中提琴樂隊困難片段訓練方法研究

【摘 ""要】音樂學院管弦系或綜合類大學音樂學院中提琴表演專業教學的重點之一就是培養高水準、高素質的樂隊演奏人才。要成為這樣的樂隊演奏人才，對于中提琴表演專業學生而言，進行全面系統的樂隊訓練則是其必須學習的內容。基于此，本文主要針對學生在練習樂隊困難片段中的難點以及練習的方法等進行分析和研究。

【關鍵詞】中提琴 "樂隊困難片段 "訓練方法 "音樂教學

中圖分類號：J60-05""文獻標識碼：A "文章編號：1008-3359（2024）03-0110－06

中提琴的學習需要采用各種訓練方式加以培養，除了傳統的音階、練習曲及獨奏等訓練外，對于將來參加合奏及樂隊也是必不可少的學習路徑。在樂隊訓練的過程中，首先得進行樂隊片段的演奏訓練。

一、樂隊困難片段教學現狀與中提琴表演專業學生就業現狀

（一）樂隊困難片段的教學現狀

目前，國內各大音樂學院管弦系或綜合類大學音樂學院中提琴表演專業的學生每學期的考試內容，大多以音階、練習曲和獨奏作品為主。期中考試的內容通常為音階、練習曲及巴赫無伴奏作品；期末考試的內容一般為演奏一首協奏曲和一首奏鳴曲。然而，樂隊困難片段并未列入考試的范圍之內。雖然音階、練習曲和獨奏作品是音樂表演類學生必須掌握的內容，但樂隊困難片段的教學也需要被重視。目前，音樂學院西洋管弦樂教師對學生的培養更偏重于獨奏演奏，而在培養學生樂團演奏方面稍有欠缺。二者在教學安排中比例明顯失衡，這也是造成學生對樂隊困難片段缺乏重視的原因之一。在歐美國家，許多音樂學院管弦專業的學生在進入大學二年級之后便開始接受系統化的樂團訓練，這樣的訓練能大大提高學生的合作與協調能力。

（二）中提琴表演專業學生就業現狀

中提琴表演專業學生的就業動向主要可分為兩個方向：教師和職業交響樂團演奏員。就兩者而言，職業交響樂團演奏員的需求量遠遠大于中提琴教師的需求。職業交響樂團為中提琴專業的學生提供了許多就業機會。一般情況下，一個職業交響樂團至少需要十二位中提琴演奏員。就目前全國各交響樂團對中提琴演奏員的需求來看，仍存在很多空缺崗位，尤其對優秀的中提琴演奏員，需求量是很大的。由此可見，中提琴表演專業學生在校期間樂隊困難片段的訓練是尤為重要的，能夠為未來就業打下良好的基礎。

二、中提琴樂隊困難片段訓練方法

（一）樂隊片段難點研究

中提琴的樂隊困難片段曲目量較大，包括各種不同類型、不同時期、不同風格的曲目。根據技術類型對曲目進行分類，大致可分為單一技術為主和復合技術兩種類型。

1.單一技術類型的困難片段

（1）以跳弓技術為主

門德爾松的《仲夏夜之夢》詼諧曲（17小節至排練號D），3/8的拍號，三拍子的律動。這一作品的考試難點在于音準節奏的精準性、非離弦跳弓的把握以及跳弓的同時保持相對較弱的力度。非離弦跳弓，指的是在控制弓桿彈跳的同時保持弓毛不離弦，這一跳弓技術需要演奏者右手無名指與小拇指具有強大的協調功能，在感受弓桿彈跳性的同時，保持音色的統一與均勻。

整段大多以弱力度進行，既要保證跳弓的音色穩定，又要確保小音符的顆粒感。在練習這一困難片段時，節奏的精準性可提前用空弦練習，在節拍器的幫助下將這一段中節奏最難把握的八分音符與四個十六分音符組合的節奏型練習精確，并且使之符合三拍子的律動。同時，弓法也需要提前與節奏一起練習，因為第一個八分音符和隨后緊跟著的第一個十六分音符都是拉弓的弓法。若右手小指的力量較弱，則無法在短時間內實現對琴弓的緩沖，這樣會使后面緊接著的四個十六分音符無法跳躍，從而破壞這段音樂的風格。

