寬技巧模式的可能性。

三、結語

在鋼琴教學中，提高聽覺審美是至關重要的環節。教師可以通過音樂形象的建構、音響色彩審美等途徑與教學實踐相結合，并最終掌握演奏技巧。聽覺審美感知力的培養是一個長期發展過程，它需要演奏者客觀而敏感地傾聽自己的彈奏。事實上，正確聆聽也是在所有技巧中最重要和最根本的技巧，它關乎演奏者如何去感受、如何思考以及如何詮釋音樂，也正因為有了良好的傾聽能力和審美意識，演奏者才能在藝術道路上取得持續發展和進步。在教學中，如何發展傾聽技巧，并引導和培養學生的審美意識和演奏技能，進行有意識地練習，始終是教師需要深刻思考和探討的問題，它涉及演奏中從音色到觸鍵、從作品結構到風格的方方面面，只有當學生能夠掌握自我聆聽藝術時，他們才能夠在音樂上逐漸成熟。

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基金項目：本文為“武漢音樂學院教學研究資助項目”階段性成果，項目編號：200202。