探析素描教學中觀察方式的建立

朱貫虹

摘 要：一些人認為素描僅僅是一種表現明暗的單色畫，但其實素描是繪畫和設計類專業的基礎課，但凡視覺藝術都離不開素描意識的訓練，而建立正確素描意識和觀念最重要的一個手段就是觀察方法的建立。

關鍵詞：素描教學；觀察方式；視覺藝術

素描的基本概念中包含了很多藝術規律性的原理，筆者認為結構意識的建立尤為重要。結構不僅僅涉及對描繪對象的剖析，更重要的是它闡述了形態之間的關聯性。在給物象造型的過程中，只有把各種形態因素有機地聯系在一起，這個形象的體量感才能厚重。欲使物象內在的形式具有一種抽象美感，則造型不能太圓，圓了之后則會弱化畫面格調。因此，繪畫過程中需要把形體轉折面的具體方位表達明確，不然造型會顯得含混而沒有力度。徐悲鴻所說的“寧方勿圓，寧臟勿凈”也是這個道理。“臟”指的對畫面不斷探索追問，在混沌中逐漸呈現畫面的結構。達·芬奇認為，自然界的萬物皆是由不同的“面”構成的，而“面”的構成方式千差萬別，大自然沒有絕對重復的兩種物質。從人物形體構成方式上講，“面”所在位置相同，但形狀大小各不相同，所以繪畫過程中需要繪畫者仔細觀察。對解剖結構的理解能夠幫助繪畫者更深入地了解物象的內在構成邏輯，但代替不了眼睛的真實觀察，因此在看待形體時要準確分辨出每個面的比例方位等特點，這樣才能創造出鮮活、具有生命力的視覺形象。

一、素描創作要點

筆者認為上文談到的造型中的“方”是找到不同物象特征的唯一路徑。素描的本質是在二維平面上給觀者呈現出三維立體空間的錯覺效果。從整幅作品的構成要素上講，素描要在高度協調中蘊含不同，使整體與局部永遠處于矛盾和統一的辯證關系當中。優秀的畫面包含著一種無限趨于理性化的生動性。素描訓練的其中一個要義是讓人們的眼睛變得善于捕捉細致畫面，這不僅限于刻畫的細膩，而是要讓眼睛能夠辨析出造型的各種差別。藝術雖然表面上看是模糊感性的，實際上它是由無窮無盡的理性堆疊在一起的一種感性表象，所以應當如何學習素描？答案是找到物象背后的本質所在，而非無止盡地追求刻畫的細致，并將大量的時間花費在對全因素素描的訓練上，因為這種方式對于學生繪畫感知能力的培養有所缺失，一味追求浮于表層的細致會讓人喪失對畫面整體構架的判斷與把握。藝術作品格調的高低與繪畫風格的粗獷或細致沒有必然聯系，素描最重要的是審美價值判斷，是對世界認知方式的展現。

在進行素描創作時，應首先把精力放在觀察物象上，如果不研究視覺審美上的語法問題，就掌握不了素描的源頭。素描藝術源于模仿，隨著觀察方式的不斷更迭，模仿形式亦愈發逼真。素描從表象上看只是單純地模仿了事物外在的形式，但是其真正的魅力絕不僅限于肉眼所見的真實性，而是其背后蘊藏著的抽象美。素描的準確性并非類似于醫用解剖圖的呈現，而具有畫面高度協調性的體現，所以雖然近看委拉斯貴支的作品（圖1）就寥寥幾筆，遠看卻是一個非常生動的形象。這種視覺上的真實感不是來源于自然形象的簡單描摹，而是繪畫者對生活方式的長期思考。所有的繪畫作品都有一種內在訴求，素描創作中的取舍問題顯得尤為重要，素描研究從某種意義上來說是探索生命的本質，所以繪畫者所關注的點首先是大眾的生活方式，其次是文化價值，最高層次的研究則是對生命本質的探索。這種取舍問題的背后都有一個文化價值邏輯，繪畫者要在一堆復雜系統中辨別出有用的信息。

二、名家素描作品

當談到19世紀新古典主義畫家安格爾時，人們會想到“用線高手”“畫面制作精良”等詞匯。然而，人們對安格爾所倡導的一些繪畫理念存在一些誤讀，比如有人認為安格爾畫的線條太圓了，或是認為他的作品流于匠氣等。安格爾早年在達維特畫室做學徒時，他的素描作品中就已經展現出很多卓而不群的特質，例如對于人體比例的夸張和變形。安格爾后來愈發不滿足于自己老師達維特的教學理念，于是他對古希臘時期的審美特點進行追溯并汲取其豐富的營養。最難能可貴的是，安格爾開始認識到變形的美感，也開始注重畫面抽象構成因素的重要性。這一點具有劃時代意義，繪畫者應該主動發現自然，而不是被動地復制照搬。繪畫者需要探索大自然的規律和奧秘，并將其吸收，為自己的生活方式服務。安格爾十分注重素描基礎訓練，在教授學生的時候他總會強調素描的重要性。他時常告誡學生，在素描的造型基本功沒有達到一定水準的時候不要去碰油畫。安格爾還強調臨摹作品時不能陷入細節，要把握住畫面整體的美感，快速并準確地臨摹出大框架。他希望學生能夠通過臨摹古代大師的優秀作品，體會到畫面抽象美的張力。安格爾的藝術特點是將生活中平淡的自然形象轉換成合理并富有張力的藝術形象，且能將其準確地在自己素描中呈現出來。這些無關風格和題材，只和藝術性相關。安格爾的《尼克洛·帕格尼尼肖像》如圖2所示。