當單根弦上的跳音練習穩定后，33小節出現的換弦跳音則是練習時出現的第二個難點。為了達到音色統一，需要配合右臂的平面轉換的動作將換弦的跳音以同樣的音質演奏出來。B段開始變為六個十六分音符的跳音演奏，在換弦的地方需要特別注意。換弦時常出現跳弓變為拉奏、弓桿彈簧失效等問題，這使得力度的控制變得困難。同理，在C段后的第6小節也出現了頻繁的換弦跳弓，都需要演奏者在練習時著重單項練習，力求在控制節奏與力度的同時達到音色的統一。

莫扎特的《魔笛》序曲（27～51小節，見譜例1）這一片段的難點在于離弦跳弓的控制以及力度的變化。一小節內從p到f的處理，使得跳弓的同時換弦成為這一段的演奏難點。離弦跳弓相比非離弦跳弓更難控制音色的統一，尤其是在連續換弦的基礎上，這就變得更加困難。27小節之前，由一提與二提聲部演奏同樣的旋律，到了27小節，則由中提和大提聲部將旋律銜接。27小節在八分音符跳弓轉十六分音符連弓的基礎上，加入了對比性較大的力度變化。這一段弓法的設計有兩個選擇：一是將兩小節的十六分音符的連弓全演奏為拉弓；二是順著弓法演奏。順著演奏在弓法上的轉換雖然容易，但對于跳弓音色的控制是相當困難的。

譜例1：

第1小節是下弓起奏，第一組的十六分音符連音則是拉弓，只需右手食指向下給力，這樣既能滿足由跳弓變為貼弦的演奏，又能將力度變為強。然而，下一小節則是由推弓開始，在速度過快的情況下，“逆向”拉奏的弓法可能會使跳音的音色改變，并且力度無法得到精準控制。因此，許多樂團在演奏時會選用第二種演奏方法，即將兩個小節的十六分音符都演奏成拉弓。

第28小節十六分音符前的兩個八分音符與29小節前兩個八分音符變為連推弓，使得所有的強力度的音符都在拉弓上演奏。同時，拉弓的貼弦演奏弓段不宜過長，因為上半弓跳弓相較于下半弓跳弓而言更難控制音色的統一。

勃拉姆斯《第二交響曲》的第三樂章（33～83小節）這一段為離弦跳弓，33、34、38小節最后半拍的重音需要處理明顯，A段之后的附點節奏、重音處理、63小節的突弱、離弦跳弓的音色控制以及不規則重音，都是這一片段的難點所在。

（2）以復合跳弓為主

貝多芬《第三交響曲》的第三樂章，除了幾個小節外，主要由四分音符構成，節奏較快，整個力度需要保持在pp。雖然是3/4拍，但需要將一小節想象成三連音的節奏感。這一片段的困難性在于融合了多種跳弓技術，例如，第三樂章一開始的跳弓在pp的力度上需要保持非離弦跳弓的均勻與節奏的穩定，此時主要靠右手手指的力量將弓桿彈起而弓毛貼弦。開頭弦樂聲部都為一樣的節奏，為木管組樂器之后的旋律做鋪墊。這一段的跳音不需要太多的強調，均勻、連貫、節奏穩定即可。46小節開始，弓法由分弓變為了部分連弓，弓子在弦上拉完之后迅速在下一個音跳起，隨后又迅速轉化到離弦跳弓，最后落在三拍的重音上。這一段右手需要對琴弓有著極高的控制能力。109小節開始跨弦離弦跳弓并且持續漸強，演奏時需要時刻注意右手的角度以及琴弦的震動。離弦跳弓較難掌握的是音色的穩定、跳弓高度的控制以及琴弓跳起后回到琴弦上右手的緩沖。

勃拉姆斯《海頓主題變奏》的第五主題變奏（206～263小節）這一段的速度較快，音準較難把握。206小節在連弓貼弦演奏完需迅速轉換為跳弓，fp的力度要求演奏者在演奏時右手食指快速給點后松開。弓段不能過長，否則上半弓的跳弓難以控制。210、211小節快速漸強，這兩個小節的演奏法相同，即兩個八分音符的連音加一個八分音符的跳音。每組連音的弓段逐漸增加，跳音利用右手手指向上展開并配合右臂的向上抬起快速離弦，再利用右手無名指小拇指向下收縮，使回到琴弦時具有一定的緩沖。212小節迅速變弱，此時跳弓為非離弦跳弓。從217小節開始，出現不規則的重音以及弓法變化，這一段運用的跳弓為離弦跳弓。快速的貼弦與離弦跳弓的轉換是演奏者在練習這一片段時需要格外注意的難點。