安格爾在繪畫過程中完全把一個自然形象轉換成幾何形式去理解，在創作的準備階段經營畫面構成形式，用線條勾勒形體的輪廓，用眼睛去觀察形體的特點。需要注意的是，當人們觀察對象時，眼睛不會失去焦點，而余光里的世界是虛的，并且當人們轉換焦點時，視覺主體也會產生相應的變化。然而，在繪畫時繪畫者會不自覺地在素描作品中打破這個生理規律，于是素描作品中會出現多個清晰焦點，導致畫面重點不夠突出。這也是為何觀者在面對一些畫得非常精細，所有細節都與觀察對象一樣的作品時，反而覺得它不真實的原因。而當觀者看到主次有序的作品時，便會覺得賞心悅目，這主要就是因為素描作品所構建出的畫面視覺關系符合人們平時觀察的生理特點。

安格爾的素描給人們的啟示是素描作品也可以如此簡約，主要依靠線條勾勒輪廓就可以形成一張完整的畫面。大衛·霍克尼在他的著作《隱秘的技術》這一書中提到，安格爾應該是在繪畫的初始階段運用了光學儀器輔助打形，所以在他的素描作品畫面中，所有輪廓線基本是一次成型的，很少需要修改。據研究，歷史上許多偉大的畫家都是運用光學儀器來輔助他們完成最初的素描打形，但這并不影響他們用獨特的視角去觀察并準確無誤地表達形象的體積特征。當觀者瞇起眼睛、退遠看安格爾的素描作品時，會發現所有的線神奇地消失了，似乎從沒存在過，映入人們眼簾的是豐富的不同朝向的多曲面。由此可見，安格爾作品散發魅力的抽象美，在很大程度上依賴于他本人對于形體轉折處的敏銳觀察。如圖3所示，人物的眼球鑲嵌在眼眶里，人物左眼眉弓處往下走，直至連接到鼻骨，顴骨往臉頰后面轉折至枕骨位置，這樣一來安格爾就把一個人物形象生動地塑造了出來。安格爾所塑造的人物形象，單從一個局部就能看出若干個微妙轉折變化，也正是因為他具有對素描的深刻理解，所以深諳造型之道的安格爾能夠用分面的方式在畫面中制造出無數的生動變化，這使他的素描作品形成了一種以堅實體積為支撐的獨特抽象形式的美感。在安格爾的其他繪畫作品中，觀者還能感受到大塊面積的明暗層次變化，這也是畫面中抽象美的重要構成元素。

安格爾的素描作品特別注重畫面抽象美的平衡性。譬如在繪畫過程中，安格爾會極力尋求隱藏在圖像背后的抽象美、層次美、體積美和空間美。筆者認為，在一幅畫的評判標準中，抽象因素占據了舉足輕重的地位，諸如蒙德里安、康定斯基、波洛克等繪畫大師，也都擅長用抽象的手法來表達情感。由此可見，現代畫家與古典畫家對于繪畫之美理解的底層邏輯是一脈相承的，大師都意識到抽象美要素決定了藝術作品的高度，于是他們將具體形象從事物中剝離掉，用純粹的抽象語言來建構畫面，以此使作品達到一個具有生命力和張力的美學高度。那么，為何現在的美術基礎教育以素描為主要的造型訓練手段？這就要追溯到文藝復興時期，世界藝術經歷了漫長的黑暗中世紀，藝術家重拾古希臘精神，直面物體進行素描，研究解剖，觀察自然形象，自此繪畫開啟了一個全新的局面，直至巴洛克時期達到巔峰。也許有人會有疑問：為何照片替代不了素描？這是因為繪畫者的素描創作需要建立在對三維世界的觀察上，它所包含的因素是多樣的。物象皆有一個立體的三維厚度，所以繪畫者在素描時需要根據形體表面的起伏線索在大腦中想象出橫截面的形態，這樣才能將其準確地用素描表現出來。而照片是二維畫面，缺少厚度因素，這無疑會導致一些信息的缺失。如圖4所示，安格爾在素描草圖中一直在不斷修正與調整，使得打形更為精準。素描的過程是不斷調整自己觀察方式的過程，是對于看到什么、發現什么，以及物象美的原因和如何準確表達情感進行的縱深追問。

三、結語

筆者認為，在藝術教育中需要特別重視短期作業的訓練。西方大師很少畫長期素描，他們往往是通過短期的、小幅畫面的素描來構建自己審美體系的根本。他們的素描作品注重遠觀的效果，而忽略近看時細節的周到，這使作品畫面形成了一種張力。比如，納比派藝術家維亞爾、博納爾等人在素描創作的過程中一直追求一種未完成感，以筆觸涂抹的生猛性形成整幅畫作的藝術張力。在平時藝術訓練課程中，一些學生的素描在創作初期很有感染力，但是隨著創作的逐漸深入，又迷失了方向。這是由于學生在剛開始打形時沒有考慮太多的細節，看到的是畫面整體的抽象性，此刻的觀察方式無疑是最科學的，但在深入過程中，沒有經歷過嚴格藝術訓練的人往往會有一種追求細致刻畫的執念，在這種錯誤思維的引導下，畫面開始變得“面面俱到”，邏輯混亂，觀察方式變得越來越局限，導致畫面整體性嚴重缺失。

在整個素描過程中，首先要看到自我，了解自我，理解自身該如何與大自然和諧相處，多審視自己，站在一個更宏觀的角度形成對事物的判斷。學習素描最重要的不是技巧的訓練，而是對價值觀的理解。這樣的價值觀不僅體現在素描上，還體現在對世間萬物、對文化的理解上。

參考文獻：

[1]高宗英.素描之道[M].北京：中國文聯出版社，2005.

[2]佟安生，王希奇.素描技巧入門奧秘[M].沈陽：遼寧美術出版社，1997.

作者單位：

上海外國語大學賢達經濟人文學院