（3）以換把、換弦技術為主

肖斯塔科維奇《第五交響曲》排練號碼15—17號，這一段雖是慢板但極難演奏，需要在換把的同時兼顧換指、換弓、換弦等左手技巧。這一樂句氣息不能因換把或換弦而停滯，演奏出連綿起伏的音樂效果是這一片段的難點。例如，排練號15至16這7個小節中，大跨度的音程有六度音程、七度音程和八度音程。六度音程與八度音程在練習雙音音階時都有所涉及，七度音程則相對陌生，因此對于音準的把握也相對欠缺。在練習時，應當充分利用左手各個部位與琴身的觸覺感熟悉換把的位置，通過多次練習將觸覺固定。左手手指觸弦的角度應在第一指節站立的同時盡量向下“倒”，使左手觸弦面積增大，從而保證高把位揉音的幅度與寬度。

勃拉姆斯的《海頓主題變奏曲》第一主題變奏（30～58小節）涉及豐富的情感表達，這一樂段需要通過弓法和音色來傳達不同的情感，這對于演奏是非常關鍵的。在一弓內不斷連續地換弦與換把是這一樂段的難點所在。演奏者需要通過變化壓力與速度來改變音色，使長連弓內的每個音都具有傾向感與連續性。這一段的難點在于高音弦換至低音弦的瞬間，弓毛無法完全“掛”住琴弦，從而使音色發虛，樂句不連貫。為避免這種現象的產生，演奏者在練習時應多注重換弦時右手手指的動作，尤其是右手無名指與小拇指在換弦時的動作。由于一弓連接的音較多，因此每個音弓段的分配極為重要，演奏者在練習時也需要注意。

（4）以快速換指為主

莫扎特的《費加羅的婚禮》序曲（1～7小節）這一樂句中，提琴聲部與大提琴聲部同時拉奏。急板的速度及pp的力度使得中低聲部的樂器在快速換指時需要更加注意發音的清晰度。左手小拇指的獨立性是這一樂段音符具有顆粒性的關鍵，并且左手無名指和小拇指的迅速轉換，是這個樂段清晰連貫的關鍵。第1小節出現的“D、C”與第3小節的“A、G”均涉及小拇指與無名指的快速轉換，演奏者在練習時需要從指根開始發力，迅速地抬起落下，不能因為pp的力度而減弱左手小拇指敲打指板的力度，這里的換音必須清晰且完全匹配節奏。

莫扎特的《第三十五交響曲》第四樂章（134～181小節，見譜例2）中，這一大段氣息不斷的長樂句要求換弓、換弦時保持平穩，以達到自然過渡到主題的效果。這里的難點在于前3小節半把的移位，這需要演奏者具備良好的手型框架，以保證音準。無名指的換指是前兩小節不能忽視的技術難點。一般來說，無名指在快速跑動時主要起到一個連接的作用，但在這三個小節中無名指的換指直接決定了后面手指的轉換。在147小節之后，弓要緊貼琴弦，在弦上拉奏，右手需控制不要因快速換弓而產生彈跳。159小節也是對快速換指的挑戰，指法是“3、2、3、1”，這一段是對中指的巨大挑戰。在中指的“F”音結束后，需要迅速抬起不要有保留手指的趨勢，否則在無名指的“G”抬起后，無法清晰地聽到食指的換音，而是被中指模糊掉。同時，手指的獨立性在這一片段中也是難點之一。演奏者在練習時，可先進行慢速練習，再逐漸提速。

譜例2：

（5）以揉音技術為主的慢板

柏遼茲的《羅馬狂歡節》序曲（排練號1至4）這一片段的難點在于氣息的流暢以及揉音的持續。從38小節最后一拍至44小節持續漸強，除了力度的變化，揉音也需要隨著音樂的起伏與走向越來越寬廣。直至44小節，揉音幅度伸展開，隨后45小節音樂情緒略微下降，為下一樂句的高潮部分做出準備。相比前一樂句，45小節開始的樂句更能體現這個樂段中揉音的難點。揉音幅度要更加的寬廣，與英國管旋律交叉進行，音色要相互靠近，演奏出溫潤、恬靜的感覺。手指觸弦面積需要增加，并且在換指時保持揉音不間斷。演奏者可以通過將揉音帶入日常的音階練習中，進行不間斷揉音的訓練。

布魯克納的《第四交響曲》第二樂章（排練號C至D）這一樂段中提琴聲部作為主旋律推動著音樂的進行，它利用了最能展示中提琴音色溫潤特點的音區。從D弦無名指開始演奏，換把時要注意揉音的銜接。60小節在C弦上進行演奏，演奏者在低音弦揉音時需要將手肘逆時針方向旋轉，確保手指在充分接觸琴弦的同時還有前后搖動的空間。長線條的樂句同時也考驗著演奏者的耐心，在持續揉音的同時也要注意對力度變化的處理。

（6）以復雜節奏為主

巴托克《樂隊協奏曲》的第四樂章（42～60小節）中，其不斷變化的節拍而產生的律動感改變是這一樂段的難點。由于每小節都在變換節拍，演奏時容易造成節奏上的失誤。在練習這樣復雜節拍的樂隊困難片段時應忘記小節之間節拍變化的界限，將這些小節按照樂段律動劃分成一個個的節奏音組，通過律動找到節拍之間的平衡。

拉威爾的《達夫尼與克洛埃》第二組曲（排練號164至166）中，6連音的節奏型中加入了許多休止符與震弓，使得演奏更為復雜。一拍內的力度處理需要更加細致精準，而橄欖型的力度控制需要右手在節奏內進行更為精準的把控。

2.復合技術的樂隊困難片段

與那些以單一技術為主的樂隊片段相比，有一些片段更注重綜合能力的體現。此類困難片段中，柴可夫斯基的《第六交響曲》第一樂章（19～62小節，見譜例3）便是一個很好的例子。它的中提琴聲部在19小節進入主題，銜接的是小提琴聲部。快速銜接、音色的統一以及力度的逐漸減弱是這段音樂的關鍵。演奏者需要從連奏快速銜接到非離弦跳弓，這對右手的控制能力要求較高。

譜例3：

隨后出現的連跳弓演奏，更加注重對右手的感知能力與音色的控制。前3小節有兩個“橄欖型”的力度標記，它們是這一樂章中最重要的主題材料之一。在這里，演奏者需要應用弓速實現力度變化，確保前兩個八分音符演奏出傾向感，并將力度最強的音落在下一小節的第一個“D”上。

32小節力度為pp，演奏者需要在C弦上演奏十六分音符的非離線跳弓。由于力度的要求，這一樂段需要將琴弓向指板方向偏移，即使在力度pp基礎上，也要保持跳音的清晰。42小節是這一樂隊片段的重要難點之一。在這一部分，演奏者需要在p力度上進行十六分音符連弓銜接離弦跳弓。在演奏時，不僅要確保跳音點的清晰，還要保持兩個跳音音色的一致，同時還需注意節奏的穩定。特別是在演奏兩個十六分音符的連跳弓時，演奏者要在保持跳音清晰的同時做到八分音符時長的準確。

理查·施特勞斯的《唐璜》（1～66小節，見譜例4）這一樂段是技術融合的綜合體現，包含了快速的音階、琶音、變化復雜的弓法，以及不規則的拍子、豐富的變奏和突然的節奏變化等多元技術元素。在演奏起始樂句時，需注意音樂的傾向感、力度的推進以及節奏的多變性，要求演奏者靈活運用運弓技巧，并結合扎實的左手技術，實現豐富的音色變化。在第4小節中，五連音與六連音的銜接處需要演奏者增強對音準的控制力。在進行六連音演奏時，升F與升G的換把容易出現音準不準的現象，需要在練習時反復多次練習以達到對音準的精確控制。23、25小節中連續三連音的演奏，需注意同指換音的清晰度，以及緊縮手型時對音準的把握與手指的獨立。32小節的快速換弦換把更是體現了這首作品對于技術的高難度要求。52小節從f拉奏到p的跳弓是難點所在，這一段需要右手完全放松，跳音離弦不要太高以保持三連音的速度與音色的質感。同時，音準的準確性在這一樂段中也是難點之一。連續小二度的音程進行會讓演奏者的音準模糊，演奏者在練習時要先通過音名唱譜的方式確定變化音之間的音程關系。在日常練習中可通過半音音階的練習，加強同手指換音的準確性與顆粒感。

譜例4：

（二）訓練步驟

1.整體風格把控

準確把握整體的音樂風格是練習不同作品中困難片段的首要任務。在進行練習前，第一步是仔細研讀總譜，以明確中提琴聲部在這一困難片段中的具體位置，以及與其他樂器的關系。這包括了對旋律、和聲和整體結構的深入理解。

在中提琴演奏困難樂段時，更為關鍵的是對樂隊中其他聲部的旋律有清晰而全面的認識。這種認識有助于建立中提琴與其他樂器之間的和諧關系，確保中提琴在整個樂隊中扮演準確的角色。首先，在練習一首作品前，演奏者需要提前了解作曲家以及創作這首作品的時代背景，對作曲家所處時代的音樂風格有大致的了解。其次，通過聆聽世界知名樂團對所練習樂段的演繹，初步認識與了解音樂的整體感。最后，再通過對樂譜的練習，致力于達到對音樂風格的完美詮釋。這個過程不僅僅涉及技術的執行，更是對音樂整體理解的過程。通過深入研究總譜與其他聲部的關系，中提琴演奏者能夠更準確地捕捉到音樂片段的情感表達和風格特征，這樣的深度認知是實現音樂完美表達的關鍵。

2.技術難點精練

臺下練琴的目的要明確：在個人練習過程中，不應只聚焦于音準、節奏和音樂表達，還需在大腦中模擬舞臺演奏的場景，以此鍛煉自己適應演奏時的緊張氛圍和應對各種突發情況的能力。

對于音準與節奏困難的樂段，演奏者需要在練習前通過唱譜達到對樂譜的初步熟悉。在練習時，無論節奏如何變動，都需確保整體音樂結構的一致性，并注重在節奏中展現出樂段的旋律起伏。此外，演奏者在練習時也需關注樂句中休止符和長音符的處理，確保其精確無誤，不偏離整體樂隊的節奏，同時對其他聲部的旋律有清晰的認知。對于節奏和音準的系統訓練，可運用柏遼茲的《羅馬狂歡節》和門德爾松的《仲夏夜之夢》進行練習。

對于音樂風格較復雜的樂隊片段，演奏者需要對樂段的細節進行設計，例如弦樂演奏中撥弦的音樂性、強弱力度的音樂形象、右手運弓技巧對音色的影響以及句法劃分和強弱起伏的標記等。

在演奏中，撥弦不僅僅是簡單的發聲，它更需要適應整體的音樂風格。撥弦時，演奏者要關注音色的變化、音準的把控以及整體樂隊的協調。強弱力度所表現的音樂形象，往往體現在特定的樂句中。為適應作品的音樂風格和表達需求，演奏者在演奏時需對樂句所處的整體音樂風格進行把控。除了左手的技術變化，音樂表現力復雜的音樂還要求演奏者更加重視右手運弓技巧對音色變化的影響。在劃分樂句與處理強弱起伏時，演奏者需要明確整體音樂的走向，并與指揮和樂隊保持一致。

三、樂隊中的演奏思維

獨奏和樂隊演奏在演奏理念上存在著顯著差異。在獨奏中，演奏者在遵循作曲家創作意圖的同時，有充分的空間來展示個性，既在音樂表達上，也在技術層面上突顯自己的獨特風格。相較之下，樂隊演奏則要求演奏者在嚴格遵循樂譜規定的演奏法基礎上，建立一種共性，約束個性，以實現整體演奏的協調一致。具體而言，學生需要進行思維上的轉變，將獨奏時的個性突出和自由表達轉換為樂隊合作的思維方式。這意味著需要更加注重與其他樂器的協調，遵循整體樂團的演奏規范，確保自己的音樂表達能夠融入整體的音樂結構之中。這種轉變需要學生在樂隊演奏中保持敏感度，以便在合奏中找到平衡。在樂隊排練時，學生需要適應各個指揮的風格，并按要求進行演奏。這樣的樂隊思維不僅有助于打破個性化演奏的弊端，還能促進集體音樂表達的統一性。

四、結語

樂隊困難片段練習的質量，是對學生能否適應并駕馭不同種類作品的真實檢驗。音準的精確度、節奏的穩定性、音色的優美以及音樂風格的準確性，都需要通過反復練習來達到近乎完美的狀態。系統化的樂隊困難片段練習不僅考驗技術水平，還能夠全面提高學生對音樂的理解與表達。這無疑是中提琴學生在演奏技巧上持續發展和完善的關鍵一步。

參考文獻：

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